Théâtre

Éonnagata au TCE

2011-01-02 01:28+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Danse — Théâtre

Étant tombé récemment sur une vidéo de Sylvie Guillem, je m'étais dit que ce serait bien d'aller la voir danser un de ces jours. C'était le bon moment puisqu'une série de représentation de Éonnagata était programmée au Théâtre des Champs-Élysées.

C'est un très beau spectacle, mais commercialement, ç'a l'air d'être un ratage monumental en dépit d'une importante campagne d'affichage publicitaire. Je n'ai jamais vu le Théâtre des Champs-Élysées aussi vide, il n'y avait par exemple presque personne au deuxième balcon. Curieusement, le parterre était presque plein : sans doute des ninjas et des invités. Les places étaient à 15€, 40€, 60€, 78€ et 95€. J'ai fait un fort bon tirage, puisque pour 15€, j'ai eu une place au premier rang de corbeille, certes excentrée, mais qui ne laissait qu'un petit angle mort au fond du côté cour, d'autant plus que j'ai pu me décaler un peu grâce aux places vides...

Les trois concepteurs du spectacle, Sylvie Guillem, Robert Lepage et Russell Maliphant en sont aussi les interprètes. Ils jouent, parlent, chantent, dansent tous les trois. L'histoire est très facile à suivre, peut-être un peu trop d'après Rosita Boisseau dans Le Monde. En effet, dès après quelques minutes, Sylvie Guillem raconte un résumé de l'histoire du chevalier d'Éon, espion travesti dont l'identité sexuelle fut plus qu'ambiguë ; il est alors aisé de reconnaître dans chaque scène le moment de la vie du chevalier auquel elle renvoie.

Dans les scènes dansées, Sylvie Guillem et Russell Maliphant paraissent plus à l'aise que Robert Lepage, qui s'en sort quand même fort bien. Un passage des plus spectaculaires se trouve au début du spectacle, qui semble représenter une leçon de clavecin qui dégénère. Les clavecins sont figurés par de simples tables en bois qui seront réutilisées à d'autres fins par la suite. Les danseurs sautent, glissent sur les tables, tournent. Dans cette scène et d'autres, Sylvie Guillem est impressionnante de fluidité et de souplesse.

Dans ce spectacle, tout tourne autour de l'ambiguité du personnage. Pour le spectateur, il y a également ambiguité sur l'interprète. Ainsi, à un moment, on croit voir paraître un homme en ombres chinoises au fond de la scène. Mais c'est Sylvie Guillem, dont le costume aura été rembourré à l'entrejambe. La mise en scène est ainsi véritablement magique. Même au plus près de la scène, on est constamment surpris par les tours qui sont faits, comme dans cette scène située vers la fin du spectacle où lorsque Russell Maliphant se regarde dans un miroir (fixé sur une table en bois), sans qu'on l'ait vue arriver, Sylvie Guillem reproduit les mouvements de son partenaire en symétrique. Cette magie se trouve aussi dans la manipulation de marionnettes géantes et dans les nombreux changements de costumes et d'accessoires qui se font derrière d'étroits rideaux noirs qui traversent la scène. Parmi les merveilleuses trouvailles de mise en scène, on compte aussi des accessoires qui changent subitement de fonction, comme lors de la scène où le chevalier fait une chute de cheval. Les lumières de Michael Hulls sont très belles aussi : souvent, ce sont elles qui créent une sorte de décor mouvant dans lequel évoluent les interprètes.

Le spectacle renvoie aussi à la culture japonaise, mais de façon plutôt modérée. Outre la géante marionnette, on verra une référence aux tambours japonais tels qu'on pouvait les voir et les entendre dans Kaguyahime.

Bref, ce me semble être un spectacle très intelligement conçu, très beau, très intelligible (il diffère en cela de Passion de Dusapin/Waltz). Il reste encore plein de places à vendre pour les six dernières représentations...

Ailleurs : Anne Deniau.

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Une Flûte Enchantée aux Bouffes du Nord

2010-11-10 02:39+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra — Théâtre

Je reviens absolument enchanté du Théâtre des Bouffes du Nord où avait lieu ce soir la première d'Une Flûte Enchantée mise en scène par Peter Brook. Cet homme est un génie !

