Musique

Le dhrupad contre l'hydravion

2012-02-05 13:38+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Culture indienne

Klari est formidable. Je me souviens que lorsque je l'ai rencontrée à l'occasion d'un concert Colonne, alors que nous nous installions à nos places, elle me disait qu'elle avait commencé à faire du chant dhrupad. Je ne sais plus très bien ce que je dis alors, mais à l'époque, ma seule expérience du dhrupad était le concert des Gundecha en clôture des vingt-quatre heures du râga et j'en avais plutôt un mauvais souvenir. Peut-être avais-je dit que j'avais cependant eu un gros déclic avec la musique de l'Inde du Nord : le récital de chant Gaayatri Kaundinya à Kolkata quelques mois auparavant m'avait fait apprécier ce type de musique. Il ne s'agissait pas de dhrupad, mais de khyal, qui est une forme de musique vocale plus répandue que le dhrupad.

Et puis, en juin 2011, elle m'a suggéré d'aller écouter Wasifuddin Dagar (cf. nos billets respectifs). Dans la foulée, il y eût le concert de Sayeeduddin Dagar. Après ces deux concerts, il était clair que le dhrupad me plaisait...

⁂

Le temps passe. Parfois, Klari me raconte à quel point le dhrupad lui plaît. Je laisse passer une ou deux occasions d'assister à des concerts. Et puis, elle m'annonce une conjonction favorable : sa prof va commencer un nouveau cours et organiser un stage d'initiation avec sa propre prof le week-end qui suit. Hop, je téléphone et je m'inscris. Quelques semaines se passent...

Mercredi dernier, pendant le premier cours (où nous sommes deux élèves), nous commençons à étudier le Raga Yaman. Rien qu'à écouter la prof prononcer des phrases musicales pour nous les faire répéter, j'ai l'impression d'être comme à un concert... et je suis au premier rang pour entendre le subtil raffinement de ce chant ! Quand il s'agit de reproduire, la légère tension d'avoir à chanter (jamais fait ça de ma vie) ajoutée à la froidure subie fait que je dois souvent reprendre ma respiration très prématurément. Quand les notes sortent, ce ne sont pas les bonnes, mais ce n'est pour autant pas complètement faux puisque d'après la prof, je chante des harmoniques. Elle essaie de me guider vers la note juste en reproduisant ma note puis en faisant du glissando vers la note Sa continuellement répétée par son tampura. Quelques exercices suivent. Certaines ornementations apparaissent. Tiens, une phrase commencée bouche ouverte se termine progressivement bouche fermée. Tiens, on répète trois fois la même note mais elle est chantée différemment. Bref, dès la première heure de cours, on commence déjà à entrevoir certaines directions qui peuvent être explorées par les chanteurs de dhrupad.

Cela a continué samedi avec le stage d'initiation dirigé la prof de ma prof. Avant de venir, j'étais loin de m'imaginer à quel point les quelques heures de ce stage seraient enrichissantes. La prof du jour remarque immédiatement que je ne chante pas la bonne note et me fait me rapprocher du tampura de ma prof du mercredi pour que je l'entende mieux. Les exercices se suivent. On explore la gamme de différentes manières, puis on commence à travailler quelques phrases d'Alap (Raga Bhimpalasi). En écoutant les phrases que nous devons répéter, il semble évident que s'il est possible de faire plein de choses rien qu'avec une ou deux notes. Après des essais collectifs, chacun des 7 ou 8 élèves répète la phrase seul et la prof apporte des corrections. De mon côté, j'essaie de faire ce que je peux. Il faut en effet préciser que je suis le plus béotien des présents, tous les autres, s'ils sont certes de niveaux très variables, ont suivi des cours depuis un an minimum... Je prends les remarques et compliments de la prof pour la part de vérité qu'ils contiennent et surtout pour des encouragements. Good technique, but wrong notes!. Chez les autres, elle va un peu plus loin en soulignant des détails dans les phrasés, et ce toujours avec bienveillance, expliquant que toutes les variations involontaires apportées par les élèves sont belles et pourraient être utilisées, mais il faudrait pour cela qu'elles correspondent à une intention.

Ces ornementations, donc, de quoi s'agit-il ? Prenez une suite de notes parfaitement justes :

En abscisse, le temps, en ordonnée la hauteur du son. C'est carré, mais c'est affreux. Typique de certaines horreurs entendues depuis quelques années (la première fois que j'ai entendu ça, c'était dans Believe de Cher). Voyez ce que ça donne sur la voix du Président américain.

En vrai, j'imagine que la courbe d'un chanteur normal serait pas mal plus arrondie. Dans le chant dhrupad, j'ai l'impression que non seulement on arrondit mais on réfléchit à la manière d'arrondir :

De temps en temps, il doit bien y avoir des lignes droites, m'enfin en général tout est courbe et les possibilités sont énormes... et il ne s'agit là que d'un seul des paramètres !

Revenons au déroulé du stage. Nous avons travaillé une composition où ce type de techniques intervenaient. Comme le texte était écrit dans une langue proche du hindi, j'ai pu reconnaître que c'étaient des vers en l'honneur de Krishna. J'en ai eu la confirmation quand la prof a pris le temps d'expliquer le sens de ces vers, un égard que j'ai beaucoup apprécié ! Enfin, le cours s'est achevé paisiblement sur la syllabe ॐ.

À vrai dire, à la fin, j'ai eu un mini-cours particulier, la prof me faisant travailler toutes les notes de la gamme jusqu'à ce que je les chante à l'unisson avec elle, et concluant en s'exclamant auprès de la prof du mercredi : See, the problem is fixed!. J'ai comme l'impression qu'il y aura un avant ce samedi 4 février et un après !

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J'avais prévu de longue date d'aller ce samedi à la Salle Pleyel pour écouter Eva-Maria Westbroek que j'avais eu l'occasion d'entendre dans Lady Macbeth de Mzensk de Chostakovitch (à l'époque où les classes moyennes pouvaient entrer à l'Opéra Bastille au lieu d'avoir à se contenter de retransmissions au cinéma ; rendez-nous Mortier !). Rarement un concert de musique classique m'aura autant indifféré. C'est probablement dû en partie au fait que je ne connaissais pas ou très mal les airs d'opéra interprétés. J'avais également l'impression que le chef était comme un pantin désarticulé. Pas que les musiciens aient démérités, non, simplement je n'étais pas remis des folles émotions musicales de la journée de dhrupad. J'avais une impression de trop. Trop d'effets sans cause. En particulier, la plupart des œuvres jouées pendant la premières partie étaient fortement atteintes du syndrome de l'hydravion... Et surtout, il n'y avait aucune ornementation comme celles entendues tout au long de la journée. Bref, je me sens tout à coup complètement étranger à cet univers de la musique classique. Heureusement, ce n'est qu'un état transitoire puisque la première partie du récital s'est achevée en m'enthousiasmant grâce à l'air Pace, pace mio Dio! de La Force du destin.

En deuxième partie, j'ai une impression très étrange avec les airs joués. Pas d'hydravion, mais c'est du sucré-émouvant à la sauce Puccini (que je ne déteste pas). Par ailleurs, j'ai l'impression d'entendre des fragments d'opéras découpés à la hache : tous les morceaux joués se terminent au moment précis où la chanteuse finit une phrase.

Dans ce concert, mes plus grandes satisfactions viendront de l'orchestre lors des deux extraits instrumentaux. L'Intermezzo de Manon Lescaut me séduit, notamment grâce au début qui met en valeur des solistes chez les violoncelles, altos et violons. L'œuvre qui me procure un effet tout à fait inattendu est le Ballet de La Gioconda (Ponchielli). Quelle délicieuse musique de ballet ! C'est mignon comme tout, très espiègle, mais cette musique est surtout superbement jouée par l'Orchestre National de Lille !

La chanteuse a interprété deux bis. Le premier était en allemand. Le deuxième était l'air Vissi d'arte de Tosca. Si mes sensations lors de ce concert pâtissent de ma méconnaissance de toute une partie du répertoire opératique et de la juxtaposition avec le dhrupad, au moins, les deux parties de concert se sont achevées sur des airs qui m'ont laissé une très bonne impression !

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Ce matin, il me faut écouter par hasard le duo Wir eilen mit schwachen de la cantate BWV 78 de Bach pour me dire que, quand même, la musique classique europénne, ça peut parfois être presque aussi fin et subtil que le dhrupad !

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Virage à droite à l'Opéra Bastille

2012-01-28 17:10+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Les personnes suivant l'actualité de l'Opéra Bastille avaient entendu parler d'un projet de modification du dispositif de surtitrage pour que ces surtitres soient visibles de partout. Plus récemment, un article de propagande du Figaro faisait dire au directeur Nicolas Joel (sans tréma) :

Sur le plan tarifaire, depuis trois ans, les places n'augmentent pas. Elles vont même baisser la saison prochaine...

Tant de mauvaise foi en si peu de mots... D'un air désabusé, sur le forum ODB, j'avais imaginé le pire : Vu que des travaux pour que les surtitres soient visibles de partout ont été annoncés, pourquoi ne pas faire disparaître la catégorie 7 (ou ne laisser à la rigueur que les deuxièmes rangs de galeries et les 4 strapontins du deuxième balcon)....

Par curiosité, j'avais demandé il y a quelques semaines à recevoir la brochure pour le Ring 2012/2013 à l'Opéra Bastille (que j'ai déjà vu sur les années 2010 et 2011 : Das Rheingold, Die Walküre, Siegfried, Götterdämmerung). Je ne l'ai reçue qu'aujourd'hui, et j'ai pu constater que ma prédiction de malheur s'est réalisée.

Voici le plan de salle 2011/2012 :

Et voici celui de 2012/2013 :

Si vous n'avez pas l'habitude de ce plan, vous n'y voyez pas grand'chose, c'est normal... Le code couleur est le même dans les catégories Optima et 1-6. Les catégories 7-8 sont en blanc sur ce deuxième plan parce que ces places ne sont pas proposées par abonnement. Pour y voir plus clair, concentrons-nous sur un détail, le premier balcon de côté :

J'espère ne pas faire d'erreur de comptage, mais à gauche, on a 2 rangs rouges, 3 rangs bleus, 2 rangs bleu ciel, et 3 rangs orange (les hachures violettes correspondent à une tarification différente pour les ballets). Dans chaque colonne de dix rangs, on avait ainsi donc 2 places de catégorie 1, 3 places de catégorie 2, 2 places de catégorie 4 et 4 places de catégorie 7. Au tarif des superproductions (ratées, en général), cela fait 2×170€+3×150€+2×105€+3×15€=1045€.

À droite, il semble qu'il y ait 3 rangs rouges (catégorie 1), 2 rangs bleus (catégorie 2), 1 rang jaune (catégorie 3), 2 rangs bleu ciel (catégorie 4), 1 rang violet (catégorie 5) et 1 rang vert (catégorie 6). Avec le nouveau tarif (avant ristourne spécial Ring), cela nous fait 3×155€+2×135€+1×115€+2×90€+1×70€+1×35€=1135€.

À vrai dire, je m'aperçois du fait que la grille proposée (155€/135€/115€/90€/70€/35€) ressemble beaucoup à la grille du tarif N actuel (celle utilisée cette année pour les reprises de Don Giovanni et Rigoletto). Comme annoncé dans l'article du Figaro mentionné ci-dessus, elle correspond à une baisse de 5€ en catégories 4/5/6 par rapport au tarif N 2011/2012 : 155€/135€/115€/95€/75€/40€ (catégorie optima inchangée à 180€). Si je refais le calcul du prix d'une colonne de premier balcon de côté, j'obtiens 2×155€+3×135€+2×95€+3×15€=950€.

On nous annonce une baisse des tarifs et effectivement on observe une baisse de 5€ dans certaines catégories de places, mais pourtant on passe de 950€ de recettes par colonne de premier balcon de côté à 1135€ (environ 19% de hausse). Vous l'avez deviné depuis le début, il suffisait de changer les couleurs du plan de salle. On a vu le principe avec le premier balcon, mais il y a d'autres glissements de frontières entre catégories à d'autres endroits (en particulier au parterre). La seule bonne nouvelle que je voie est qu'au centre du deuxième balcon, il y a trois rangs qui passent de 75€ à 35€ (48 places).

Les conséquences immédiates, c'est que les gueux qui prenaient des places 15€, après avoir été écartés du parterre lors de la saison 2011/2012, seront écartés du premier balcon en 2012/2013. Il ne leur reste plus que 4 misérables strapontins au deuxième balcon et des places aux galeries. Vertigineux, s'abstenir.

Tant que j'y suis, je vous donne la grille tarifaire du Ring 2012/2013 incluant la remise (en divisant les chiffres par 4 pour garder un prix par représentation plutôt que par cycle) :

(Précision : ce sont les tarifs pour les cycles s'étendant sur plusieurs mois. Ceux du cycle de juin 2013 sont plus chers (et excluent pour le moment les catégories 5 et 6) : ajouter environ 60% puis 4×15€=60€ de programmes en vente liée.)

La TVA est traditionnellement considérée comme un impôt injuste par la gauche parce que le même taux s'applique à tout le monde, que l'on gagne peu ou beaucoup. Le principe de la redistribution fiscale (qui est plus ou moins celui de l'impôt sur le revenu), c'est d'appliquer un taux d'autant plus élevé que les revenus sont importants. L'Opéra applique une idéologie toute contraire. Si le même taux de réduction avait été appliqué à toutes les catégories, les réductions les plus importantes auraient déjà été accordées aux catégories les plus chères (puisque la réduction aurait été proportionnelle au prix), mais avec ce taux de réduction variant dans le mauvais sens, l'injustice est plus grande encore.

Du point de vue artistique, les rumeurs à propos de la saison 2012/2013 laissent à penser qu'elle sera globalement encore moins intéressante que la saison 2011/2012. Qu'aller à l'Opéra Bastille devienne inabordable fournit une raison de plus pour ne plus trop fréquenter ce lieu. L'herbe est peut-être plus verte ailleurs...

PS: Pour donner une idée de la façon dont les classes moyennes sont éjectées de l'Opéra Bastille, jusqu'à la saison 2010/2011, il y avait environ 335 places à 20€ et moins, en 2011/2012, 165 places (à 15€ et moins, le tarif à 20€ ayant disparu) et a priori, en 2012/2013, il n'en resterait plus qu'à peu près 85. Deux baisses consécutives de 50%, ça fait une baisse de 75%...

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Programme Haydn/Brahms pour l'Orchestre de Paris

2012-01-24 03:47+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Décidément, l'Orchestre de Paris me plaît en ce moment. Il y a deux semaines, les musiciens jouaient sublimissimement Une vie de héros de Strauss. La semaine dernière, c'était la Symphonie alpestre, pas aussi extraordinairissime, mais quand même pas mâââl (allez voir chez Klari ou Andante con anima pour plus de détails).

C'est bien sûr pour la symphonie de Haydn La Poule que j'avais inclus ce concert à mon abonnement. Toutefois, j'ai un a priori négatif avec les symphonies parisiennes de Haydn parce que ce sont celles dont le style me semble le plus proche de celui de Mozart (ce qui n'est pas un compliment pour moi : je préfère Haydn quand il est lui-même). Si certains effets m'énervent un peu, globalement cela reste du Haydn, avec son lot de plaisanteries. Dans le premier mouvement, on a effectivement l'impression d'être dans une basse-cour. Dans le deuxième, on se prend de temps en temps de grosses gammes descendantes aussi inattendues que pas finaudes. Immédiatement après, les cordes répètent la même note sur un rythme monotone en un decrescendo qui va jusqu'à évanouissement complet du son. Un peu plus loin, on entendra un effet différent : la note variera très légèrement et la façon de la jouer me rappelera immédiatement le début du premier mouvement de l'Hiver de Vivaldi. Bref, comme d'habitude, Haydn s'amuse pour le plus grand plaisir des auditeurs...

L'effectif orchestral grandit légèrement (on passe de 4 à 6 contrebasses). Entre la violoniste Viktoria Mullova, dans une affriolante robe noire toute en transparences. Je ne sais pas si c'est la faute à Brahms, à l'interprète ou à mon placement à l'arrière-scène, mais je n'ai vraiment pas passé un bon moment pendant l'écoute du concerto pour violon de Brahms. Je ne suis pas un grand admirateur de ce compositeur. Certes, il y a quelques passages orchestraux sympathiques (comme la mini-pièce de musique de chambre pour instruments à vents qui se trouve au début du deuxième mouvement). Toutefois, j'ai eu l'impression que la violoniste devait lutter contre l'orchestre pour se faire entendre, le résultat paraissant moins fignolé qu'on pourrait s'y attendre. Le chef semblait pourtant assez bienveillant, faisant diminuer le volume avant les entrées de la violoniste et libérant à fond les décibels quand elle finissait ses phrases.