L'opéra de Mozart a été adapté par Peter Brook, Marie-Hélène Estienne et par Franck Krawczyk qui a adapté la partition qu'il interprète au piano. Cela commence ainsi par quelques accords de l'Ouverture, puis très vite on entend l'appel à l'aide de Tamino (Antonio Figueroa). Point de trois dames pour le secourir : c'est Papageno (Virgile Frannais) qui entre en scène...

Si j'ai eu quelques frayeurs à propos du niveau des chanteurs au tout début, j'ai très vite été rassuré. Les jeunes chanteurs qui composent la distribution sont aussi d'excellents comédiens. Il y a une fraîcheur et une espièglerie dans l'attitude de Tamina, qui est interprétée par Agnieszka Slawinska qui décèle un délicieux accent à la Romy Schneider pendant les passages parlés (en français). Après l'air (impeccable) de la Reine de la Nuit (Leila Benhamza), on la voit évoluer. Ce n'est plus une enfant. On la verra ensuite avec une cape rouge. Parmi les nuances intéressantes apportées par cette version, j'ai aimé l'attitude de séduction plus qu'ambiguë de la Reine de la Nuit envers Tamino. Sarastro (Patrick Bolleire) apparaît comme un sage bienveillant et sympathique. L'interprète fait entendre de très beaux graves. Les deux scènes où apparaissent ensemble Papageno et Papagena (Betsabée Haas) sont délicieuses. Des idées qui par d'autres metteurs en scène eussent peut-être paru vulgaires passent ici très bien. Il faut en effet noter que quelques pincées d'humour ont été ajoutées au livret...

Ce qui surprend le plus au début de ce spectacle, c'est le rôle multiple voué au comédien William Nadylam. C'est un personnage qui parle autant au public qu'il interagit avec les autres personnages. Une sorte de récitant qui n'interromprait pas l'action dramatique. C'est aussi un magicien, un machiniste. Bref, un homme bien mystérieux. La distribution est complétée par un autre comédien, Abdou Ouologuem, dont le rôle est plus secondaire, et par Jean-Christophe Born (Monostatos).

En m'installant à ma place et en regardant vers le fond rugueux-rougeâtre du plateau de scène, je remarquais que l'espace vide ne comportait que quelques tiges de bambou dressées verticalement, chacune sur un petit support. Je me demandais ce que le metteur en scène en ferait. Elles constituent un des rares éléments de décor de cette production. Suivant l'arrangement qu'elles font, elles peuvent en fait représenter des colonnes, des portes que Tamino n'arrive pas à franchir, les montants du lit de Pamina et bien d'autres choses encore. C'est très convaincant. L'impression faite est rehaussée par les lumières très cohérentes de Philippe Vialatte. Par exemple, quand Tamino et Papageno sont dans le noir, l'obscurité quasi-complète est faite dans le théâtre ! Les lumières appuient aussi des effets de mise en scène quasi-cinématographique, en flash-back, comme lorsque Pamina fait sa première apparition.

J'ai rarement été autant saisi par un spectacle d'opéra. Le fait que les chanteurs-comédiens soient aussi près des spectateurs y est sans doute pour quelque chose (quoiqu'à l'échelle du théâtre, j'étais plutôt loin puisqu'au sixième rang), mais ce ne serait rien sans l'exceptionnel travail de mise en scène.

Pas moins de quarante-cinq représentations sont programmées jusqu'au 31 décembre (plusieurs distributions tournent). Il reste des places dans la dernière catégorie pour pas mal de dates ; pour en avoir de meilleures, il semble qu'il faille plutôt viser les dates à la fin du mois de décembre.

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John Malkovich à Garnier

2010-05-14 19:25+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra — Théâtre

Il est des spectacles de l'Opéra qui sont bien cachés dans le programme. Les aurait-on repérés dans la brochure que, la campagne d'abonnements passée, il faudrait encore s'en souvenir le moment venu pour faire une réservation. Ce n'était pas mon cas en ce qui concerne le spectacle La comédie infernale, confessions d'un serial killer. Lors d'une visite récente sur le site de l'Opéra, le titre aura sans doute paru dans la liste des spectacles pour lesquels des billets étaient mis en vente et par curiosité, j'aurai cliqué et saisi ainsi l'occasion de voir depuis les premières loges John Malkovich sur la scène du Palais Garnier.

Il s'agit d'un spectacle de théâtre musical inspiré par la vie et la mort de Jack Unterweger, un serial-killer autrichien ayant été condamné vers 1974, qui fut gracié et relâché en 1990 à la suite de pétitions en faveur d'un homme qui était devenu écrivain en prison. Quand des meurtres semblables aux précédents — prostituées étranglées dans leurs soutiens-gorge — surviendront, il sera à nouveau condamné en 1994. S'étant suicidé avant d'avoir pu faire un éventuel appel de cette condamnation, il jouit de la présomption d'innocence...

Alors qu'il a menti toute sa vie et qu'il est aux Enfers depuis une quinzaine d'année, Jack Unterweger décide d'écrire la vérité dans un livre Confessions d'un serial-killer et, suivant la recommandation de ses éditeurs, il se donne en spectacle pour vanter les mérites de son livre. Différentes femmes ayant gravité autour de lui s'incarnent sur scène à ses côtés en interprétant des airs d'opéra de Gluck, Boccherini, Vivalvi, Mozart, Beethoven, Haydn et Weber correspondant à la situation dramatique. La partie musicale est assurée par l'Orchester Wiener Akademie dirigé par Martin Haselböck (qui a une drôle de manière de diriger ses cuivres : il lance très-ostensiblement sa main dans la direction de celui qui doit jouer) et les deux sopranos Bernarda Bobro et Aleksandra Zamojska. Si la voix de la deuxième m'a paru manquer un peu de puissance dans son premier air, l'autre m'a bien plu, notamment dans la scène de Bérénice Berenice, che fai de Haydn.

Le personnage qu'interprète John Malkovich est drôle, dans un genre très cynique. Les rires sont parfois un peu à contretemps, vu que le texte parlé de Michael Sturminger est en anglais the international language of love, surtitré en français. À un moment donné, il s'énerve contre son ordinateur (un Mac donné par son éditeur ; il préférerait un PC) alors qu'il va lire des extraits de la page Wikipédia le concernant et ironiser à propos des erreurs qu'elle contiendrait. Je ne suis pas mécontent d'avoir assisté à ce spectacle de théâtre lyrique d'un peu moins de deux heures.

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The Fairy Queen à l'Opéra Comique

2010-01-22 02:05+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra — Danse — Théâtre — Lectures

Les spectacles à l'Opéra Comique qu'il m'a été donné de voir rivalisent d'adresse à m'enthousiasmer. Le dernier en date est The Fairy Queen, semi-opéra de Purcell, dont la partition a été perdue pendant deux siècles ! Je ne m'étais pas renseigné sur cette œuvre. Je découvre ainsi qu'un semi-opéra est un spectacle intermédiaire entre le théâtre et l'opéra. À vrai dire, les musiciens, les comédiens et les chanteurs ne sont pas les seuls à rassasier les sens du spectateur puisqu'on verra aussi évoluer des danseurs !

Le livret est inspiré (vaguement nous dit le metteur en scène Jonathan Kent) de la pièce de Shakespeare Le songe d'une nuit d'été. Tout se passe dans un décor unique mais multiforme. Il commence par figurer l'intérieur du duc Theseus, puis il se déstructure pour représenter la forêt où les amoureux Lysander et Hermia ont promis de se rejoindre, suivis de près par Helena qui n'est point aimée de Demetrius en retour. La reine des fées et Oberon se disputent. Puck, le serviteur d'Oberon, se trompe de destinataire pour les charmes que lui suggère son maître, ce qui fait que la reine des fées se trouvera en amour avec le tisserand Bottom transformé en âne et que Lysander et Demetrius vont fuir Hermia pour se disputer Helena. Quand le jour paraîtra, tout sera rentré dans l'ordre et les personnages auront eu l'impression de faire un songe.

Tout ce spectacle est so British. Par exemple, les artisans jouent une pièce de théâtre inspirée de la légende de Pyrame et Thisbé racontée par Ovide. Les artisans jouent tellement mal leur pièce à l'intérieur de la pièce que c'en est à hurler de rire. Le comédien qui interprète Bottom (Desmond Barrit) est très impressionnant.