Il semblerait que j'aie déjà entendu la deuxième symphonie de Brahms lors d'un concert de l'orchestre de l'Opéra dirigé par Georges Prêtre. Après le concert de ce soir, j'ai rétrospectivement l'impression d'avoir été trompé sur la marchandise (à l'époque, je n'avais déjà pas été très enthousiaste). L'effectif orchestral s'est encore étoffé pour l'interprétation de cette œuvre (huit contrebasses). Avant le Haydn, un couple de spectateurs ayant quelques décennies de plus que moi au compteur se disputaient à ma droite pour savoir où étaient les clarinettes et où étaient les hautbois. La dame m'a demandé mon opinion. Cela a sans doute ragaillardi ma voisine de gauche qui à la fin de l'entr'acte a sollicité mon expertise à propos des instruments rouges (qui font pouët-pouët aurais-je dû compléter), les fameux bassons.

Malgré les nombreux moments adorables dans cette œuvre, je pense qu'il me faudra encore quelques écoutes pour véritablement apprécier cette symphonie de Brahms tant elle m'a parue touffue (surtout le premier mouvement). Le chef Paavo Järvi que je n'avais pas vu depuis novembre et La symphonie fantastique semble avoir manifestement envie de très bien faire. Sans se défaire de sa bonhomie coutumière, il paraît très concentré. Quand le quatrième mouvement s'enchaîne au troisième, les musiciens semblent pris d'une ivresse collective. Chez les altos, David Gaillard (qui jouait lundi dernier aux Bouffes du Nord !) semble communiquer sa bonne humeur à son voisin Nicolas Carles. Partout dans l'orchestre, que ce soient chez les bassons ou les contrebasses, cela respire la joie de jouer. Les épaules se dandinent en rythme, que les musiciens jouent à ce moment précis ou non (pas la peine de nier, on vous a vus ! et on espère bien le revoir !). Cela fait très plaisir de voir l'orchestre dans cet état de volupté collective. Pour cette raison, je pardonne volontiers à Brahms la fin très hydravionesque de cette symphonie.

Ailleurs : Andante con anima.

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Janáček aux Bouffes du Nord

2012-01-24 00:13+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Fantabulissime ! Je n'ai pas d'autre mot. Fantabulissime !

Ailleurs : Klari, Palpatine.

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Programme Ravel au TCE (Rotterdam/Antonacci/Nézet-Séguin)

2012-01-22 23:59+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Sublime concert Ravel de l'Orchestre Philharmonique de Rotterdam dirigé par Yannick Nézet-Séguin. Pendant la première partie du concert, on entend Shéhérazade, dont le texte est chanté par Anna Caterina Antonacci (que j'entends pour la douzième fois : elle égalise le score de Natalie Dessay et de Ludovic Tézier). Ce soir, habillée d'une superbe robe rouge (assortie aux très hauts talons) dont elle tient un pan de la main gauche, elle était assurément dans son élément. Le texte n'est pas parfaitement intelligible quand le vaillant orchestre prend le dessus, mais il l'est suffisamment pour que j'arrive à suivre. Si la voix de cette chanteuse que j'admire depuis longtemps m'avait parfois semblé un peu rauque par le passé, ce soir, son timbre de voix m'a paru au contraire très séduisant, parfaitement adapté à cette œuvre d'un exotisme qui peut sembler quelque peu dépassé aujourd'hui (ah, cette évocation de la Chine...).

L'orchestre est impressionnant. Les vigoureux coups d'archet semblent parfaitement synchronisés entre tous les pupitres. Les vents sont fabuleux (les flûtistes !). Le jeune chef dirige l'orchestre en battant la mesure de façon très énergique.

Pour la musique du ballet Daphnis et Chloé, les musiciens sont accompagnés d'un chœur de plus de 80 chanteurs, le Wiener Singakademie. Associé à l'orchestre, le chœur, qui ne chante que des vocalises (parfois bouche fermée) contribue aux atmosphères envoûtantes de l'œuvre.

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La biennale de quatuors à cordes à la Cité de la Musique

2012-01-21 23:38+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Ces jours-ci a lieu la biennale de quatuors à cordes à la Cité de la Musique. En 2010, j'étais allé à deux concerts. Cette année, j'en aurai vu cinq. J'ai suivi les conseils de Bladsurb, à savoir de tenter l'amphithéâtre, qui a été le lieu des trois premiers concerts de la série, concentrés le week-end dernier :

Globalement, ce concert du Quatuor Thymos (avec un changement de violoncelliste depuis l'année dernière, est-ce temporaire ou permanent ?) a été le plus équilibré des cinq concerts que j'ai vus. Il est à noter que les deux violonistes ont échangé leurs rôles au cours du concert : Gabriel Richard a été violon I dans le Haydn, Eiichi Chijiiwa l'a été dans la suite du programme. Ce concerto de Haydn m'a procuré beaucoup de plaisir. Le quatuor nº9 de Rihm a été l'occasion de faire plus ample connaissance avec ce compositeur (passage quasi-obligé de tous les quatuors pendant la biennale). J'ai beaucoup craint pour l'instrument de Valérie Aimard, qui utilisait son archet comme un marteau pour frapper les cordes. À l'exception du quatuor de Rihm joué par le Borodin quartet, les autres quatuors de Rihm que j'ai entendus ces derniers jours faisaient un certain usage de cette technique, hum, surprenante... Si ces quatuors de Rihm ne m'ont guère passionné, certains moments n'étaient pas inintéressants.

Pour moi, la grande découverte est venue en deuxième partie de concert avec le quatorzième quatuor de Beethoven. Je ne connaissais pas du tout la musique de chambre de ce compositeur. Ce quatuor est absolument sublime. L'ambiance est toute différente de celle des quatuors de Haydn. Écouter Haydn, comme avec ces musiciens, cela devrait être toujours un plaisir (remboursé par la Sécu ?). On imagine que le compositeur utilise tous les stratagèmes pour attirer l'attention de l'auditeur et le divertir. Chez Beethoven, et particulièrement dans ce quatuor, on entre avec recueillement dans un autre monde, beaucoup plus intériorisé.

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Je n'ai que peu de souvenirs du quatuor d'Alexander von Zemlinsky qui donne son nom à cette formation. Ce concert me donne cependant l'occasion de me dire qu'il faudrait accorder aux violonistes et altistes une dispense de porter le nœud papillon. Parmi les musiciens, il semble qu'il y ait deux stratégies. Le plus souvent la mentonnière de l'instrument vient écraser le nœud papillon : les dommages éventuels au tissu restent cachés. Dans de plus rares cas, le musicien applique la mentonnière sur l'autre face du nœud ce qui tend à faire pivoter celui-ci. C'est ce qui s'est passé avec le premier violon du quatuor, dont le nœud finissait systématiquement tourné presque de quatre-vingt-dix degrés à la fin des morceaux...

Un incident s'est produit pendant le très percussifs quatuor de Rihm qui a été joué. Si le premier mouvement était entièrement pizz. (avec en outre le curieux mot kata prononcé par les musiciens), la suite a été percussive. Ainsi maltraité, l'archet de l'altiste a tenté de s'enfuir en faisant un vol plané. Le musicien a heureusement pu le récupérer, apparemment pas trop amoché par le crash, et continuer à jouer. (Il est d'ailleurs à noter que ce musicien avait sur son pupitre la partition complète du quatuor avec les quatre parties : le conducteur).

Le quatuor de Beethoven interprété était très différent de celui entendu la veille. L'atmosphère y était très vivifiante !

Un très bel extrait d'une œuvre d'Erwin Schulhoff a été jouée en bis ! (Cf. Youtube pour voir à quoi cela ressemble.)

Les concerts s'enchaînent, mais j'ai le temps de prendre un café avant celui qui suit :

J'ai survécu à un Rihm de 50 minutes ! J'en ai complètement oublié le quatuor de Mozart de la deuxième partie du concert. Si cela semble être l'habitude à la Cité de la Musique d'ajouter les titres des bis sur la page du concert sur le site Internet, curieusement, cela n'a pas été fait ici. Je n'ai donc pas été le seul à n'avoir pas compris l'annonce du bis faite en anglais avec un accent grec fort prononcé. On leur pardonne, ils sont jeunes et fougueux, un jour ils sauront déclamer un Tchaikovski, Andante cantabile dénué de toute ambiguité comme le fera impérieusement le premier violon du quatuor Borodin quelques jours plus tard.

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Ce concert, comme le suivant, a lieu dans la salle des concerts (modulable). Même si je commence à m'y habituer, je ne fréquente pas si souvent que cela cette salle. En ouvrant ma pochette rouge de billets d'abonnements, je n'imaginais absolument pas que la place nº102 était située vers le milieu du premier rang de face. Est-ce la récompense d'avoir déposé mon formulaire d'abonnement le premier jour ?

L'interprétation du quatuor nº8 m'a modérément plu, même si chacun des musiciens a l'occasion de s'y mettre en valeur. Le Rihm en début de deuxième partie est beaucoup plus classique (par les sonorités) que les autres entendus précédemment. Il est pourtant un rien ennuyeux...

Le point culminant de ces cinq concerts sera atteint pour moi avec le quatuor nº9 de Beethoven. Le deuxième mouvement avec son rythme ternaire inlassablement marqué par les pizz. du violoncelle m'a particulièrement enthousiasmé ! Les fugues dans le troisième ! La virtuosité du quatrième !

La cohésion des musiciens est étonnante bien qu'ils jouent sans véritablement se regarder : je n'ai détecté qu'un œil droit d'altiste qui fixait le premier violon. En outre, mon intérêt est sans cesse ravivé par d'infimes petits détails d'interprétation comme certains changements presque subliminaux de dynamique et le vibrato...

(Ce concert sera retransmis sur France Musique le premier février à 14h.)

Zvezdo assistait également à ce concert, voici un lien vers son billet.

⁂

Si j'ai pris un certain plaisir pendant le premier mouvement du quatuor de Haydn, je me suis ennuyé pendant toute la suite. C'est un comble de s'ennuyer pendant un quatuor de Haydn. Si l'attitude souriante du premier violon et celle plus intériorisée du violoncelliste sont séduisantes pour l'œil, les oreilles ne sont pas satisfaites par l'ensemble. Lors des précédents concerts, il s'est toujours trouvé des moments où le tout était indiscutablement meilleur que la somme des parties. Je n'ai pas éprouvé de tel plaisir harmonique au cours de ce concert. Si le Schubert m'a moins déplu que le reste, j'étais comme perdu au milieu de cette œuvre. En outre, étant encore placé au premier rang, mes yeux se prenaient la lumière dirigée vers l'avant-scène ; j'ai dû lutter pour rester éveillé...

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Kátia Kabanová aux Bouffes du Nord

2012-01-18 01:36+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Je ne sais pas pourquoi Nicolas Joel, le directeur de l'Opéra de Paris avait eu l'idée saugrenue de remonter la production de Salomé mise en scène par André Engel. Cela ne donnait pas très envie d'aller voir d'autres spectacles de ce metteur en scène. Heureusement, j'avais alors déjà acheté ma place pour la première de Kátia Kabanová mise en scène par celui qui avait déjà été l'auteur d'une belle production d'un autre opéra de Janáček : Příhody Lišky Bystroušky.

En m'installant à la corbeille, je peux déjà voir que le décor s'inscrit parfaitement dans le lieu. Ce décor est une terrasse surélevée à laquelle on accède à l'avant par un petit escalier. Un autre escalier est situé à l'arrière (côté jardin). Une porte à l'arrière de la terrasse sert d'entrée pour les rendez-vous nocturnes. La terrasse a la même couleur noire que le sol du théâtre et les surfaces verticales du décor sont en rouge-Bouffes-du-Nord. (Comme j'ai aperçu David, il sera sans doute possible de voir quelques photographies chez lui.)

Quand le personnage de Kátia entre sur scène, on sait immédiatement comment elle se donnera la mort. Elle s'approche en effet dangereusement du parapet de la terasse. Elle répétera plusieurs fois ce mouvement. Que ce geste devienne une évidence permet de mieux distinguer les nombreuses annonces de la mort de l'héroïne qui se trouvent dans le texte. Il n'y a pas d'autre issue possible.

Si la récente superproduction Manon était dénuée de théâtre, cette mise en scène n'en manque pas ! Le tyrannique personnage de Kabanicha mène tout le monde. Amorphe, son fils Tichon obéit sans réfléchir. Elle flagelle son amant Saviol qui ne demande que ça. Quand Kátia est morte, elle s'empare de son alliance et la met à son doigt...

La scène de l'orage est accompagnée de sons enregistrés et d'éclairages qui se propagent dans tout le théâtre pour donner l'illusion de la survenue d'éclairs. Les ruines que Kouliguine et Koudriach explorent et éclairent de leurs lampes au début de ce troisième acte ne sont rien moins que le théâtre lui-même ! Avec le décor, c'est véritablement une production sur mesure pour les Bouffes du Nord !

Une autre originalité de la mise en scène est la façon dont se passe le récit que Kátia fait à son amie Varvara de son rêve d'un amour (qui s'oppose forcément à sa morale chrétienne). La scène devient pour ainsi dire un duo d'amour tant Kátia se comporte comme si Varvara était son amant.

Tout cela est fort bien mené, on ne s'ennuie pas une seconde et on est tout étonné que cela se termine si vite. Les chanteurs (et particulièrement l'interprète du rôle de Kátia : Kelly Hodson) m'ont fait une bonne impression. Par rapport à l'expérience semblable qu'avait été La Flûte enchantée de Peter Brook, s'agissant d'une musique que je connais beaucoup moins, et dont j'ai pourtant pu apprécier l'extrême beauté dans toute sa richesse orchestrale il y a un an à Garnier, la magie opère moins sur moi du fait de la réduction de la musique au piano seul.

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Manon à Bastille

2012-01-15 01:56+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Nous n'en sommes qu'à la deuxième représentation, pourtant tout le monde a déjà pu lire un nombre invraisemblable de critiques toutes plus violentes les unes que les autres envers la nouvelle production de Manon (Massenet) mise en scène par Coline Serreau à l'Opéra Bastille.

Les décors sont loin d'être ratés. Celui du deuxième acte est même franchement réussi : une façade d'hôtel faisant environ un tiers de la largeur de la scène descend des cintres. Arrivée au sol, elle se penche vers l'avant, et étant maintenant complètement à l'horizontale, elle permet au spectateur de voir la chambre de Manon et du chevalier (le procédé ressemble à ce qu'avait fait Tcherniakov dans Macbeth). Ce qui est ridicule, c'est entre autres de faire paraître une couronne et une écharpe de Miss Arras quand Manon se voit belle (cela me rappelle l'armure qui descendait des cintres dans La Dame du Lac). Un certain nombre de détails du livret seront illustrés par des accessoires ou éléments de décors jetables (aussitôt utilisés aussitôt abandonnés). Il en va de même du cortège de femmes proscrites au cinquième acte : purement décoratif.

Les costumes qui mêlent toutes les époques n'ont rien de scandaleux. Encore faudrait-il en faire quelque chose d'intéressant ou de joli... Que Lescaut habillé en punk se déclare garant de l'honneur de la famille est assez ironique. Les coupes (qui n'étant pas expert ès Massenet je ne pourrai détailler) n'aident pas le spectateur à comprendre ce que la mise en scène ne montre pas. Je me demande ainsi comment on est censé comprendre pourquoi le chevalier se fait tabasser à la fin du deuxième acte.

Sur scène, le mouvement et les gesticulations ne manquent pas. On voit ainsi des patineuses à roulettes à Saint-Sulpice. Le cheval de Guillot est une moto à l'arrière de laquelle Manon grimpe en amazone (comme le font les Indiennes en sari...). Comme pour les décors et les costumes, je ne pense pas que ce soit cela qu'il faille moquer ou critiquer. À mon avis, le plus gros problème de cette production, c'est qu'il n'y a pas de théâtre. Les chanteurs, le dos bien droit, comme des piquets, chantent face au public. Un coup de foudre se déclare à vingt mètres de distance sans qu'un regard soit échangé. C'est d'un ennui glaçant.

J'avais un meilleur souvenir de l'œuvre de Massenet (que je ne connaissais que par le DVD de la production de David McVicar avec Dessay/Villazón). La musique contient trois ou quatre motifs (qui ne manquent pas de beauté). Ils reviennent dans l'œuvre comme des rappels d'un certain passé dans le point de vue du héros (qui est plutôt le chevalier Des Grieux que Manon). Peut-être que je fais maintenant davantage attention à ce genre de choses ? En tout cas, j'ai trouvé que la musique se répétait beaucoup.

L'orchestre et le chœur m'ont semblé très bons, tout comme les trois chanteuses issues de l'atelier lyrique : Olivia Doray (Poussette), Carol García (Javotte) et Alisa Kolosova (Rosette). Franck Ferrari (Lescaut) est le soliste que j'ai pris le plus de plaisir à écouter. Giuseppe Filianoti (Le chevalier Des Grieux) m'a paru moins à l'aise que dans les Contes d'Hoffmann. Il en impose trop. Ce serait mieux s'il chantait moins fort, sans crier. Il reste le cas Dessay (Manon). Sa voix est beaucoup critiquée. Je pense qu'elle a encore les moyens d'émouvoir par son chant. Cependant, ce soir, il y a eu une poignée de couacs. Le timbre s'altère parfois inopinément et une fois, la voix s'est éteinte au milieu d'une phrase musicale. Les notes aigues n'ont pas l'air de lui poser de problème, même si elles sont moins éblouissantes que dans le passé. Ce qui m'a le plus gêné, c'est le manque de volume pendant de nombreux passages de récitatifs chantés. Il fallait vraiment tendre l'oreille pour entendre le son de sa voix, alors même que l'orchestre ne semblait pas jouer particulièrement fort. Le duo de Saint-Sulpice tenait la route, mais il a manqué d'émotions, comme la production dans son ensemble.

À la fin des actes, le public se met bizaremment à applaudir quelques secondes avant que la musique se termine. Une fois l'opéra exécuté, on a très vite rallumé les lumières, laissant très peu de temps aux chanteurs pour recueillir des applaudissements. Formidable ambiance. Encore une nouvelle production ratée ! Quand on pense que ces productions auront vocation à être reprises dans les années qui viennent... Je rappelle que pour le moment la seule nouvelle production de l'ère Nicolas Joel qui tienne la route est celle de Mathis der Maler.

Ailleurs : David, Paris Broadway, Gilda.

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L'Orchestre de Paris dirigé par Herbert Blomstedt à Pleyel

2012-01-13 01:13+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Les concerts de l'Orchestre de Paris se suivent et continuent à me plaire. La symphonie fantastique et La nuit transfigurée sont encore bien en mémoire et pourtant il faut déjà faire une petite place pour le concert de ce soir.

La première œuvre au programme est le quatrième concerto pour piano de Beethoven que j'ai déjà eu l'occasion d'entendre plusieurs fois en concert (la dernière fois avec Rafal Blechacz et le même orchestre). Au piano, Till Fellner, que je vois passer sur les programmes de concert depuis pas mal d'années déjà, mais que je n'étais malheureusement jamais allé écouter. Rarement une pianiste ne m'aura autant émerveillé par son jeu. La variété des sons produits, des différences de technique très marquées d'un passage à l'autre sont un régal pour les oreilles autant que pour les yeux, depuis ma place d'arrière-scène. Les cadences (qui ne sont semble-t-il pas les mêmes que celles dont je me rappelais) m'ont semblé particulièrement belles. C'est en homme plein de bonté que Herbert Blomstedt (84 ans) dirige l'orchestre. Il étire jusqu'à l'extrême lenteur le tempo du deuxième mouvement. L'attaque du troisième mouvement n'en est que plus brillante.

Pendant l'entr'acte, la scène est un champ de bataille. On n'arrive pas à faire sortir le piano. Un autre ascenseur semble bloqué en position basse à l'arrière de la scène où prendront place les percussionnistes et des cornistes. Après quelques minutes, une voix annonce ce que tout le monde pouvait constater, à savoir qu'il y avait un problème. Au bout d'un moment, les ascenseurs se remettent à fonctionner, ce qui permet notamment d'escamoter le piano et de replacer les chaises, en très grand nombre, puisque de quatre contrebasses pendant la première partie, on passe à huit contrebasses. Neuf cors, trois bassons et un contrebasson, etc.

Comme La symphonie fantastique (Berlioz), Une vie de héros (Strauss) est une œuvre symphonique autobiographique. Dans la première partie, le thème du héros (un tantinet pompeux) se fait entendre. Plus loin, les instruments à vents singent les ridicules critiques qui n'aiment pas Strauss. Ensuite, dans un mini-concerto pour violon (superbe Roland Daugareil), c'est la compagne du héros qui est évoquée. Après la présentation des personnages, c'est un déferlement orchestral qui intervient (Le Champ de bataille du héros). C'est d'une beauté insoutenable. Après un tel sentiment de plénitude, les deux dernières parties très apaisantes permettent de revenir sur terre.

Les applaudissements ont été particulièrement nourris et les claquements de pieds des musiciens pour féliciter le chef l'ont été tout autant. Celui-ci est allé serrer des mains un peu partout dans l'orchestre. En partant, il a fait un signe sympathique en direction de mon contrebassiste préféré. Je ne suis pas mécontent de savoir qu'il reviendra diriger l'orchestre en septembre 2012 et en janvier 2013.

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Le Ballet royal du Danemark à Garnier

2012-01-11 02:00+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

Je sors peu enthousiaste de la dernière représentation de la compagnie du Ballet royal du Danemark à Garnier dans le ballet Napoli, créé en 1842 par August Bournonville et présenté ici dans une version remaniée en 2009 (avec en particulier une musique nouvelle dans le deuxième acte).

Au premier acte, on ne danse pratiquement pas. À part quelques petits passages à deux entre les personnages de Teresina et Gennaro et d'autres pour des petits groupes de danseuses ou de danseurs, il n'y a que de la pantomime. (J'ai pensé comme Jean-Pierre Papin il y a quelques décennies dans les Guignols : Mais quand est-ce qu'ils chantent ?.) La mère de Teresina n'apprécie guère que Gennaro s'approche de sa fille, qui se chamaille parfois avec lui quand il semble intéressé par une autre jeune femme. Les gestes des danseurs paraissent artificiels, exagérés. Les quelques pas de danse manquent souvent de fluidité. Le peu de variété dans les petits sauts effectués par les danseurs devient rapidement lassante. Heureusement, mon intérêt est ranimé vers le milieu de l'acte par l'insertion dans la musique d'un extrait du Barbier de Séville de Rossini (l'air de la calomnie).

L'ambiance change radicalement au deuxième acte. À la fin du premier acte, Teresina s'était noyée (je n'ai pas vu comment, c'était dans un angle mort) et encouragé par une passante énigmatique Gennaro s'était décidé à plonger pour la sauver. La jeune femme se retrouve inanimée au centre de la scène vaporeuse où résident les naïades. On ne sait pas très bien si on est dans Giselle, Orphée et Eurydice, Le Sacre du printemps ou au Venusberg. La jeune femme est en effet entourée de naïades qu'elle va peut-être devoir rejoindre, un monstre marin ayant prévu d'en faire sa créature. Bien sûr, Gennaro arrive (guitare à la main) et sort son amie de là. Pour cela, il lui suffit de donner à Teresina son amulette pour qu'elle reprenne ses esprits et décide de repartir avec lui. Le monstre marin ne proteste même pas ! Très esthétique, ce deuxième acte se laisse bien regarder, même si la chorégraphie du personnage du monstre marin ne me convainc guère. La musique, jouée par l'Orchestre Colonne, m'a en revanche beaucoup plu (avec des voix spatialisées pour représenter les grognements du montre).

Au troisième acte, de nombreux solos et ensembles accompagneront les célébrations du retour des amoureux. Du point de vue de la danse, c'est plus intéressant que tout ce qui aura été vu jusque là, mais le divertissement semble très artificiel (comme cela peut être aussi le cas dans d'autres ballets, comme Paquita). Il ne s'agit que de danse pure qui n'exprime rien d'autre que la joie.

Bref, du point de vue narratif, c'est assez léger et naïf (comme le sont les projections animées utilisées comme décor de fond de scène). Aucune réelle émotion ne se fait ressentir, et à part peut-être au troisième acte, aucun passage n'est véritablement éblouissant techniquement. Heureusement, il y avait l'Orchestre Colonne !

Ailleurs : Le petit rat, Danses avec la plume, Blog à petits pas, Musica Sola, Palpatine, Mimy la souris.

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La Traviata à Dijon

2012-01-08 23:04+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Au début d'un concert, il suffit parfois de quelques secondes pour savoir si la soirée sera à mettre aux oubliettes (cf. la Cenerentola à Garnier). À l'inverse, une petite gamme vocalisée par le chanteur pour se chauffer la voix peut suffire à se décider qu'on va assister à un grand concert (cf. Wasifuddin Dagar). La représentation de La Traviata de ce samedi à Dijon appartient à cette deuxième catégorie. Après avoir entendu les toutes premières secondes du Prélude, je savais que ç'allait être un grand moment d'opéra pour moi. J'en avais déjà les larmes aux yeux. J'étais complètement liquéfié quand Irina Lungu (Violetta) a commencé à chanter.

Il faut dire aussi que j'étais dans de très bonnes dispositions. Je n'avais jamais eu l'occasion de voir La Traviata. Je m'étais décidé à m'abonner quand j'avais su que cet opéra était programmé. Par ailleurs, je faisais partie de la petite douzaine de spectateurs qui avaient assisté à la rencontre avec le metteur en scène Jean-François Sivadier (c'est la même production que celle du dernier festival d'Aix-en-Provence). Une rencontre ? plutôt une discussion à bâtons rompus qu'il a fallu interrompre quand les autres spectateurs ont afflué autour du bar et qu'on ne s'entendait plus. Il est dommage que la rencontre n'ait pas été annoncée plus largement... On peut penser que plus de 1% des spectateurs auraient été intéressés ! Il est par ailleurs dommage que cette rencontre fût apparemment réservée à ceux qui assistaient à cette représentation. Ah, en fait, j'ai compris : sur le site, la rencontre était annoncée pour le samedi 7 décembre...

L'auditorium a une drôle d'architecture (en forme de piano à queue). Il faut montrer patte blanche à l'entrée en bas d'un escalator qui conduit à un no man's land au deuxième étage enjambant le boulevard de Champagne avant de prendre d'autres escaliers mécaniques pour redescendre au rez-de-chaussée... Cela me rappelle la BnF et les malls indiens.

Au bout du foyer, je m'installe donc pour la rencontre avec Jean-François Sivadier. Sa façon de parler du théâtre et de la mise en scène d'opéra m'a bien plu. En préambule, il avait commencé par dire L'économie de l'opéra, c'est complètement absurde !. Il a ensuite expliqué qu'une grande partie de son travail était de faire que la technique vocale soit partie intégrante du jeu d'acteur. Un violoniste ne joue pas qu'il joue du violon. Le point de départ de la mise en scène est donc constitué des mouvements que doivent faire les chanteurs pour interpréter la musique telle qu'elle a été conçue par Verdi. Il doit aussi aller contre les clichés et idées préconçues que pourraient avoir les chanteurs sur la façon de jouer. Il explique que l'axe de l'opéra oppose le mot Jouir que répète inlassablement Violetta au premier acte et l'Amour que lui porte Alfredo. Avec cette idée en tête, pendant la représentation, il est évident que pour Violetta, tout bascule dans la dernière scène du premier acte : peu après qu'elle a dit gioir!... gioir!..., elle entend Alfredo chantant Amor, amor à palpito depuis les coulisses.

Il explique aussi aimer diriger les chanteurs comme des danseurs et être fasciné par Pina Bausch. On peut d'ailleurs déceler une évidente référence à son univers dans sa mise en scène : à un moment, Violetta avance sans prendre garde aux chaises noires qui font obstacle devant elle et qu'un homme se précipite pour les écarter de son chemin (cf. Café Müller).

L'idée principale de la mise en scène est de concevoir que se déroule sur scène une énorme fête au début de laquelle un homme, qui pourrait être un spectateur, décide de déclarer son amour à Violetta, qui se prend à rêver que c'est vrai. Quelques chanteurs-comédiens sont déjà sur scène (à fumer) quand les spectateurs s'installent à leur place. Certains chanteurs entreront via les allées du parterre (où je suis impérialement placé ; c'est un petit plaisir bien plus abordable à Dijon qu'à l'Opéra Bastille !). Un rideau tiré d'un côté à l'autre de la scène (parfois à moitié) semble plus ou moins séparer deux univers : le réel et le rêve. Au cours de cette fête s'insère un épisode à la campagne : des panneaux descendus des cintres et représentant une végétation bucolique et un ciel transpercé de nuages viennent créer cette ambiance visuelle tout en cloisonnant l'espace scénique que l'on peut concevoir comme étant une maison de campagne divisée en plusieurs pièces.

Tous les chanteurs et choristes m'ont donné une impression de vérité dans leur jeu. J'ai rarement vu une telle cohésion et autant de conviction partagée par tous sur une scène d'opéra. L'orchestre quand il a de quoi se mettre en valeur (comme au début des premier et troisième actes) le fait très bien. Malheureusement, le début du troisième a été pourri par les tousseurs (dont un en particulier qui n'arrêtait pas à quelques mètres derrière moi et qu'une de ses voisines suppliait de sortir). L'orchestration n'est pas de Prokofiev ou de Britten, mais il y a néanmoins de quoi prendre un certain plaisir à découvrir des détails insoupçonnés lors de précédentes écoutes au disque (ou au DVD). Le chef fait un remarquable usage du rubato, qui sert ici particulièrement bien le drame. Du côté des voix, les trois rôles principaux sont remarquablement bien interprétés. Irina Lungu (Violetta) était annoncée souffrante, mais je n'ai rien remarqué de particulier, à part un timbre légèrement altéré pendant les aigus du premier acte. Jesús León (Alfredo) a été parfait. J'ai eu un tout petit peu peur lors de la première intervention un peu criée de Dimitris Tiliakos (Germont), mais son volume de voix s'est vite équilibré. On peut également noter un excellent Laurent Alvaro dans le rôle de Douphol. Un seul petit maillon faible vocal est à signaler dans le rôle d'Annina.

Standing-ovation méritée !

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Renaud Machart et Nicolas Joel

2012-01-05 20:22+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Je suis loin d'être d'accord avec tout ce qu'écrit Renaud Machart dans Le Monde, mais j'approuve le paragraphe suivant à propos de l'Opéra de Paris (dirigé par Nicolas Joel), extrait de l'article intitulé L'institution lyonnaise tient la dragée haute à la parisienne paru dans l'édition du 6 janvier 2012 du Monde :

Nicolas Joel dit volontiers qu'il préfère une production éprouvée à une nouvelle mise en scène ratée. L'ennui est que les productions venues d'ailleurs le sont aussi (ratées) le plus souvent et que les nouvelles productions ne le sont pas moins.

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Bilan 2011

2011-12-25 22:22+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra — Danse — Lectures — Culture indienne

L'année dernière, après en avoir vu 107 au cours de l'année, je m'étais dit qu'il ne serait pas raisonnable d'augmenter encore la dose de spectacles et qu'il faudrait bien faire des choix. C'est bien entendu le contraire qui s'est produit : j'ai vu davantage de spectacles cette année. J'ai passé plus d'une soirée sur trois à assister à un spectacle, mais moins d'une sur deux...

L'opéra reste un des piliers de ces spectacles. J'ai assisté à 42 représentations d'opéra (j'inclus dans ce total les opéras en version de concert) correspondant à environ 30 opéras, parmi lesquels se sont trouvés 22 opéras que je n'avais encore jamais vus. Parmi ceux-là, deux créations : The Second Woman (Frédéric Verrières) et Akhmatova (Bruno Mantovani). Si le sujet du deuxième m'a intéressé davantage, le plaisir procuré par le premier a été supérieur. Cette année, j'ai diversifié quelque peu les lieux pour assister à des opéras. J'ai ainsi vu une de bonnes productions d'Orphée et Eurydice à la MC93 Bobigny et de Carmen à Nancy. Plus près de l'Opéra, j'ai fait deux belles découvertes à l'Athénée ‒ Louis Jouvet : Didon & Énée (Purcell) et The Turn of Screw (Britten). Ce lieu m'a également offert une des plus détestables soirées d'opéra de ma vie : L'Egisto (Marazzoli/Mazzochi). La musique était loin d'être inintéressante, mais le théâtre était sclérosé (je sais gré à Peter Brook d'avoir introduit cette notion il y a plus de quarante ans dans L'espace vide). Du théâtre sclérosé, il y en a également eu une certaine dose à l'Opéra de Paris : Francesca Da Rimini, Salomé, Faust, La Cenerentola. À l'inverse, il y eut en ces lieux une production tout-à-fait honorable de La Clémence de Titus et d'excellentes productions de Lulu, de Tannhäuser et de Kátia Kabanová. Au TCE, j'ai eu l'occasion de voir quelques opéras en version de concert. Il y eut ainsi un Ariodante avec une formidable Joyce DiDonato, un Pelléas et Mélisande avec un superbe Laurent Naouri et un lamentable Fidelio.

Parmi mes bonnes résolutions de l'année dernière, il y avait celle de mieux comprendre la musique de Wagner pour ne pas passer à côté des Siegfried et Götterdämmerung que j'avais prévu de voir à l'Opéra Bastille. Au début du mois de janvier, j'acquis ainsi une édition de 1903 du Voyage artistique à Bayreuth d'Albert Lavignac. Après quelques semaines d'efforts, je réussis à me mettre en tête la plupart des leitmotivs de la Tétralogie, devenant par la-même ringopathe. Mon expérience de spectateur en a été complètement transformée et le plaisir renouvelé avec Parsifal au TCE, le programme Wagner de l'Orchestre Colonne, Tannhäuser à Bastille, le Ring Saga à la Cité de la musique (et la Citéscopie parallèle) et dernièrement avec Le Ring sans paroles, suite symphonique jouée par le Philharmonique de Radio France. J'ai comme l'impression que je n'en ai pas fini avec Wagner...