Le décor est unique, mais cela bouge beaucoup. Une trappe permet de rapides et multiples apparitions-disparitions de personnages. On a presque peur pour les danseurs qui arrivent à ne pas tomber dans le trou. Certains, comme Phoebus et Juno sont suspendus dans les cieux.

Le spectacle est très long : cela commence à 20h et finit peu avant minuit, avec un seul entr'acte d'une demi-heure. Bref, il ne s'en ai pas fallu de beaucoup pour que j'arrive à prendre le dernier RER B (qui, n'étant omnibus qu'à partir de Massy-Palaiseau, est plus rapide que ceux qui précèdent). Long, mais en rien ennuyeux.

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Rouge, Carmen à l'Opéra Comique

2009-06-19 23:54+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Théâtre

Je reviens de la première représentation de Rouge, Carmen à l'Opéra Comique. Ce spectacle, créé en 2008, est une adaptation théâtrale par Juliette Deschamps de la nouvelle de Prosper Mérimée pour deux comédiens, Chloé Réjon (Carmen), Bruno Blairet (Don José) et un petit ensemble de musique flamenco.

Cette adaptation est bien plus proche de la nouvelle que ne l'est l'opéra de Bizet. Dans la nouvelle, un savant, en fait Mérimée lui-même, est à la recherche de vestiges de la bataille de Munda. Il rencontre un condamné à mort, Don José, qui lui raconte son histoire. Dans ce spectacle, point de prologue, Don José s'adresse directement au spectateur. Il se souvient. Le ton est résolument celui de la narration : les passés simples et les imparfaits du subjonctifs ont été conservés, ce qui n'est pas pour me déplaire. Quand il est directement question de Carmen, celle-ci paraît sur le décor fait d'un grand disque incliné recouvert de sable. Les musiciens sont également comédiens ; ils participent à l'action quand la scène l'impose. Le lyrique chant flamenco apporte quelques respirations dans la tragédie, accentuant la douleur des personnages.

Ce spectacle est vraiment original dans sa composition. Il nous ramène à l'histoire première de Carmen, avant qu'elle fût adaptée par Meilhac et Halévy. Si je n'ai pas été subjugué, j'ai apprécié le texte, un peu la musique (ça doit être la première fois que je vois de la musique flamenco) et la performance des deux comédiens. Quelques hurluberlus ont poussé des huées lors des saluts.

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La Somnambule ou l'Arrivée d'un nouveau seigneur

2009-04-05 11:06+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra — Danse — Théâtre — Lectures

Dans une entrée précédente, je discutais de mes impressions au sujet d'une retransmission d'une représentation de La Sonnambula, opéra de Bellini, et d'une perplexité qui avait refait surface à propos des liens familiaux supposés ou non entre Amina et le Comte Rodolfo. Entretemps, j'ai retrouvé ce que je cherchais dans les textes d'introduction de la production dont j'ai un enregistrement (Evelino Pidò, Opéra national de Lyon, avec Natalie Dessay, 2007) : la mention du fait qu'Amina était la fille naturelle de Rodolfo se serait trouvée dans une version préliminaire du livret de l'opéra.

Après avoir lu sur Gallica le texte du ballet de Scribe et Aumer, je suis allé hier à la BnF pour consulter d'autres sources littéraires. Ce fut l'occasion d'utiliser pour la première fois un lecteur de microfiches ; un livre tient sur une ou plusieurs fiches (mesurant environ 10 × 15 cm²) que l'on projète sur un écran ; c'est assez confortable à lire, en blanc sur fond noir. J'ai ainsi lu d'une part une analyse du ballet par un certain M. H. (de moindre qualité que le texte de Scribe et Aumer qui décrivait succintement chaque scène) et d'autre part le texte de la pièce de Scribe et Delavigne dont le ballet est inspiré (il est à noter que la pièce contenait des passages chantés). Voici un tableau récapitulatif des correspondances :

(Je renonce à comprendre la logique des changements de noms d'une œuvre à l'autre, et aussi l'helvétotropisme.)