Par rapport aux années précédentes, j'ai augmenté sensiblement la proportion de concerts Pleyel dans mes choix. Je vois donc un peu plus de concerts symphoniques que précédemment. Un des plus fabuleux concerts auxquels j'aie assisté cette année a été le programme Rameau orchestral du Concert des Nations dirigé par Jordi Savall. Pour ce qui est du baroque, j'ai également passé de très bons moments à écouter Damien Guillon et Pierre Hantaï. J'ai par contre dû remettre en cause mes standards de qualité en réécoutant La Passion selon Saint Jean dirigée par Ton Koopman. En revanche, avec Haydn, aucun problème avec Le Concert Spirituel pour Die Schöpfung, L'Orchestre de Paris et le Quatuor Thymos à l'Athénée. Ce dernier concert était un programme de musique de chambre. Les autres concerts de musique de chambre auxquels j'aie assisté m'ont procuré un certain plaisir, comme celui de Lisa Batiashvili, François Leleux, Sebastian Klinger, Guy Ben-Ziony, Milana Chernyavska au TCE ou encore celui du Quatuor Pražák et de quelques autres dans un programme Hindemith/Schönberg.

Parmi les concerts symphoniques, je garde un souvenir émerveillé de trois concerts LSO/Gergiev : Le chant de la nuit (Mahler) et Symphonies nº6 et 10 (Chostakovitch). Le concert de l'Orchestre de Paris du 14 octobre à Pleyel m'a procuré des émotions très contrastées puisque j'ai pu d'une part entendre pour la première fois le concerto pour violon de Tchaikovski interprété par Leonidas Kavakos et d'autre part tenter de réprimer des gloussements à l'écoute de la symphonie de Hans Rott. Un autre grand moment pour moi a été la première écoute de La symphonie fantastique. Pour le reste, j'ai eu le plaisir de réentendre du Roussel dans Bacchus et Ariane dirigé par Yutaka Sado. La présence d'œuvres contemporaines aux programmes des concerts Colonne m'a donné l'occasion d'adhérer complètement à une œuvre contemporaine dès la première écoute : Melancolia (Kremski). Un phénomène semblable s'est produit avec La nuit transfigurée de Schönberg lors du concert de l'Orchestre de Paris dirigé par Pierre Boulez.

Pour ce qui est du ballet, je me suis pour ainsi dire limité à la programmation de l'Opéra de Paris. Je retiens la belle création de La Source, la reprise d'Onéguine, de Roméo et Juliette et la Coppélia de Lacotte dansée par les élèves de l'école de danse (tellement plus intéressante que celle dansée par le ballet de l'Opéra). Bien sûr, il reste quelque chose du passage du Bolchoï : Flammes de Paris, Don Quichotte. Enfin, c'est devenu une évidence, mais la grande révélation de la saison, pour moi, c'est Myriam Ould-Braham, formidable Juliette, Naïla et Olga.

Il me reste maintenant à évoquer ce qui n'appartient pas aux formes classiques européennes. Pour moi, cela se réduit essentiellement à l'Inde. Toutefois, de la nuit soufie, c'est bien le chant du marocain Marouane Hajji que je retiendrai. Maintenant, venons-en à l'Inde... Depuis le récital de Srithika Kasturi Rangam à Chennai en 2010, j'ai développé un certain goût pour le bharatanatyam. J'ai profité de mon séjour dans le Sud de l'Inde cet été pour voir quelques récitals (à Mumbai, Bangalore et Chennai). Au cours de l'année, j'en aurai vu une douzaine. Comme il n'y en a plus aux Abbesses, je me suis déplacé au Musée Guimet pour voir Urmila Sathyanarayanan et Priyadarshini Govind, deux récitals relativement décevants (pour des raisons différentes). Comme ce n'était pas suffisant, je suis également allé au Centre Mandapa ; mes plus grandes satisfactions sont venues des récitals qui s'y sont déroulés. Parmi les danseuses vues cette année, je retiendrai deux noms : Lavanya Ananth, Mallika Thalak. Elles correspondent toutes les deux à l'idéal que je me fais de ce style de danse.

Je n'ai longtemps entendu la musique carnatique que comme une musique d'accompagnement pour des récitals de bharatanatyam. Lors de mon séjour à Chennai en août, je suis allé plusieurs soirs de suite assister à des concerts de chant carnatique. Le plus remarquable a été celui de Sri Mohan Santhanam au Vani Mahal. À force d'écouter ce type de musique, j'ai commencé à comprendre la forme générale que prenaient les improvisations et compositions. J'espère que le plaisir d'écoute n'en sera que meilleur quand je réentendrai Aruna Sairam au Théâtre de la Ville en avril 2012.

En Inde, les formes les plus raffinées de musique viennent du Nord, il faut bien l'admettre. Au cours de l'année 2011, j'eus l'occasion d'entendre du khyal lors d'un triple-concert au cours duquel s'étaient particulièrement distingués Ustad Ulhas Kashalkar et Pandit Ajoy Chakrabarty. Quelques mois plus tard, j'ai également pu réentendre la fille de ce dernier, Kaushiki Chakrabarty. La grande découverte de l'année, je la dois à Klari grâce à qui j'ai pu découvrir le chant dhrupad avec deux représentants de la dynastie Dagar : Wasifuddin Dagar et Sayeeduddin Dagar. (J'avais déjà entendu les Gundecha en 2008, mais j'en garde un amer souvenir.) Récemment, le concert du sitariste Shahid Parvez au Théâtre de la Ville m'a permis d'entrevoir de façon moins superficielle que je ne le faisais jusque là certaines similitudes formelles entre ces musiques (instrumentales ou vocales). J'espère bien passer suffisamment de temps à Kolkata l'été prochain pour assister à plusieurs concerts !

Bon, maintenant, je peux l'avouer à ceux qui ont lu jusqu'au bout : j'ai assisté à cent soixante-trois spectacles en 2011. L'année prochaine, il faudra donc véritablement songer à faire des choix (réduire un peu l'abonnement Pleyel, continuer à quasi-boycotter le TCE, se limiter à deux représentations d'un même ballet, se limiter à une seule représentation d'un opéra ?).

PS: Pour ce qui est des lectures, le bilan est sur le Biblioblog.

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Ciné-concert Les Lumières de la ville

2011-12-24 12:11+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Cinéma

Jusqu'à présent, je n'avais pas eu de chance avec l'Orchestre national d'Île de France. Les deux fois que je les avais entendus à Pleyel, c'était lors de concerts d'après-midi lors de dimanches où en raison d'un état de fatigue avancé, j'aurais mieux fait de rester chez moi faire une bonne sieste. J'avais ainsi lamentablement somnolé pendant leur pléthorique Carmina Burana à 150 choristes. Dans les intervalles de lucidité, j'observais néanmoins l'engagement des musiciens et la belle homogénéité des cordes avant de rentrer prendre un sommeil réparateur.

Hier après-midi, un écran avait été installé pour deux séances de ciné-concert City Lights (Les Lumières de la ville) de Chaplin, qui non content d'être un brillant cinéaste et comédien était un estimable compositeur. Sa musique a été restaurée et orchestrée par Timothy Brock qui dirige ce concert. Elle est tournée autour de trois ou quatre motifs qui reviennent régulièrement au cours du film et comporte aussi des passages plus illustratifs de l'ambiance particulière à chaque scène.

Je pensais passer un bon moment, mais pas à ce point-là. Ce n'est pas la première fois que je vois un film muet en entier sur un grand écran, mais lors de cette séance, le plaisir à été total. Le film est excellent. On y rit et on y pleure. On y voit des formes d'humour disparues : du comique de répétition, des situations où on laisse clairement entendre au spectateur qu'il va se passer un gag bien précis, mais au moment où celui-ci croit que cela va arriver, on le fait mariner quelques secondes. Un des plus mémorables moments est la fameuse scène du combat de boxe. On a beau l'avoir déjà vue, cela marche à chaque fois.

L'expérience du visionnage de ce film est rehaussée par la présence de l'orchestre (et peut-être réciproquement suggèrera Klari après la séance). La musique, si elle paraît déjà belle et intéressant sur de vieux enregistrements, paraît ici sublime et extrêmement précise. On entend le moindre détail comme si c'était du Wagner joué d'une façon autant analytique qu'enthousiaste. Cette musique, jouée aussi superbement, semble une très bonne initiation à la musique orchestrale pour les nombreux enfants présents lors de cette séance. Certains, comme mon voisin, étaient un peu dissipés, mais on leur pardonne volontiers.

L'orchestre est malheureusement menacé par une réduction récente de ses subventions. Il est encore temps de signer la pétition.

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L'Oratorio de Noël à la Basilique Sainte-Clotilde

2011-12-22 23:57+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Parmi les œuvres qui m'ont fait apprécier la musique classique, l'Oratorio de Noël de Bach tient une place particulière. Je l'ai entendu huit fois en concert (et presque neuf si on compte un concert de cantates profanes dans lesquelles Bach avait puisé pour constituer son Oratorio). Tous les ans entre 2002 et 2009 (avec une exception en 2008 parce que ce n'était pas programmé), j'allais presque rituellement au Théâtre des Champs-Élysées en décembre, alors que les décorations de Noël scintillaient sur l'avenue Montaigne, afin d'écouter cette œuvre (jamais dans son intégralité puisque le plus souvent, des six cantates qui composent l'oratorio, seules quatre étaient jouées ; je n'ai ainsi jamais entendue la cinquième en concert).

J'avais été assez déçu par la dernière écoute (en 2009), avec la soprano Natalie Dessay et Spinosi à la direction. C'était cependant sublimissime en comparaison de ce que j'ai entendu ce soir en la Basilique Sainte-Clotilde. Je dis bien ce que j'ai entendu, cela n'a peut-être pas un grand rapport avec ce que les tout premiers rangs entendaient et ce qu'entendront les auditeurs de France Musique le 10 janvier à 14h. Bien qu'arrivé une vingtaine de minutes avant le début, je n'ai pu m'installer qu'au fond. Tant qu'à faire, je me suis mis au tout dernier rang, derrière un enfant qui devait avoir une visibilité de 0% (ce que même l'Opéra de Paris ne facture pas 12€ !). On avait curieusement retourné les chaises de façon à ce que la scène et les spectateurs soient dans la nef. Étant au dernier rang, j'étais au milieu de la croisée du transept. Au lieu de voir l'autel en arrière-plan, le public voyait donc l'orgue de l'église (qui n'était bien entendu pas utilisé). C'est probablement ce qui a fait fuir le Dieu des Chrétiens, s'il existe.

Depuis mon dernier rang, je voyais vaguement le chœur quand il était debout et, à condition de me tenir bien droit, les têtes du chef et des solistes. De là, les conditions acoustiques étaient déplorables. Le genre d'expérience, si c'était la seule, à dégoûter de la musique. C'est simple, dans la bouillie sonore qui me parvenait, seul un groupe d'instrument pouvait ressortir. S'il y avait des cuivres, comme c'était le cas dans le chœur introductif Jauchzet, frohlocket, vu qu'il est impossible de jouer juste avec ces instruments baroques, c'était absolument atroce. Dans de nombreux autres passages, les détails qui font le joyeux raffinement de cette musique étaient noyés, par exemple parce qu'un hautbois ne se faisait pas entendre à côté des cordes. Des chanteurs solistes, quand leur voix me parvenait, je n'entendais que des phrasés d'enterrement (pas aidés par les tempi plutôt lents). Les seuls moments au cours desquels j'aie pris quelque plaisir étaient les chorals, mais de l'accompagnement musical, je n'entendais alors que l'orgue et le violoncelle, tant pis, il fallait bien faire avec, enfin plutôt sans. Le seul numéro musical qui m'ait semblé convaincant a été le chœur Herrscher des Himmels qui est joué au début et à la fin de la troisième cantate. Il a été joué en bis (en fait, plus précisément en ter). M'étant alors rapproché de la sortie, j'ai pu profiter davantage de cette prestation renouvelée. Ce qui a été enregistré par Radio France est sans doute écoutable, mais à entendre depuis les derniers rangs, c'était désespérant.

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L'Orchestre de Paris dirigé par Boulez à Pleyel

2011-12-22 02:45+0100 (Orsay) — Culture — Musique

C'était ce soir la deuxième fois que je voyais Pierre Boulez diriger un orchestre. Comme la fois précédente, je suis à l'arrière-scène. Une différence est que cette fois-ci les œuvres jouées ne sont pas de Boulez mais de Schönberg et de Bartók.

Le concert commence en effet par La Nuit transfigurée de Schönberg, pour cordes. Au fait que l'on entende souvent très distinctement les altos, aux échanges entre le violon solo et l'altiste solo, on sent parfois que c'est une réorchestration d'un œuvre de musique de chambre (un sextuor). Lors d'un test à l'aveugle, je n'aurais certainement pas deviné que cette œuvre était de Schönberg. Je l'avais écoutée d'une oreille distraite quelques heures avant le concert : cela m'avait semblé assez classique (en blindtest, j'aurais quand même probablement trouvé le siècle, par chance, vu que le sextuor date de 1899). Cela a donc été très inattendu, mais j'ai passé un merveilleux moment à écouter cette œuvre dans les circonstances du concert. D'après Olivier qui était au parterre, cela se voyait sur mon visage...

Si j'avais déjà vu Boulez, je ne l'avais pas vu diriger une œuvre classique. L'étendue de sa gestuelle paraît minimale. Les mains s'aventurent rarement à plus de 10-15 centimètres de leur position de repos. (Dans le DVD making-of du Ring de Bayreuth (1976-1980) qu'il a dirigé, on le voit pendant quelques instants diriger lors de répétitions : les mouvements y sont d'une tout autre amplitude.). On voit bien qu'il compte des mesures qui ont le bon nombre de temps, mais comme l'expliquera Zvezdo (qui était aussi à l'arrière-scène), c'est qu'il dirige très-très en avance. Cela me donnera pour ainsi dire l'impression qu'il pourrait presque diriger pour lui-même, sans musiciens autour. Une forme d'ascèse...

Ceci étant, un petit mouvement d'un ou deux centimètres vers le haut de la main droite ou un mouvement rond vers l'avant de la gauche peut déclencher un ardent crescendo. En tout cas, dans ce Scönberg, cela a formidablement bien fonctionné.

La direction de l'orchestre se fait également à retardement lors des saluts à la fin de cette œuvre (et à la fin du concert). Alors que Boulez revient saluer, il fait signe aux musiciens de se lever, mais ceux-ci restent cloués à leurs sièges, lui laissant le privilège de recevoir les applaudissements. Ce n'est qu'après l'aller-retour en coulisses qui suit que l'orchestre se lève pour prendre sa part des suffrages.

Entre ensuite Bertrand Chamayou, un piano et des instruments autres que des cordes pour le concerto pour piano nº2 de Bartók. Le premier mouvement n'utilise pas les cordes frottées, uniquement le piano (très percussif) et les vents, les cuivres et les percussions. Depuis ma place d'arrière-scène, c'est tout simplement incompréhensible. J'apprécierai bien davantage les mouvements qui suivront, et tout particulièrement le deuxième (aux atmosphères multiples). De la timbalière, je ne vois que le visage concentré-impassible alors que pendant le même temps, ses mains s'activent en mouvements d'une étonnante précision, la synchro avec le pianiste semblant parfaite. Étant du côté des numéros impairs, je ne vois également que le visage du pianiste. La virtuosité de l'œuvre (apparemment surtout pendant le premier mouvement) est telle que pour une fois, le difficulté se lit sur le visage du pianiste qui n'en est rendu que plus humain. Les moments de silence des cordes feront que pour cette demi-heure de musique, certains pupitres de cordes auront à peine six pages à jouer. Cela m'a ainsi beaucoup amusé de voir les altos et violoncelles passer à la page 2 après environ un quart d'heure !

Après l'entr'acte, l'orchestre revient pour le concerto pour orchestre de Bartók. Je ne pense pas avoir entendu de concerto pour orchestre en dehors du baroque (en particulier Bach et ses concertos Brandebourgeois). Les différents groupes d'instruments auront donc ainsi chacun leurs passages solistes (les bassons ! le tuba !). Je ne sais plus si c'est dans le quatrième ou le cinquième mouvement, mais il y a eu un joli passage qui ressemblait plus ou moins à une fugue (à beaucoup de voix, entre les vents et les cordes...). Dans le Finale, les mouvements du chef se font plus vifs, plus amples. Cela fait terminer cette deuxième partie de concert sur une bonne impression, le début m'ayant paru un peu lent et froid.

Si cela avait été mon dernier concert de l'année, ç'aurait été une belle fin, mais il m'en reste encore...

Ce concert était filmé pour ArteLiveWeb. Quand on est deux mètres derrière un caméraman, on entend le bruit des instructions qu'il reçoit dans son casque... Le matériel en soi ne fait pas de bruit, mais à déplacer des caméras sur roulettes, on prend des risques. Dans un concert de rock, personne ne s'en rendrait compte, mais ce soir, pendant des pp, on a entendu des bruits de chocs des roulettes contre le bois de la scène en gradins. C'est d'autant plus dommage que le public a été particulièrement sage et concentré (au moins pendant la première partie du concert : pas de tousseurs et les retardataires ne sont entrés qu'après la fin de la première œuvre).

Ailleurs : Zvezdo, Olivier.

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Cendrillon à Bastille

2011-12-21 00:51+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

J'ai vu ce soir le ballet Cendrillon de Noureev pour la deuxième fois. J'avais aussi assisté à la représentation du 27 novembre avec Agnès Letestu et Stéphane Bullion dans les deux rôles principaux. Ce soir, c'était Laëtitia Pujol qui interprétait le rôle de Cendrillon. Cela commence comme on l'imagine, Cendrillon passant son temps soit près de la cheminée soit un peu partout à nettoyer tandis que ses deux chipies de sœurs de disputent. La partie magique est assurée par le producteur (Alessio Carbone) qui débarque à la maison après un accident dans un engin non identifié. C'est que Cendrillon aime le cinéma : quand elle en a le temps, elle regarde des affiches de films ou fait un numéro de claquettes dans le style de Charlie Chaplin. Un casting va avoir lieu, le producteur y emmène Cendrillon. Dans les studios de cinéma, on commence par monter un défilé de mode au cours duquel les quatre saisons défilent. Ensuite, les douze heures viennent avertir Cendrillon de l'échéance. Plus tard, on passera d'un plateau de cinéma à un autre où se tournent trois films : Trivial Pursuit, Burlesque Parade, King Kong - Remake. Les deux sœurs de Cendrillon et la marâtre (Simon Valastro) viennent tenter leur chance. Comme dans le premier tableau où un professeur de danse venait tenter de leur apprendre à danse, ce même professeur leur montre des pas et elles se plantent lamentablement. C'est qu'elles ont l'intention de jouer avec l'acteur-vedette (Florian Magnenet). Celui-ci en a rapidement marre de ces mauvaises partenaires. C'est alors que Cendrillon fait une entrée de star, sous les flashs des photographes. Cendrillon est émerveillée par tout ce qui l'entoure. L'acteur-vedette, évidemment, est séduit. Cendrillon doit s'en aller avant que sonne minuit. Elle laisse tomber une chaussure afin que l'acteur-vedette puisse la reconnaître. Tous s'en vont finir la soirée dans un lieu de pertition, chacun selon ses goûts et l'acteur-vedette fait la tournée des bars (au galop) pour essayer de retrouver Cendrillon. La sœur verte (Alice Renavand) s'est échouée dans une tavergne espagnole. L'acteur s'intéresse a elle mais il l'envoie valser quand il constate que son pied ne rentre pas dans la chaussure. La scène se reproduit dans une atmosphère chinoise avec l'autre sœur (Nolwenn Daniel). Au petit matin, toute la famille (père alcoolique compris) se trouve à la maison tandis que Cendrillon nettoie le sol. Certains ont l'air de reconnaître en elle la fille qui la veille a réduit à néant leurs possibilités de carrière dans le cinéma. Les deux sœurs se remettent à jouer avec une quadruple testicule rouge. L'acteur-vedette vient armé d'une chaussure et finalement, c'est Cendrillon qu'il reconnaît quand elle lui montre l'autre chaussure. Cendrillon ne pense plus alors vraiment au cinéma, mais seulement à l'acteur-vedette. Quand le producteur veut lui faire signer un contrat, elle hésite mais finit par accepter. Le premier tournage du couple d'acteurs peut commencer...

Je pense que j'ai préféré la distribution de ce soir à l'autre que j'ai vue il y a trois semaines. Laëtitia Pujol (que j'ai très peu vue danser) n'avait pas pu créer La Source en raison d'une blessure. J'ai ainsi été content de la voir. Dans son jeu ressortait bien les trois phases dans lesquelles évolue son personnage : dénuement dont elle ne s'évade que par le rêve, émerveillement quand le rêve se réalise, l'amour de l'acteur-vedette. Son partenaire était Florian Magnenet. L'acteur-vedette est un rôle de beau gosse ; il le fait très bien ! Je ne me suis pas ennuyé pendant le pas de deux final (qui m'avait semblé interminable avec Agnès Letestu et Stéphane Bullion). Dans le rôle de la marâtre, j'ai préféré Simon Valastro : Stéphane Phavorin en faisait un peu trop à mon goût dans ce rôle travesti. Dans les rôles où elles devaient souvent faire exprès de mal danser, Nolwenn Daniel et Alice Renavand ont été très très bien. Dans le rôle du producteur, Alessio Carbone m'a fait une meilleure impression que Karl Paquette. Le corps de ballet m'a semblé inégal, surtout chez les messieurs.

C'est un ballet bien sympathique, avec quelques effets à grand spectacle, comme la citrouille qui se transforme à vue en voiture ou encore King Kong qui se frappe les poings contre la poitrine et se dresse. On passe un bon moment et il y a une belle musique de Prokofiev (j'ai préféré celle de Roméo et Juliette). Ceci étant, c'est loin d'être aussi passionnant que peut l'être Onéguine qui se joue en même temps à Garnier...

Ailleurs : Danses avec la plume #1, #2, Blog à petits pas.

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Onéguine à Garnier

2011-12-15 01:57+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

Le ballet Onéguine de Cranko que j'avais vu il y a deux ans et demi est un de ceux qui m'ont fait aimer le ballet classique, et incidemment Pouchkine. Le revoir m'a procuré à nouveau un très grand plaisir.

Dimanche dernier, le ballet était interprété par une distribution qui semble idéale... C'était à nouveau Aurélie Dupont qui interprétait le rôle de Tatiana. Nicolas Le Riche blessé a été remplacé par Ewan McKie (ballet de Stuttgart). Je ne saurais trop dire pourquoi cela a marché, mais il me semblait évident que ce partenariat fonctionnait comme jamais je ne l'ai vu chez aucun couple de danseurs ! Dans la scène de la lettre que Tatiana écrit à Onéguine s'insère un rêve où elle voit dans un miroir paraître Onéguine qui le traverse et danse avec elle un pas de deux. Quoique vu depuis le dernier rang de l'amphithéâtre (mal aux genoux !) et sans jumelles, ce pas de deux m'a semblé extrêmement émouvant, tout comme celui de la fin, quand quelques années plus tard, mariée au prince Grémine, Tatiana rencontre à nouveau Onéguine et le congédie. Onéguine avait autrefois tué dans un duel son ami Lenski qui était promis à Olga, la sœur de Tatiana. Ce couple formé par Myriam Ould-Braham (Olga) et Josua Hoffalt (Lenski) fonctionne également à merveille ! De son côté, Karl Paquette (Le Prince Grémine) ne démérite pas, mais quand il danse avec Aurélie Dupont (ce qui dans cette chorégraphie signifie qu'il n'arrête pas de la porter), on ne voit qu'elle tant elle est rayonnante !

Lors du premier entr'acte, Genoveva à qui je fais part de mon misérable placement me dégotte une très bonne place aux premières loges. Certes, je suis debout, mais je n'ai pas à faire de contorsions et je vois toute la scène de pas trop loin, et de face, ce qui me permet d'admirer les décors que je trouve très beaux.

Ce mercredi soir, j'y suis retourné pour voir une autre distribution, qui m'a semblé également très bonne, mais pas aussi enthousiasmante que la précédente. Je pense que c'était la première fois que je voyais Clairemarie Osta dans un grand rôle classique. Sans m'éblouir autant qu'Aurélie Dupont dans ce rôle, elle m'a fait une excellente impression. Son partenariat avec Benjamin Pech m'a bien plu aussi, mais cela m'a un peu moins touché que Dupont-McKie. Comme la fatigue physique était plus visible chez lui, Benjamin Pech a donné du personnage d'Onéguine l'image d'un homme plus fragile.

Un des autres intérêts de cette distribution était le couple Mathilde Froustey/Josua Hoffalt en Olga/Lenski. Je garde un excellent souvenir de la prestation de Mathilde Froustey dans ce rôle (avec Mathias Heymann) en 2009. J'aurais sans doute été aussi enthousiasmé ce soir si je n'avais pas vu Myriam Ould-Braham quelques jours auparavant. Son interprétation du rôle fait du personnage d'Olga une enfant insouciante et souriante. Pendant la quasi-totalité de la durée de sa présence sur scène (scène du duel exceptée), elle sourit ! Si c'est une bonne chose que l'effort physique lié à la danse ne transpire pas sur son visage, il est dommage que les émotions exprimées n'aient pas été un peu plus variées. Pour le reste, sa danse était impeccable !

Pour moi, la révélation de ce soir a été Josua Hoffalt. Si, vu de loin, il semble être évidemment un très bon danseur, quand on le voit de plus près ou quand on zoome grâce aux jumelles, il prend une tout autre dimension... J'ai beaucoup aimé son partenariat avec Mathilde Froustey : sachant être souriant, mais pas tout le temps. Son solo dans la scène qui précède le duel avec Onéguine était également très intéressant.

Enfin, pour en finir avec la distribution, Christophe Duquenne m'a semblé donner un peu plus d'existence au personnage du Prince Grémine.

Ce ballet de Cranko est une très belle chorégraphie. Les danseurs doivent très souvent porter leur partenaire. J'ai déjà dit que les décors étaient jolis. La scénographie n'est pas inintéressante non plus. Si le découpage en trois (relativement courts) actes donne lieu à deux entr'actes, le passage d'un tableau à un autre est géré sans réelle perte de continuité par l'utilisation d'un rideau transparent et d'un autre opaque entre lesquels les danseurs peuvent évoluer latéralement. L'avant-scène est également utilisée, comme au troisième acte lors d'un flashback vers la scène du duel.

Une des qualités de ce ballet est de très bien marier la danse des solistes et les ensembles. C'est particulièrement bien fait dans la scène de l'anniversaire de Tatiana au cours duquel tout le monde danse alors que tout se joue entre les personnages principaux. Certains contrastes sont saisissants entre l'ambiance générale qui est joyeuse et les tourments qui s'emparent des personnages : le rejet que Tatiana subit de la part d'Onéguine, qui commence à séduire Olga, rendant Lenski fou de jalousie...

Cela en a étonné plus d'un, mais si la musique est de Tchaikovski, elle n'est en rien celle de son opéra Eugène Onéguine. D'autres œuvres du compositeur ont été arrangées. En 2009, c'était l'Orchestre de l'Opéra de Paris que dirigeait James Tuggle. Cette fois, c'est l'Orchestre Colonne. Je trouve que cet orchestre a fait une prestation tout à fait honorable. Cependant, j'ai comme l'impression qu'il y a eu des imperfections dans le solo d'alto de la scène où Lenski est seul en scène peu avant le duel.

Ailleurs : Danses avec la plume, Blog à petits pas, Klariscope.

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Le Ring sans paroles à Pleyel

2011-12-10 02:15+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Pour la première fois de la saison, je monte au deuxième balcon de la Salle Pleyel pour assister à un concert du Philharmonique de Radio France. Je pense que cela doit être la première fois que j'étais dans la partie centrale de ce balcon. L'effort de la grimpette jusqu'à ce sommet est récompensé par une très belle vue sur l'ensemble de l'orchestre et par des conditions acoustiques favorables.

La première œuvre jouée est pour moi une révélation. Dans le début de ce Tasso, Lamento et Trionfo, on entend des associations orchestrales qui font beaucoup penser à son contemporain Wagner, notamment dans la façon d'utiliser les vents (la clarinette-basse !) et les cuivres. Quelques beaux passages où une gamme descendante est jouée par les violons, les altos, les violoncelles et enfin les contrebasses. Ce n'est pas forcément très original, mais cela fait plaisir à entendre. Les moments de dialogue entre les violons I et II est très belle à regarder.

L'œuvre suivante suivante Totentanz me plaît un peu moins. On est là plutôt dans des excentricités pianistiques (un petit glissando par ci, des grosses basses par là, une utilisation du piano autant comme instrument mélodique ou harmonique qu'en tant que percussion). C'est à se demander si les pianos hongrois ne s'useraient pas plus vite que ceux installés dans le reste du monde. L'ensemble est très varié, et il y a même des moments où on a presque l'impression d'entendre du Bach contrapuntique. Si je ne suis pas autant aux anges qu'à l'écoute de la première œuvre jouée, mais c'est tout de même très beau.

La deuxième partie est fort logiquement consacrée à Wagner : une suite symphonique Le Ring sans paroles. L'effectif de l'orchestre est vertigineux : 18 violons I, 16 violons II, 14 altos, 10 violoncelles, 9 contrebasses, 6 harpes, 15 vents, 9 cors, 8 trompettes et trombones, un tuba, quatre percussionnistes. Total : 110 musiciens et un chef. Les musiciens ne sont pour autant pas trop serrés puisqu'une rallonge de scène a été installée.

L'exécution de ces extraits de la Tétralogie me procure un grand plaisir. Contrairement aux conditions d'écoute lors d'une représentation d'opéra, le spectacle réside ici uniquement dans l'orchestre. L'engagement des musiciens est manifeste. Certes, les trombones ne seront pas toujours très synchros, mais à part pour quelques occurrences du motif du Sort, les couacs de cuivres me gêneront nettement moins que lors d'autres concerts où ils étaient moins utilisés que dans Wagner.

Une petite frustration viendra pour moi de l'absence des voix. On aurait pu imaginer, comme dans la Doctor Atomic Symphony de John Adams entendue récemment de remplacer une voix par un instrument. Ce n'est pas le cas ici, et il me faut un peu d'imagination pour entendre l'Adieu de Wotan dans la séquence ainsi nommée. Une autre frustration vient du côté zapping de cette sélection. Les morceaux sont enchaînés les uns aux autres, et on passe sans transition d'une scène à une autre, ce qui a fait qu'à plusieurs reprises, je me suis dit : Ah zut, cette partie-là est déjà finie, on est passé à autre chose.... Ainsi, par exemple, j'aurai bien aimé que l'extrait où Siegfried atteint le rocher de Brünnhilde aille au moins jusqu'au Salut au monde. On l'entendra cependant peu avant la Trauermarsch dans le récit de Siegfried qui précède sa mort. À l'inverse, j'ai l'impression qu'on a un peu trop entendu le motif qui est associé à Brünnhilde dans Le Crépuscule des Dieux. J'ai même du mal à comprendre où ont été faites certaines coutures.

Ceci étant dit, certains moments furent particulièrement beaux, comme celui du Voyage de Siegfried sur le Rhin et surtout le finale, un peu avant le moment où dans le texte Hagen dit Zurück vom Ring!. Autant j'avais été déçu par le côté brouillon de l'interprétation par les cordes du motif de la Rédemption par l'Amour par l'Orchestre de l'Opéra de Paris (en juin 2011), autant ici, les quelques apparitions de ce motif dans cette fin m'ont paru belles et très bien mises en valeur. (Klari me soufflait que les musiciens de ce soir n'avaient pas cinq heures de représentations dans les jambes...)

Le concert est disponible à la réécoute sur ArteLiveWeb. (Vu du deuxième balcon, j'avais eu l'impression que le pianiste Barry Douglas avait fait quelques glissandi de touches noires, mais la vidéo permet d'infirmer cette observation.)

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Musique espagnole pour le Colonne à Pleyel

2011-12-06 23:59+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Après un programme russe, c'est un programme espagnol que le Colonne a donné ce soir à Pleyel.

Cela commence curieusement par le Prélude à l'après-midi d'un faune. Cette programmation semble liée à l'arrivée d'une nouvelle flûtiste solo dans l'orchestre. Le tempo m'a paru parfois légèrement lent, mais j'ai apprécié de réentendre cette œuvre que je n'avais pas entendue en concert depuis environ deux ans.

Vient ensuite l'œuvre contemporaine du programme. Je suis d'habitude assez content des choix du Colonne en la matière. Ce soir, j'ai été moins convaincu. Cela semble très bien joué, mais cela faisait quand même beaucoup musique de fin du monde. Une bombe nucléaire vient d'exploser. Les survivants essaient de tenir et rampent sur le sol... Les cordes poussent des cris stridents... Dans les deux premiers mouvements, on oublie presque que c'est un concerto pour piano. Jean-Claude Pennetier joue des suites d'accords plus ou moins brutaux. Cela devient subitement beaucoup plus virtuose dans le troisième mouvement, qui se termine avec un très violent crescendo (pour les spectateurs d'arrière-scène en tout cas...).