L'intrigue de l'opéra est presqu'identique à celle du ballet, mais elle diffère de façon très-significative de celle de la pièce. Dans le ballet et l'opéra, un mariage se prépare entre une jeune fille dont on découvrira qu'elle souffre de somnambulisme et un jeune homme. Le contrat de mariage est signé ; la cérémonie religieuse est prévue pour le lendemain. Un étranger arrive au village où il a l'intention de passer la nuit avant de continuer sa route. Il rejoint la chambre qu'il a louée. Il flirte avec l'aubergiste qui laisse tomber son fichu et s'enfuit quand elle entend des bruits de pas. La somnambule rejoint l'étranger qu'elle prend pour son futur mari, ce qui trouble bien sûr l'étranger. La somnambule finit par s'endormir dans sa chambre. Pendant ce temps, au village, on a découvert que l'étranger était en fait le nouveau seigneur et on vient à son réveil lui manifester un joyeux accueil digne de son rang. Le scandale éclate quand on trouve la mariée dans sa chambre. L'étranger défend sa vertu en expliquant qu'elle souffre de somnambulisme. À d'autres. Son fiancé refuse de se marier avec elle et pour se venger, décide aussitôt d'épouser l'aubergiste (qui a un faible pour lui). Alors que la cérémonie se prépare, la mère de la somnambule intervient en brandissant le fichu de l'aubergiste qu'elle avait trouvé dans la chambre de l'étranger. Nouvel émoi, vite surpassé par l'arrivée de la jeune fille en état de somnambulisme. Elle se lamente sur son sort, clame son innocence et pourtant souhaite le bonheur à son ex-futur mari. Ce dernier est ému et quand elle se réveille, il lui dit qu'elle ne rêve pas et qu'elle est bien en train de voir son époux.

Dans la pièce, le personnage de l'aubergiste n'existe pas. Mauleon est hébergé dans un pavillon par Dormeuil. Mauleon est un ancien ami de Frédéric et un ancien prétendant à la main de Cécile. Elle avait refusé sa proposition le lendemain d'un bal où il avait passé la soirée à danser avec une autre ; pourtant ces deux-là s'aimaient sincèrement. Par dépit, elle avait accepté la demande en mariage de Frédéric. Quand elle voit Mauleon débarquer le jour de son mariage (il est là par hasard), elle est troublée. Quand elle le rejoint dans le pavillon en état de somnambulisme, elle semble essayer de dialoguer avec lui et d'apaiser sa conscience à propos du malentendu qui conduisit à ce qu'elle repoussât sa proposition ; bref, elle l'aime et regrette de n'avoir alors pas accepté.

Quand Frédéric entre dans le pavillon au matin, Mauleon essaie d'éviter qu'il ne regarde de l'autre côté du paravent où Cécile s'est endormie. Quand cela se produit enfin, elle a disparu : il ne reste plus que son schall. [...] La deuxième scène de somnambulisme dévoile l'amour de Cécile pour Mauleon. Frédéric, qui a déjà vu quatre de ses projets de mariage échouer, renonce à épouser Cécile et la donne en mariage à son ami. (On peut noter que dans le ballet, une renonciation hétérologue est exprimée par M^me Gertrude qui laisse Edmond épouser Thérèse ; dans l'opéra, Lisa se fait tout simplement oublier.)

Faire de Rodolfo le père d'Amina semblait être une bonne idée, puisque, de même que la passion liant Cécile à Mauleon expliquait que ses rêves et donc son somnambulisme la fît tendre vers lui, cette filiation rendait plausible qu'elle fût attirée vers lui. Cela eût aussi été cohérent avec la nostalgie qu'exprime Rodolfo dans la première scène. Cela dit, on imagine mal comment insérer cette révélation à la fin de l'opéra sans casser l'ambiance et tomber dans le ridicule qu'évoque Beaumarchais en imaginant comment écrire un Barbier de Séville qui plût à la critique :

Ce Figaro, qui pour toute famille avait jadis connu sa mère, est fils naturel de Bartholo. Le médecin, dans sa jeunesse, eut cet enfant d'une personne en condition, que les suites de son imprudence firent passer du service au plus affreux abandon.

Mais avant de le quitter, le désolé Bartholo, Frater alors, a fait rougir sa spatule ; il en a timbré son fils à l'occiput, pour le reconnaître un jour, si jamais le sort les rassemble. [...]

À l'instant, la plus touchante reconnaissance a lieu entre le médecin, la vieille et Figaro : C'est vous ! c'est lui ! c'est toi ! c'est moi ! Quel coup de théâtre.

Dans le genre, Palpatine avait relevé le ridicule des retrouvailles entre Idomeneo et Idamante dans Idomeneo de Mozart.

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Mallika Sarabhai

2009-03-24 00:27+0100 (Orsay) — Culture — Danse — Théâtre — Cinéma — Culture indienne

On n'imagine pas toujours les pépites que l'on peut découvrir parfois en cliquant sur le bouton Play dans Dailymotion.

Docteure, chevalière des arts et des lettres, danseuse de kuchipudi et de bharata-natyam, bouleversante Draupadi dans The Mahabharata de Peter Brook (version longue !), directrice de la Darpana Academy of Performing Arts qui créa Phèdre de Racine en hindi, combattante de la cause des femmes indiennes, opposante au controversé chief ministrer du Gujarat Narendra Modi, divorcée, athée, visiblement passionnée par tout ce qu'elle entreprend, Mallika Sarabhai est impossible à résumer.

Quelques vidéos :

• Interview dans In transit sur Lok sabha TV (équivalente indienne de La Chaîne parlementaire) ;
• Une interview sur Star Plus : première partie, deuxième partie, troisième partie ;
• I, Draupadi, un court-métrage, plus émouvant qu'un roman ;
• Sva-Kranti, un court one-woman show.

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Casimir et Caroline au Théâtre de la Ville

2009-03-15 19:10+0100 (Orsay) — Culture — Théâtre

Je reviens du Théâtre de la Ville où avait aujourd'hui lieu une représentation de Casimir et Caroline de Ödön von Horváth, mis en scène par le nouveau directeur du théâtre, Emmanuel Demarcy-Mota, avec de très bons comédiens, parmi lesquels Sylvie Testud et Thomas Durand qui occupent les deux premiers rôles mentionnés dans le titre de la pièce.

La pièce se passe pendant la crise des années 1930, en pleine Fête de la Bière. Une bande de jeunes regarde un Zeppelin chargé de riches dans le ciel. On danse, on joue au toboggan, on boit de la bière, on regarde des objets de foire, on chante, plutôt bien d'ailleurs (notamment la Barcarolle des Contes d'Hoffmann, dans un mélange d'allemand et de français). Le vieux tailleur désabusé Eugène Schurzinger (Hugues Quester) apparaît comme un oiseau de mauvais augure, déclarant que dans un homme, les femmes ne voient qu'une bonne ou une mauvaise situation. Casimir et Caroline forment un couple, qui se délite alors que Casimir perd son emploi de chauffeur. Schurzinger offrirait bien une glace à Caroline, mais elle veut faire un tour de montagnes russes. Ces dernières sont figurées par la projections d'une vidéo en noir et blanc, alors que Caroline est en haut du décor métallique, mi-échafaudage, mi-grillage.

En dehors de la bande de jeunes et de Schurzinger, deux hommes d'un plus haut niveau social courtisent Caroline, qui, libérée de Casimir, se laisse tenter. De son côté, Casimir doit choisir entre la faim et les larcins, personnifiés par Franz le Merkl. Entre ces deux hommes, Erna, remarquablement bien interprétée par Sarah Barbasnikoff, hésite.

J'ai apprécié ce spectacle qui mêle différents genres. Le travail de mise en scène paraît impressionnant. On trouve presque en permanence plus d'une dizaine de comédiens sur scène, participant aux festivités, déplaçant les éléments de décor, projetant un film, dansant ou goûtant une glace, tandis que le texte passe de la bouche d'un personnage à un autre, sans temps mort. Ce curieux désordre est ainsi décrit dans le programme : Comme des atomes identiques agités de mouvements browniens forment des combinaisons moléculaires différenciées, ainsi se compose un Monde dont le sens universel échappe, même si localement, les choses s'expliquent un tant soit peu. Est-ce au spectateur de faire lui-même son montage ? Peut-être, mais un mystère demeurera au fond des êtres.