Je connais très mal la musique de Falla. Après l'entr'acte étaient jouées les Nuits dans les jardins d'Espagne. C'est assez varié et un peu plus moderne que ce que j'imaginais a priori, surtout dans le début de l'œuvre. La pièce de Debussy qui a été jouée ensuite Soirée dans Grenade est tout autant adorable, mais le style de la pièce me surprend encore plus ; j'ignorais que Debussy avait écrit une musique aussi ethnique.

Enfin, pour conclure le concert, España de Chabrier, que je connaissais, mais que je n'avais jamais entendu en concert. La direction est un peu lente la première fois qu'elle a été jouée. Cela m'a permis d'entendre des détails qui sinon resteraient cachées par la vitesse et les décibels, mais, ce morceau ayant été bissé, j'ai quand même préféré la deuxième interprétation, plus vive et plus énergique qui en a été faite quelques minutes plus tard.

Sinon, à signaler : quelques drôles de lascars dans le public. Devant moi, pendant tout le concert, un spectateur n'a pas arrêté de lire un manuel de corporate responsability et de tapoter des messages sur son téléphone portable. À côté de moi, un autre feuilletait un catalogue, toussait et s'est même levé de sa place pendant l'exécution d'une œuvre pour mieux voir ce qui se passait du côté des percussions (qui sont cachées depuis certaines places de l'arrière-scène).

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Les Démonstrations de l'École de danse de l'Opéra

2011-12-04 21:33+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

Comme l'année dernière, j'ai passé une journée à l'Opéra Garnier pour assister aux démonstrations de l'école de danse. Le déroulement de la journée a été globalement assez semblable à celui de l'année dernière (une différence notable est l'absence de neige cette année). Je n'ai eu à changer que quelques noms d'enseignants et de pianistes dans la distribution ci-dessus, donc à la place d'un compte-rendu détaillé, voici le sapin de Noël visible dans le Grand Foyer de l'Opéra :

Sinon, en vrac, que dire :

• On a entendu une quinzaine de fois la Polonaise de l'opéra Eugène Onéguine (Tchaikovski), utilisée quasi-systématiquement pour les saluts à la fin du passage de chaque classe.
• Wilfried Romoli a un contrôle du souffle et de la voix très stimulant dans son rôle de professeur de la classe de quatrième division garçons.
• Ma balletomanie fait que je me retrouve à réentendre de nombreuses musiques que je sais que je connais, mais sans forcément réussir à les identifier, ce qui a parfois eu tendance à me divertir de l'exercice réalisé par les élèves. (Parmi les musiques identifiées, il y avait notamment du Schumann (Kinderszenen), Verdi (Rigoletto), Bizet (Carmen), Bach.)
• Elisabeth Platel semble toujours aussi belle. Elle a tenu à rendre un hommage particulier à Christiane Vaussard (danseuse étoile et enseignante, décedée récemment).
• Les grandes divisions filles m'ont fait une très bonne impression.
• La première division fille a été particulièrement brillante. La forme des exercices a été singulièrement renouvelée cette année puisque chacune des danseuses a présenté une variation !

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Priyadarshini Govind au Musée Guimet

2011-12-03 01:46+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Danse — Culture indienne

J'ai assisté ce vendredi au premier des deux récitals que Priyadarshini Govind donne au Musée Guimet. J'en sors extrêmement déçu, davantage encore que du programme donné à Mumbai en février 2010 où elle partageait l'affiche avec la sublimissime chanteuse carnatique Aruna Sairam (qui viendra au Théâtre de la Ville en avril).

Après une chanson interprétée par quatre musiciens, dont au moins trois accompagnent régulièrement la danseuse, celle-ci a dansé en quelques sorte des salutations (sans les traditionnelles offrandes de fleurs, qu'elles soient mimées ou réelles). Cette pièce est jouée sur une musique essentiellement rythmique, relativement lente.

Vient ensuite un affreux interlude du violoniste à l'issue duquel la danseuse présente quelques mouvements pouvant aider à la compréhension de la suite, les explications étant données par une voix-off. Cette pièce est censée être narrative, racontant l'histoire d'une jeune femme qui se languit de Shiva. Je n'ai pas réussi à suivre le fil narratif de cette pièce entrecoupée de longs passages rythmiques (dans lesquels la danseuse n'est justement pas tout à fait en rythme comme ce fut le cas dans le premier). Initialement, se sentant abandonnée de Shiva, la jeune femme est très triste et tourmentée par un ardent amour. Étonnamment, une coulée de larmes descend de l'œil gauche de la danseuse et se répand sur sa joue. Après, je vois bien que Shiva entre en scène, mais le détail de l'histoire m'échappe. Je ne saurais trop dire s'il faut prendre au propre ou au figuré l'image qui a été montrée d'un insecte (papillon ou abeille ?) butinant une fleur de lotus...

Les deux pièces suivantes mettent en scène des amours illicites. Je n'en ai pas la totale certitude pour la première, mais il est certain que j'ai vu la deuxième à Mumbai. Dans la première, une dévôte de Shiva est charmée par Krishna. La pièce est assez lente et est surtout faite de pantomime. La danseuse montre la jeune femme à ses rites shivaïtes (on la voit ainsi arroser de lait un lingam). J'ai du mal à comprendre comment cela a pu m'échapper, mais je n'ai pas l'impression d'avoir vu un seul instant Krishna représenté dans la chorégraphie. On ne m'aurait pas dit avant que c'en était un personnage, je n'en aurais aucune idée...

La deuxième de ces pièces met en scène une femme adultère. Son mari s'en va en voyage. Son beau-père est probablement assoupi. Elle convoque son amant. (Tiens, cette fois-ci, on ne nous a pas dit que cet amant était le dieu Venkateshwarar...)

Le programme s'achève par un numéro rythmique. Dans cette pièce, on voit la danseuse exécuter des mouvements avec un ou deux genoux au sol.

En bis, elle a dansé une dernière pièce, la seule que j'ai trouvée intéressante. Le problème, c'est que je n'ai pas compris l'histoire... Il était peut-être vaguement question d'une femme exprimant sa dévotion envers quelque dieu. J'ai cru entendre Muruga une ou deux fois dans le texte chanté. Ce ne sont que conjectures...

Si cette danseuse ne manque pas de qualités (par exemple : elle pris à au moins deux reprises la pose Shiva-Nataraja d'une superbe manière), ce récital ne m'a guère plu. Cela a manqué d'un certain nombre d'ingrédients : de la belle danse pure, de l'expression dans le visage, de la narration... Par ailleurs, les annonces faites par la voix-off m'ont semblé trop succintes. Autant rien dire ou distribuer à l'avance un programme résumant les différentes pièces. C'est ce que j'ai trouvé le plus frustrant. D'autres danseuses, par le seul langage chorégraphique, ont déjà réussi à me faire comprendre des histoires plus complexes...

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La Cenerentola à Garnier

2011-12-02 01:48+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Je sors peu enthousiaste de la représentation de La Cenerentola qui vient d'avoir lieu à l'Opéra Garnier. La mise en scène est tradi-vieillote. Les décors sont semi-construits, mais il y a beaucoup de toiles peintes (qui ondulent quand un chanteur vient à les toucher). Par rapport à la fraîcheur de la production mise en scène par Irina Brook au TCE il y a quelques années (et que j'ai vue en 2010), c'est tristounet. On n'aurait pas perdu grand'chose à voir une version de concert à la place.

Le plus triste, c'est ce qui se passe dans la fosse. Avant même le début du spectacle, j'avais des craintes en découvrant le nombre réduit de premiers violons (8). L'entame du Sinfonia est très très lente et le volume sonore est très faible. Il y aura bien un petit crescendo et un léger accelerando, mais pas de risque d'hyperacusie ou d'excès de vitesse (non-sequitur : pourquoi ne pas regarder Poiret-Serrault dans le sketch Le permis de conduire un orchestre ?). J'ai des souvenirs bien plus vivifiants d'autres interprétations. La façon qu'a eu le chef Bruno Campanella de se retourner vers le public aussitôt la dernière note jouée pour ne pas laisser d'autre choix aux spectateurs que d'applaudir ce Sinfonia ne m'a pas particulièrement mis de bonne humeur.

Bien que l'effectif de l'orchestre soit réduit, le volume sonore émis par les chanteurs pendant une bonne partie du premier acte est trop faible : l'orchestre les couvre. Le tempo souvent trop lent à mon goût n'aide pas les chanteurs et on s'ennuierait presque, ce qui est tout à fait inattendu pour un opéra de Rossini...

Les chanteurs se libèrent quelque peu dans le deuxième acte. Les airs de Javier Camarena (Don Ramiro), Carlos Chausson (Don Magnifico), Riccardo Novaro (Dandini) et Alex Esposito (Alidoro) me plaisent beaucoup. Pendant l'entr'acte, je pouvais voir les musiciens autour du piccolo s'amuser de ce que la flûtiste répétât les premières notes de l'air Non più mesta. À la fin de l'opéra, son interprétation sera impeccable. La chanteuse Karine Deshayes (Angelina) l'a fort bien chanté (nettement mieux que dans la version DVD que je possède : je déteste ce que fait Cecilia Bartoli dans cet air...).

Si le deuxième acte ne m'a pas déplu, je ne pense pas que cette soirée entrera au Panthéon de mes soirées d'opéra...

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LSO/Gergiev/Grimaud/Mutter à Pleyel

2011-12-01 01:24+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Le LSO a donné deux excellents concerts lundi et mardi. Cela avait pourtant mal commenté. Pendant le concerto pour piano de Schumann, je n'ai pratiquement entendu que le râle de fin du monde d'un spectateur dont je n'ai pas réussi à identifier l'origine malgré mon placement à l'arrière-scène. Le chef Valery Gergiev a également semblé émettre des bruits assez peu seyants pendant ce concerto. Visuellement, il semblait assez évident qu'il laissait l'orchestre et la pianiste en pilotage automatique (il avait aussi l'air de prendre quelque peu ses marques : Hum, voyons, où sont mes premiers violons ? Il tourne la tête vers la droite. Tiens, ils ne sont pas là. Il la tourne vers la gauche. Ah, vous voilà donc, je vous cherchais partout !). Alors que j'étais dans de bonnes dispositions vis à vis de cette œuvre (fût-elle de Schumann) après l'avoir entendue par Dang Thai Son et l'Orchestre de Paris, j'ai accueilli la fin du dernier mouvement avec un certain soulagement. Je ne sais pas de qui était le bis joué par Hélène Grimaud, mais c'était tout ce que je n'aime pas (ou ne sais pas apprécier) chez certains pianistes : un déluge de notes simultanées dans lesquelles je me noie (une impression que j'ai eue aussi à certains moments pendant le concerto). Malgré la virtuosité évidente que cela demande de la part de la soliste, cela me laisse indifférent.

La deuxième partie du concert est d'une tout autre qualité. Pour la dixième symphonie de Chostakovitch, le chef était beaucoup plus concentré. L'œuvre contient des passages sonnant plutôt agréablement aux oreilles et soudainement une folle furie dissonante peut s'emparer de l'orchestre. J'ai eu moins l'impression d'être perdu dans ce déferlement qu'à l'écoute de la Symphonie nº8 par le Philharmonique de Radio France. Les instruments à vents sont fabuleux : hautbois, bassons, piccolo, flûtes, etc. L'engagement coordonné de tous les musiciens est impressionnant, autant pour les yeux que pour les oreilles. Les graves des contrebasses (8) et des violoncelles (10) réunis sont sidérants. On entend parfois très distinctement les altos (12) ! Sur scène, on a aussi réussi à caser 14 violons II et 16 violons I.

⁂

Le concert du mardi commence par Le Lac enchanté de Liadov. L'œuvre est tout en pianissimi et recèle de très belles atmosphères musicales. Après que les cordes soient passées de la configuration 16/14/12/10/8 à 14/12/10/8/6 (j'apprécie la régularité du nombre de cordes, le nombre total étant obtenu en ajoutant quatre au nombre de contrebasses puis en multipliant par cinq), Anne-Sophie Mutter entre en scène pour interpréter le concerto pour violon de Tchaikovski. Son interprétation est moins superlative que celle de Leonidas Kavakos (avec l'Orchestre de Paris). Cela reste néanmoins superbe. J'ai toutefois eu peu de mal à me faire aux sonorités de l'instrument pendant les premières minutes du concerto. L'interprétation s'accompagne d'un son souvent rêche ; cette âpreté est curieusement contrebalancée par davantage de vibrato. Toutefois, la cadence du premier mouvement m'a énormément plu. Le fait d'être un tout petit peu moins captivé par la soliste fait que j'ai pu apprécier davantage les parties orchestrales et entendre des détails qui m'avaient échappé. J'ai tout particulièrement été étonné de retrouver une technique d'orchestration typiquement tchaikovskienne : des phrases musicales dont les notes successives (groupées par petites grappes) sont jouées par différentes parties. C'est facile à repérer sur une partition d'orchestre :

Cette mesure extraite de la scène de la lettre de Tatiana dans l'opéra Eugène Onéguine (cliquer ici pour entendre ce passage) est la première chose qui me vient à l'esprit quand je pense à Tchaikovski...

Après l'entr'acte, Lichtes Spiel de Rihm (pour violon, vents et cordes en formation 6/6/4/4/2) me plonge dans une semi-léthargie. Je sens néanmoins un petit moment de panique et un silence sans doute involontaire chez la soliste lors d'une tourne récalcitrante.

Comme la veille, la symphonie de Chostakovitch programmée (ici la sixième) a conclu le concert d'une magnifique manière. L'œuvre m'a semblé beaucoup moins dissonante que la dixième symphonie. Le premier mouvement est joué sur un tempo très lent par un orchestre maintenant une sombre tension. L'atmosphère change radicalement lors deux derniers mouvements, plus rapides. La fin a été particulièrement brillante !

Ailleurs : Paris Broadway.

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Shahid Parvez au Théâtre de la Ville

2011-11-26 22:28+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Culture indienne

Ce n'est que la deuxième fois que j'assiste à un concert centré autour du sitar. L'autre fois, c'était en septembre 2008 pour Ravi & Anoushka Shankar. Je ne me souviens plus de ce concert dans le détail, mais il m'a semblé que le concert de ce soir avait une structure qui se rapprochait davantage de ce qui se fait habituellement lors des concerts de musique du Nord de l'Inde.

Après avoir accordé son instrument (et le tanpura) de façon assez systématique (on dirait un accordeur de clavecin), le sitariste Shahid Parvez commence son récital avec un Alap/Jor dans le Raga Kirwani. Cette partie du concert est lamentablement gâchée par les énormissimes larsens qui sortent périodiquement des enceintes. Est-ce que l'instrument était trop près du micro ? Est-ce que le larsen venait d'un phénomène de résonance qui ne se déclenchait que lors du jeu d'une note particulière ? Toujours est-il qu'il m'est impossible de complètement apprécier une performance, si belle soit-elle, si je sais qu'à n'importe quel moment un bruit affreux peut m'agresser les oreilles. Heureusement, le problème se posera moins dans la suite du concert.

Pour la première fois dans un concert de musique instrumentale, j'ai été frappé par les similitudes formelles qui unissent les différentes musiques du Nord de l'Inde. Bien sûr, cela commence par un Alap au fil duquel les différentes notes de la gamme viennent s'insérer successivement. Le musicien joue sur deux notes, puis trois, etc. Il utilise parfois une technique que j'avais déjà vue à l'œuvre sur un sarod. Une fois actionnée, la corde a semble-t-il la faculté de vibrer très longtemps. Ainsi, avant l'évanouissement complet du son (vers lequel le musicien tend parfois), il aura utilisé un peu de vibrato ou de glissando. Ceci me rappelle certains phrasés et jeux sur la hauteur des notes qui sont utilisés dans le dhrupad.

La tabliste Anuradha Pal accompagne le sitariste pour les trois compositions prévues. Dans la première, je suis saisi par la façon qu'a le musicien de se lancer dans des improvisations, avant de finir systématiquement ses phrases musicales sur la même mélodie de six notes. Quand on a bien assimilé la mélodie et qu'on a compris le système, on n'a qu'une envie : réentendre cette mélodie. Les improvisations soutiennent cette attente, font montrer une tension qui s'apaise quand les notes du motif mélodique viennent conclure la phrase. Rétrospectivement, je sais que j'ai entendu ce type de procédés dans des concerts de musique khyal (Gaayatri Kaundinya !) et sans doute aussi dans le dhrupad, mais peut-être pas de façon aussi systématique. La deuxième composition me fascine par son rythme qui me donnait l'impression de n'avoir pas un nombre entier de temps (1+1+½+1=3½ ? peut-être faut-il chasser les dénominateurs et considérer qu'il y en avait sept ?). La troisième composition a été absolument sublime, la plus planante du concert. L'accompagnement rythmique n'est venu qu'après quelques minutes et il fut très doux. Comme dans la première composition, le musicien utilise un très beau motif mélodique (de onze ou douze notes) pour conclure ses phrases musicales. (Une quatrième composition a été jouée en bis.)

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Arnaud Didierjean au Centre Mandapa

2011-11-26 12:00+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Culture indienne

Ce soir, c'était mon quatrième concert de dhrupad après ceux des Gundecha, de Wasifuddin Dagar et de Sayeeduddin Dagar.

La salle du Centre Mandapa n'est pas très remplie. Il y avait une petite vingtaine de spectateurs. Une bonne surprise est que le concert n'est pas sonorisé. Le chanteur Arnaud Didierjean n'est accompagné que de son tanpura (je persiste à en faire un nom masculin puisque c'est le genre de ce mot en hindi). Il explique que le raga Malkauns comporte cinq notes Sa-Ni-Dha-Ga-Ma (drôle d'ordre) et si j'ai bien compris qu'il est permis de faire varier légèrement la hauteur de la note autour de Ni et de Ga.

J'ai eu une petite frayeur pendant la première minute du concert quand le chanteur a utilisé un peu toutes les notes. Ce n'était qu'une petite prière à Ganesh, et il a ensuite commencé son Alap, qui a duré un peu moins d'une heure (très approximativement). Les phrasés sont relativement variés. Les techniques vocales aussi. Celles-ci peuvent se mélanger dans une même phrase musicale. Le chanteur peut prononcer une voyelle, puis nasaliser avec la bouche fermée, puis revenir à la voyelle, et enfin la faire s'évanouir tout doucement, ce qui s'apprécie d'autant plus du fait de l'absence de sonorisation de la voix et du silence presque complet des spectateurs. Par moments, la voix se fait un peu plus forte. J'ai cependant préféré les moments plus doux, comme lors de la fin très apaisée de cet Alap.

Le chanteur a ensuite répondu à quelques questions des spectateurs. Manifestement, beaucoup d'adeptes du yoga et de la quête de spiritualité... (Cela a failli dégénérer à propos de cette religion qui engendre le système de castes. Je ne sais pas ce qui se serait passé s'il avait été précisé que des interprètes et non des moindres de cette musique sont musulmans, comme les Dagar, dont le chanteur de ce soir a d'ailleurs reçu indirectement des enseignements.)

J'ai quand même réussi l'air de rien à poser la question qui fâche sur l'absence de percussions : comme il venait de Lyon, il était compliqué pour le chanteur de travailler avec un percussionniste à Paris... Si l'Alap était très bien, ne pas entendre la composition et l'improvisation sur le rythme prescrit, c'est quand même un peu comme aller à un enterrement en Bretagne et s'en aller avant le goûter de crêpes qui suit.

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Jephtha à Pleyel

2011-11-26 11:49+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Après Armide et The Fairy Queen, c'était jeudi soir la troisième fois que j'entendais Les Arts Florissants dirigés par William Christie.

Il est étonnant qu'on puisse faire une œuvre aussi longue sur une histoire aussi simple. Jephtha s'en va guerroyer. S'il revient vainqueur du combat, il promet de sacrifier à Dieu la première créature qu'il verra. Ce sera sa fille Iphis. Celle-ci accepterait le sacrifice de sa vie. Finalement, un ange annonce la solution : Iphis devra seulement sacrifier son amour pour Hamor et se consacrer à Dieu. Le Happy ending n'est pas dans la version biblique de l'histoire.

Ce n'est pas l'œuvre de Händel qui souffre le plus de ce défaut de fabrication, mais il m'est tout de même assez pénible d'entendre des voyelles prononcées très longuement au milieu d'une phrase avec une hauteur de note qui ne cesse d'osciller. Si les ohohohoho, les ahahahahahah et les ihihihihihi passent encore, les èhèhèhèhèhèh me semblent terriblement disgraciiieux (s'il y avait des moutons dans cette histoire, je comprendrais, mais non, ce n'est pas ça).

Pour un orchestre baroque, l'effectif est plutôt fourni (plus de quarante musiciens). Le chœur l'est également (un peu moins de trente chanteurs). Dans l'orchestre, les vents sont moins sollicités que les cordes. En dehors de leurs quelques passages solistes, ils sont comme couverts par le reste de l'orchestre. J'ai particulièrement aimé la basse continue de Béatrice Martin (orgue et clavecin).

Le chœur m'a énormément plu. Comme les chanteurs solistes, ils chantent de mémoire, sans partition. Entre apprendre par cœur la musique et avoir mal aux bras et aux épaules après trois heures de concert, il est permis de faire un choix !

Les chanteurs m'ont tous plu. Je dois à l'un d'entre eux d'apprendre que rites profane, c'est aussi de l'anglais. le rôle d'Hamor était chanté par un contre-ténor. En règle générale, notamment chez Bach, je préfère entendre des voix de femmes dans cette tessiture (alto). Dans les oratorios de Händel, cela ne me gêne pas du tout. De toute façon, à l'aveugle, je ne pense pas que j'aurais deviné que la voix de David DQ Lee était celle d'un homme. Je réécouterais très volontiers ce chanteur ! Kurt Streit (Jephtha) m'avait plu dans Lulu récemment. Cela a encore été le cas lors de cette représentation, notamment lors du solennel moment où il prononce son vœu. L'interprète qui m'a le plus enthousiasmé a été Katherine Watson (Iphis), dont le personnage est celui qui évolue le plus au cours de l'oratorio (amoureuse de Hamor, jeune femme prête à sacrifier sa vie, puis son amour) et qui devient extrêmement important dans la deuxième moitié du concert (je ne suis pas sûr d'avoir bien compris où se situait précisément la limite entre le deuxième et le troisième acte, l'entr'acte étant intervenu au cours de l'acte du milieu). La soliste issue du chœur Rachel Redmond a été formidable également dans le rôle de l'Ange.

N'ayant pas besoin de porter une partition, les mouvements des chanteurs offraient davantage de possibilités que d'ordinaire pour la représentation d'un oratorio. Leurs déplacements sur la scène, leurs entrées, leurs sorties, leurs regards n'étaient pas loin de constituer une honnête mise en espace.

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Batiashvili/Leleux/Klinger/Ben-Ziony/Chernyavska au TCE

2011-11-26 11:30+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Quel beau concert que celui donné au TCE ce mercredi ! Quatre œuvres au programme. Les premières œuvres jouées au début du concert et après l'entr'acte mettent en scène quatre instruments : un violon, un alto, un violoncelle, un hautbois. Le premier quatuor est de Mozart. L'œuvre met nettement plus en valeur le hautbois que les cordes. Cela tombe bien, puisque je bénéficie d'un placement au deuxième rang du parterre avec une indécemment bonne vue sur François Leleux. Quel beau son ! En plus de jouer divinement bien, le hautboïste semble prendre un certain plaisir à écouter ses partenaires.

Après l'entr'acte, l'œuvre jouée par ce même quatuor sera le Phantasy Quartet de Britten. Ce quatuor met également en valeur le hautbois et les autres instruments. Le plaisir d'écoute est d'autant plus grand pour moi ! C'est en effet une chose que François Leleux puisse se mettre davantage en valeur que la première fois que je l'avais entendu, cela en eût été une autre qu'il n'y en eût que pour lui et heureusement, ce ne fut pas le cas ce soir puisque les cinq artistes auront eu tous l'occasion de montrer leur talent.

Avant l'entr'acte et après cette œuvre de Britten furent jouées deux sonates pour violon et piano. La première était de Prokofiev et la deuxième de Mozart. La dernière fois que j'ai écouté une œuvre de musique de chambre de Prokofiev en concert, c'était en 2003 dans un concert amateur, mais j'en garde encore un excellent souvenir. Le moins que l'on puisse dire est que cette œuvre de Prokofiev n'est pas très joyeuse (d'après Wikipedia, deux mouvements de cette œuvre furent joués lors des funérailles du compositeur, qui mourut le même jour que Staline). Le piano qui paraît assez secondaire au début de l'œuvre devient de plus en plus important au fur et à mesure que l'on avance. Le troisième mouvement Andante m'a paru particulièrement beau.

Lisa Batiashvili et Milana Chernyavska reviendront dans la deuxième partie du concert pour la sonate pour violon et piano nº42 de Mozart. Les rôles des deux musiciennes auront pour mes oreilles une importance égale. Cette sonate est beaucoup plus joyeuse que celle de Prokofiev ! Les œuvres de Mozart programmées ce soir me réconcilient quelque peu avec ce compositeur, dont certains tics orchestraux m'énervent (à la différence de Haydn, dont j'aime tout...). Bref, il faudrait que j'écoute plus souvent de la musique de chambre de Mozart...

Les cinq musiciens ont joué en bis une très belle adaptation de l'Adagio de la Sérénade Gran Partita que François Leleux a dédié à Francis Chapochnik, luthier des z'hautboïstes récemment décédé.

Grands mercis à Klari et Laurent grâce à qui j'ai pu assister à ce fabuleux concert.

Ce concert est disponible à la réécoute sur le site de France Musique.

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Musique russe pour le Colonne à Pleyel

2011-11-22 22:45+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Habituellement, quand je vais voir un concert Colonne à Pleyel, c'est le directeur musical de l'orchestre (Laurent Petitgirard) qui officie. Samedi soir, il fut bien présent, mais seulement dans le public puisque c'est le chef Pavel Kogan qui avait été invité à diriger un programme constitué de musique russe.

Le programme s'ouvre sur De Profundis, un poème pour chœurs de Monseigneur Archevêque Hilarion Alfeyev, théologien orthodoxe mais aussi compositeur (il aurait été bien d'indiquer dans le programme l'année de création). J'ai eu un peu peur de m'ennuyer à l'écoute du premier mouvement orchestral dans lequel un motif descendant joué sur un rythme assez lent passe dans tout l'orchestre. C'est très agréable à l'oreille, mais un tout petit peu répétitif. L'œuvre me plaît davantage à partir du moment où le chœur entre en jeu, et à la fin, je suis assez enthousiasmé par ce que je viens d'entendre.

J'ai moins aimé l'œuvre suivante : Variations Rococo de Tchaikovski que j'ai presque pris comme une joyeuse plaisanterie destinée au pur divertissement. Cependant, cela permet d'entendre le violoncelliste Xavier Phillips faire preuve de sa virtuosité dans les variations successives, ce qu'il fera encore davantage dans le long bis improbable qu'il jouera ensuite et dans lequel il utilisera des techniques très diverses (notamment des glissandis un peu fous).

Après l'entr'acte vient l'œuvre qui est sans doute la plus attendue du programme : Tableaux d'une exposition de Moussorgsky dans l'orchestration de Ravel. Dès le début, il paraît évident que le chef a eu envie de jouer l'œuvre sur un tempo rapide. Pendant les f, le moins que l'on puisse dire est que les musiciens ne font pas semblant de jouer ! Très belle fin de La Grande Porte de Kiev avec l'apparition des cloches, la montée de la tension et le crescendo qui vient ensuite...

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Laxmi Myriam Quinio au Centre Mandapa

2011-11-18 01:31+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Danse — Culture indienne

Il ne faut pas faire la fine bouche. S'il ne m'a pas autant transporté que celui de Mallika Thalak il y a quelques jours, le récital de bharatanatyam de Laxmi Myriam Quinio m'a semblé assez remarquable.

La jeune danseuse commence son récital par deux pièces très vives : Pushpanjali et Jatiswaram. Elles sont presque trop éblouissantes par la vitesse d'exécution de ce qui dans le Jatiswaram est de la danse pure.

La pièce Jagado Dharana raconte quelques jeux entre Krishna et sa mère adoptive Yashoda. Plus loin, il y aura une pièce mettant en scène la rencontre entre Rama et Sita. Ces deux chorégraphies me décoivent légèrement par la façon un peu superficielle d'aborder ces deux thèmes. La similitude entre les deux conclusions (Yashoda voyant la forme universelle de Krishna, Rama reconnaissant en Sita la déesse Sri-Lakshmi) rend peut-être une des deux pièces redondante dans un même récital. Si l'interprète a été fort heureusement toujours du bon côté, elle n'était pas à mon goût assez loin de la frontière qui distingue une danseuse qui joue un rôle et un personnage incarné par une danseuse. Avant que les chorégraphies ne fassent de la danseuse un personnage, j'aurais aimé voir comme un masque de neutralité qui pourrait ensuite prendre vie subitement.

Entre ces deux pièces narratives étaient intercalée une pièce dans laquelle une jeune femme se languit de Muruga. Cette pièce m'a semblé la plus convaincante lors de ce début de récital. On verra ainsi Kama, le dieu Amour, lui décocher quelques flèches. L'amour pour le dieu lui sera tellement insupportable que le chant du rossignol lui sera pénible et que le lait de vache la fera vomir. Il se trouve que dans le Manuel traditionnel du Bharata-Nâtyam, Le Danseur Cosmographe de Katia Légeret, je lisais récemment qu'à tel mudra était associé de multiples sens, parmi lesquels vomir. Je n'imaginais pas que je le verrais sitôt utilisé en ce sens ! (Avant chacune des pièces narratives, la danseuse montrait quelques mouvements en les expliquant de sa douce voix.)

Les deux pièces suivantes évoquent successivement la dévotion pour la déesse-mère et pour Shiva. Dans la première, on verra l'évocation de différentes formes de la déesse : Parvati, Lakshmi, Saraswati (joueuse de vînâ), Kali (qui tire la langue), etc.

La pièce concernant Shiva m'a enthousiasmé au plus haut point. C'est aussi celle dont la musique me semblait la plus intéressante. Le texte était le typique Bho Shambhu/Shiva Shambhu Svayambhu, mis en musique d'une façon différente de ce que je connaissais déjà. Parmi les images frappantes, celle de Shiva en yogi, et surtout celle représentant Shiva-Nataraja. La façon qu'a eu la danseuse de prendre cette dernière pose est tout à fait unique. La jambe gauche est tendue vers l'avant et opère lentement une rotation vers la droite tandis que les mains prennent les poses habituelles. L'amplitude, la vélocité et la fluidité de certains mouvements de pieds et de jambes trahissent la formation multiple de la danseuse, en particulier dans la technique classique (européenne). Certains passages étaient ainsi très impressionnants.

Après un charmant Thillana qui ne se réduisait pas à de la danse pure (puisque l'on pouvait reconnaître quelques dieux vers la fin), la danseuse a interprété une pièce supplémentaire dont le texte chanté commençait par Krishna Damodara. Cette pièce m'a plu peut-être encore davantage que le Bho Shambhu. On y voyait plusieurs aspects de Krishna. L'enfant volait du beurre et se faisait réprimander. Plus grand, il jouait de la flûte et dansait avec les gopis. La danse avec les gopis était absolument extraordinaire. Par la vitesse d'exécution et une combinaison inédite de mouvements simultanés de toutes les parties du corps, on aurait presque dit que la danseuse se démultipliait comme la tradition explique que Krishna donne l'impression à chacune des nombreuses gopis qu'il ne danse qu'avec elle seule. Il sera également fait référence à Vishnu couché sur le serpent Shesha, et si ce n'est pas la première fois qu'en évoquant cette image je vois une danseuse montrer Lakshmi en train de lui masser les pieds, ce soir ce fut fait de la plus belle des manières.

Plutôt que les multiples pièces de longueur intermédiaire vues dans ce récital intitulé Sringaram (qui a quand même duré presque deux heures !), j'aurais peut-être préféré voir une pièce plus développée (Varnam). Cela dit, je reste très satisfait de ce spectacle.

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L'Ensemble orchestral de Paris au TCE : Benjamin/Mozart

2011-11-17 02:33+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Il y a six mois environ, j'étais allé écouter l'Ensemble orchestral de Paris pour Le songe d'une nuit d'été. J'avais assez moyennement aimé, entre autres parce que le chef m'énervait. Suite à des échanges de mails avec la com' de l'orchestre, on m'avait proposé des invitations.

Assister au concert de ce soir me permettait d'entendre à nouveau la soprano Lisa Larsson que j'avais entendue il y a quelques années dans la Messe en si mineur (deux fois) et L'Oratorio de Noël de Bach. Elle a chanté A Mind of Winter, une œuvre d'il y a trente ans de George Benjamin. Le texte parle d'un bonhomme de neige. Comme Deborah Nemtanu, premier violon, l'a expliqué dans L'entrée en musique une heure avant le début du concert, quand elle a ouvert la partition pour décider des coups d'archets (en commençant par la fin des phrases musicales, expliquait-elle), elle a remarqué que le compositeur avait détaillé ses instructions aux interprètes. Celles-ci visent à produire des effets faisant penser au froid qu'évoque le texte.

Alors que la chanteuse est prête et que le chef va commencer à diriger, il doit renoncer à cause d'une arrivée groupée de spectateurs retardataires. N'ayant pas d'yeux dans le dos, il demande aux musiciens de lui faire signe quand il pourra commencer. On nous avait annoncé un début avec des accords parfaits. Oui, mais en poussant l'archet sur toute sa longueur. Impossible donc de confondre avec de la musique ancienne, c'est bien du XX^e siècle. L'œuvre n'est pas désagréable du tout à écouter si l'on excepte les conséquences sur les bronches de certains spectateurs du froid de l'atmosphère musicale et de l'atmosphère tout court. C'est sympathique pour un début de concert, mais pas inoubliable non plus.