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L'Orestie à l'Odéon

2008-06-09 22:12+0200 (Orsay) — Culture — Théâtre

La semaine dernière, je suis allé pour la première fois à l'Odéon — Théâtre de l'Europe. Je vais d'habitude au théâtre pour assister à des concerts ou à des spectacles de danse. Cette fois-ci, c'est bien pour voir du théâtre, et non pas une seule pièce, mais trois, que je m'y suis rendu deux soirs de suite, après que j'ai récupéré une place qu'Akynou ne pouvait pas utiliser. Merci à elle.

Le premier soir, j'ai donc vu Agamemnon, et le lendemain Les Choéphores et Les Euménides, ces trois pièces constituant L'Orestie, la trilogie d'Eschyle. À quelques éléments près, le décor était essentiellement le même pour les trois pièces : une impressionnante structure sur trois étages, le troisième (métallique) étant principalement utilisé par les musiciens du quatuor Léonis. En effet, il y avait de la musique : le chœur intervenait régulièrement et chantait son texte... en grec (avec surtitres). Au deuxième étage, une pièce rectangulaire mobile principalement utilisée pour les assassinats. L'essentiel de l'action se passait au premier plan, où diverses configurations de marches et de plates-formes ont été utilisées.

Les comédiens m'ont plutôt fait bonne impression. Les mots qui sortaient de leur bouche étaient exprimés distinctement. Dans l'ensemble, le texte était lui aussi assez compréhensible. Par moment, il m'a paru difficile à comprendre en direct, mais le sens global était assez clair. Le texte a manifestement été modernisé (sans excès) par le metteur en scène Olivier Py.

N'étant pas familier avec le théâtre, je n'ai pas vraiment d'avis sur la mise en scène. Dans l'ensemble, je suis satisfait du spectacle auquel j'ai assisté. Quelques curiosités. Parfois, des filets d'eau tombaient du ciel. La musique se faisait stridente, la lumière oppressante via l'utilisation de stroboscopes. Les entrailles que manipulaient le devin Calchas n'étaient pas très appétissantes. Agamemnon est entré en voiture par une entrée située à l'arrière du théâtre ; depuis l'orchestre, on pouvait apercevoir la circulation sur la rue de Vaugirard. Oreste était littéralement aspergé d'un liquide rougeâtre paraissant s'écouler d'un porc accroché à un filin lors de la purification d'Oreste dirigée par Apollon. Des personnages, notamment Cassandre et Oreste, ont paru nus ; je n'ai pas vraiment saisi l'intérêt.

Bien que ce ne soit pas la pièce d'entre les trois où il se passe le plus de choses, la pièce qui m'a le plus impressionné est la troisième, Les Euménides. Au début de la pièce, les Érinyes menacent de tuer Oreste parce qu'il a tué sa mère Clytemnestre. Oreste se fait purifier par Apollon (voir ci-dessus), mais cela ne suffit pas. Il se réfugie à Athènes. La déesse Pallas Athéna va trancher. Elle donnera la parole aussi bien à l'accusation (coryphée des Érinyes) qu'à la défense (Apollon). Athéna dirige le procès splendidement depuis un amphithéâtre installé au deuxième étage du décor. Les Athéniens vont voter. Comme il y a égalité, c'est Athéna elle-même qui décide du sort d'Oreste. Son crime est pardonné parce que, n'étant pas née d'une matrice car issue de Zeus, elle peut excuser celui qui a tué sa mère. Pour apaiser les Érinyes, elle leur donne un rôle bienveillant, qu'elles acceptent.

Dans les Choéphores, le comédien interprétant Athéna avait le rôle insignifiant de Pylade. Dans cette troisième pièce, il pouvait exercer tout son talent. Son discours aux Athéniens était particulièrement impressionnant. Si j'ai aimé Les Euménides plus que les autres pièces, c'est surtout grâce à lui, grâce au décor qui se prêtait très bien aux situations, qu'il y avait moins de longueurs, et peut-être aussi parce que la parole n'était guère donnée aux mortels.

⁂

En sortant du théâtre, j'ai marché le long des grilles du Jardin du Luxembourg où sont exposées de très belles photographies pour une exposition intitulée 30 ans d'émotions, les photos du Figaro Magazine. Un coup d'œil sur la gauche : le Panthéon resplendit dans la nuit. Nostalgie. RER.

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