Entre ensuite le pianiste Stephen Kovacevich pour le concerto pour piano nº18 de Mozart. Je ne suis pas fan de cette interprétation assez austère. Je me sens également frustré parce que pour une fois que j'entends un piano dont le couvercle oriente le son dans ma direction plutôt qu'à l'opposé (cf. arrière-scène de Pleyel...), j'ai l'impression que dès que l'orchestre intervient, il couvre le pianiste. Je me suis un peu réconcilié avec cette musique dans le troisième mouvement.

Le contraste a été saisissant entre la première et la deuxième partie du concert. La soprano Lisa Larsson est revenue vêtue d'une autre robe qu'en première partie pour interpréter un air de concert du même Mozart. Elle a manqué chuter de l'estrade en prenant place. L'air Ch'io mi scordi di te ? comporte une importante partie de piano. Elle est interprétée par Ariane Jacob. C'est le même piano que dans la première partie, mais il ne sonne pas de la même façon ! Même si le couvercle est presque complètement rabattu, le son paraît moins étouffé. La chanteuse, la pianiste, l'orchestre, tous semblent revivifiés après la froideur de la première partie.

Tout le monde est donc bien échauffé pour la symphonie nº31 de Mozart. L'œuvre m'a beaucoup plu. Certaines nuances et équilibres trouvés par le chef Douglas Boyd m'ont enthousiasmé. Une chose m'a étonné en revanche : on ne m'avait pas dit que cette œuvre était un concerto pour violon. Je pensais déjà beaucoup de bien de Deborah Nemtanu, violon solo supersoliste. Elle irradie tout le monde par sa présence, son attention aux autres et l'attention que les autres lui portent (certains musiciens des autres pupitres se calent en la prenant comme repère visuel). Rien dans la partition ne semble distinguer une partie séparée pour le premier violon. Pourtant, visuellement, c'était comme si elle jouait un concerto et que les autres violons I se contentaient de faire des Ploum-ploum. À y regarder de plus près, quand ils n'avaient pas de parties séparées, tous avaient cependant l'air de jouer les mêmes notes, mais il y avait comme une dissonance visuelle, tant les mouvements de Deborah Nemtanu étaient plus amples que ceux de ses collègues. Bref, avec ce phénomène dans mon champ de vision, je n'ai pas vu grand'chose de ce qui se passait dans l'orchestre, si ce n'est qu'un des violoncellistes a dû arracher un certain nombre de crins à son archet à la fin du premier mouvement.

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Mallika Thalak au Centre Mandapa

2011-11-13 21:21+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Danse — Culture indienne

Comme hier, je suis allé au Centre Mandapa pour assister à un récital de bharatanatyam. Le public a été moins nombreux et c'est bien dommage.

J'avais déjà eu l'occasion de voir danser Mallika Thalak dans le spectacle Gangâ. J'avais noté qu'elle faisait aussi du bharatanatyam (et qu'elle avait un port de tête exquisement gracieux), mais ce n'est qu'hier que j'ai fait le rapprochement avec le nom de la danseuse programmée ce soir.

Je resors complètement émerveillé par sa danse. Ma théorie depuis un moment est que chaque danseuse a son style propre. Celui de Mallika Thalak me semble caractérisé par une incroyable beauté dans le geste et l'expression. J'étais déjà transporté avant même qu'elle effectue le moindre pas dans la première pièce en hommage à Kali qui a débuté par des mouvements de la moitié haute du corps. Elle a ensuite développé ce Kalikautam (orthographe incertaine) en évoquant principalement les aspects féroces de la déesse Kali.

La deuxième pièce, Alarippu, était exécutée sur une musique purement rythmique. La danseuse ne cherche pas à faire une démonstration de vitesse. Cela reste résolument fluide et extrêmement beau.

La pièce principale est Ardhanarishwara. Elle évoque cette forme androgyne mi-Shiva mi-Parvati. La danseuse alterne ainsi entre le côté droit (Shiva à l'œil foudroyant) et le côté gauche (la gracieuse Parvati). Sans jamais devenir mécanique ou perdre sa beauté, la danse s'est également faite virtuose dans certains passages rythmiques au très vif tempo.

La pièce suivante Ashtapadi a été assez développée. Elle racontait les jeux amoureux de Radha et de Krishna. Celui-ci, charmant Radha et les autres bouvières par la flûte n'hésitait pas à éclabousser celle qu'on avait précédemment vu se parer et se maquiller.

Le récital s'est conclu sur un charmant Tillana, ni trop long ni trop court, ni trop lent ni trop rapide...

La présentation des différentes pièces était faite par le père de la danseuse malabare. C'était un vrai plaisir de l'écouter raconter les pièces et la philosophie sous-jacente à sa manière, tout en s'amusant de ne pas être l'impresario de la danseuse, mais seulement son père.

La danseuse et son père ont rendu un hommage particulier aux chorégraphes de ces pièces et encore davantage aux personnes qui les lui ont transmises. Si cela tend à se perdre de nos jours, la transmission orale se fait traditionnellement de guru à disciple...

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Sabine Pandaredattil et al. au Centre Mandapa

2011-11-12 23:29+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Danse — Culture indienne

En Inde, j'ai eu l'occasion de remarquer que le public n'avait pas forcément le même respect pour l'art et la façon de l'exprimer que, disons, des wagnériens. Les nuisances viennent par exemple des téléphones portables : les gens décrochent et répondent comme si de rien n'était.

Il est plus rare que ces nuisances viennent de l'entourage-même de la danseuse comme ce fut malheureusement le cas ce soir. Tout d'abord, la première rangée de places était couverte de feuilles où était écrit réservé. Ces places resteront vacantes, le clan s'étant installé au deuxième rang (plus confortable).

Le plus gênant, ce furent les photographies avec flash prises tout au long du spectacle. Comment peut-on mépriser à ce point la personne en charge des lumières et les spectateurs en flashant à tout va, y compris quand la scène est dans la pénombre ? Il faut ajouter à cela les clic-clics hystériques des appareils-photos et la projection de lumière test que ces appareils doivent lancer avant la prise en vue pour se régler.

Il faut aussi tenir compte de la concurrence de la danse réalisée entre le premier rang et la scène par une jeune fille tout aussi inconsciente que ses parents de la gêne que cela pouvait occasionner pour les spectateurs, sans parler des danseurs.

C'est qu'il y avait plusieurs danseurs et c'est là un autre problème avec ce spectacle. En Inde, j'ai appris à me méfier des spectacles annoncés comme Bharatanatyam par les disciples de Guru Smt. X. Je n'ai rien contre le principe des démonstrations d'une école de danse, j'ai apprécié celles que j'ai vues à l'Opéra de Paris pour ce qu'elles étaient. Je n'aurais rien contre le principe pour ce spectacle de danse bharatanatyam, si cela avait été clairement annoncé.

Je m'attendais à voir un récital de Sabine Pandaredattil (installée en France depuis une vingtaine d'années) et je n'ai vu qu'une succession de pièces courtes (avec deux mini-Varnam) dansées par la guru et ses élèves, et ce dans différentes configurations. Les élèves étaient au nombre de quatre : un jeune homme et trois jeunes filles.

Le jeune homme était tout-à-fait convaincant (notamment en Shiva). C'est la première fois que je vois sur une scène un danseur de bharatanatyam de ce niveau (les autres que j'ai vus étaient beaucoup plus jeunes). Ses frappes de pieds contre le sol étaient un instrument à part entière. Ses passages rythmiques furent ainsi particulièrement spectaculaires, les effets étant en outre amplifiés par sa grande taille. Par ailleurs, ses mouvements de mains et d'yeux m'ont bien plu aussi.

Une des trois jeunes femmes sortait assez nettement du groupe. Outre ses mouvements fluides et en rythme, sa maîtrise de son expression faciale faisait toute la différence. Elle s'est distinguée dans un duo avec une autre élève qui évoquait l'enfance de Krishna, avec bien sûr l'épisode du pot de beurre. Je ne regardais plus qu'elle. Elle ne doit plus être très loin du niveau qui lui permettrait de se produire en solo... J'ignore son nom tant les annonces faites au micro et dans un français trébuchant étaient incompréhensibles.

J'ai accueilli ces prestations d'élèves avec une certaine bienveillance. Pour le reste, j'ai eu de quoi être déçu par la performance de Sabine Pandaredattil elle-même. Dans ses solos et autres pièces avec ses élèves, je n'ai vu que de la danse pure : une succession de pas qui ne racontaient pas d'histoire ni n'exprimaient d'émotion que je puisse déchiffrer. Il n'y avait pratiquement que des passages purement rythmiques. Entre ceux-ci, certaines séquences de pas étaient curieusement répétées plusieurs fois. Au bout de la troisième reprise, j'avais vraiment bien compris que la Ganga descendait du chignon tressé de Shiva ou encore que du nombril de Vishnu-Padmanabha émergeait un lotus ! Merci, mais une seule fois, cela m'aurait bien suffi ! Je ne fais pas le détail des pièces successives (qui évoquèrent principalement Shiva, mais aussi Subhramaniam, Ganesha et Vishnu). J'ai été également déçu par son Tillana qui était exécuté sur un rythme étonnamment lent pour une pièce de ce type, en général bien plus vive.

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Orchestre de Paris à Pleyel : La symphonie fantastique

2011-11-11 21:33+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Je n'avais jamais entendu la Symphonie fantastique de Berlioz en concert. Comme les premières parties des deux concerts de l'Orchestre de Paris dont elle était le plat de résistance étaient complètement différentes, j'avais décidé de l'aller écouter deux fois.

Le programme du mercredi commence par Les Offrandes oubliées de Messiaen. Bien que les différentes parties soient enchaînées, la division est très apparente. La première partie La Croix ne sonne pas tellement comme du Messiaen ; cela semble assez classique. Dans la deuxième Le Péché, les forces du mal se font entendre de façon violente. Dans la troisième, intitulée L'eucharistie, bien qu'il ne soit plus fait appel qu'aux cordes, je retrouve une atmosphère envoûtante et éthérée très messiaenique qui me rappelle le Jardin du sommeil d'amour de la Turangalîla-Symphonie.

Je ne me serai pas déplacé pour le seul concerto pour piano en la mineur de Schumann. Ç'eût été dommage, car cette œuvre m'a semblé absolument adorable. Le deuxième mouvement, tout particulièrement. Le chef Paavo Järvi exprimait à l'égard de l'orchestre une joyeuse bienveillance. Le contrebassiste Bernard Cazauran semblait de très bonne humeur, je veux dire encore plus que d'habitude. Mon placement à l'arrière-scène n'était pas le plus favorable pour entendre le pianiste Dang Thai Son, mais il m'a permis de bien voir ses mains. J'ai aimé son bis, une Mazurka de Chopin.

Le lendemain, l'ouverture du Freischütz de Weber fait une très bonne entrée en matière. L'interprétation m'a bien plu. Je ne l'avais jamais remarqué jusqu'à ce soir, mais cela m'a bien fait bugger de me rendre compte d'une similitude entre deux mesures de cette ouverture et le ti-tou-tou:-ti-tou-tou:-ti-tou-tou: initial de la quarantième symphonie de Mozart (même rythme, même intervalle : un demi-ton entre le ti et le tou).

Le concerto programmé est le concerto pour violon nº2 de Mendelssohn, interprété par Akiko Suwanai. Le Stradivarius dont elle joue a été l'objet d'un incident de concert. Au cours du premier mouvement, une corde a lâché. Fort heureusement, elle a eu la présence d'esprit d'échanger immédiatement son instrument avec le premier violon. Roland Daugareil, véritable héros du jour, a manipulé pendant quelques minutes l'instrument pour remettre la corde (ou une autre ?). Il a joué pendant quelques instants sur ce Stradivarius ! ce qui lui a permis de vérifier que tout allait bien et puis un nouvel échange a eu lieu à un moment propice avant la fin du premier mouvement. Il faudrait demander aux auditeurs de Radio Classique qui écoutaient ce concert en direct s'ils ont remarqué quelque chose... Je ne pourrais absolument rien dire sur la prestation de l'orchestre pendant ce concerto tant mon regard ne pouvait se détourner de la violoniste, dont le public a réussi à obtenir deux très beaux bis.

Après l'entr'acte, aussi bien mercredi que jeudi, était programmée la Symphonie fantastique de Berlioz. Mercredi, j'étais à l'arrière-scène. Jeudi, j'ai échangé ma place d'arrière-scène avec celle de Klari au premier balcon. Je ne regrette pas du tout d'avoir écouté cette œuvre deux soirs de suite. Pour moi, cela a été une immense découverte. Chacun des mouvements est un programme a lui tout seul. Les atmosphères sont très différentes. La plus saisissante est celle du cinquième et dernier mouvement Songe d'une nuit du Sabbat. Les différents parties de l'orchestre s'y attachent à créer une atmosphère des plus macabres en produisant des sonorités étranges à leurs instruments.

Le concert du mercredi peut être revu sur Cité de la musique live. Attention, gros plans, éloignez-vous de l'écran !

Ailleurs : Palpatine, Klari, andanteconanima.

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Shakuntala au Centre Mandapa

2011-11-06 00:24+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Danse — Culture indienne

C'est un récital un peu à part auquel j'ai assisté ce samedi au centre Mandapa. Il était intitulé Bhakti, la lumière du cœur, et à la danse bharatanatyam devaient être associés des poèmes de Rumi. L'idée d'associer le bharatanatyam à une autre culture fait penser au programme Bhârata/Bach dansé par Maria-Kiran il y a quelques années, mais la réalisation sera toute différente.

Le récital sera en réalité en trois parties. Après que l'on a fait brûler de l'encens et allumé la lampe, un prélude musical se fait entendre : une invocation de Shiva. La danseuse entre ensuite en scène (elle n'en sortira plus avant la fin du récital, ce qui contribuera à une atmosphère étonnante que personne n'osera troubler par des applaudissements) pour des offrandes de fleurs. J'ai le plaisir d'entendre une guimbarde dans la musique enregistrée, cela faisait longtemps... Le style de la danse comporte beaucoup de tours de la danseuse sur elle-même. Le rythme est très rapide. Cela semble une façon de concevoir le voie de la Bhakti, sous la forme d'une sorte d'adoration joyeuse de la divinité qui permettrait d'atteindre l'Unité. La danse évoque les oreilles de Ganesh et la danse de Shiva-Nataraja.

Avant de danser la pièce suivante, la danseuse dévoile un peu du dictionnaire de la danse en montrant des mouvements associés à un petit texte qui résume la pièce. Il sera question d'une dévôte de Subramaniam (aussi appelé Muruga, Skanda ou Kartikeya) qui s'adresse à lui en disant Pourquoi tardes-tu à venir me donner ta bénédiction ?. La narration et l'illustration est entrecoupée d'assez longs passages de danse pure. La chorégraphie n'est pas des plus belles que j'aies vues. Elle demande une très grande rapidité d'exécution. Cependant, les mouvements et poses prises par les mains sont réalisés avec une grande précision. Dans cette pièce comme dans la précédente, malgré la vitesse, l'ensemble reste ainsi très lisible.

Ayant enlevé ses grelots de chevilles et ayant passé une blanche tunique, le récital prend une toute autre direction. Il ne s'agit plus véritablement de danse bharatanatyam. La seule musique sera le silence et un doux accompagnement de flûte. La danseuse se transforme en une comédienne qui déclame des poèmes du mystique soufi Rumi tout en soulignant le sens par des mouvements des bras et des mains qui appartiennent au bharatanatyam. La plupart de ces poèmes sont structurés autour d'un mot ou d'un groupe de mots qui est repété de nombreuses fois à la fin ou au début des vers. Ainsi, dans le poème commençant par Toi qui ignores l'amour, dors !, toutes les phrases se terminent par la même injonction Dors !. Dans le suivant, ce sera Reviens à l'origine de ta propre origine !. Ensuite, alors que le poète se demande Qui est à la porte ?, il ne cesse de répéter Où m'enfuir ?. Dans l'avant-dernier, ce sera Donne quelque chose au derviche ! (qui suit notamment une autre injonction comme Délivre de son moi celui qui est attaché à lui-même). Dans le dernier, divers reproches d'une femme à son amant seront introduits par Souviens-toi.

Certains de ces poèmes posent des questions d'une façon suffisamment large pour n'être absolument pas hors-sujet dans un récital de bharatanatyam appelé Bhakti. La forme que cela a pris était à tout le moins surprenante, mais j'ai trouvé que cela avait été une très bonne manière de faire entendre ce texte tout en l'accompagnant d'une pantomime sur un fond musical dépourvu des rythmes habituels de la musique carnatique. Cela m'a davantage convaincu que ce que j'avais vu faire au Théâtre des Bouffes du Nord par Nahal Tajadod et Jean-Claude Carrière il y a deux ans. La performance physique est aussi impressionnante, parce qu'il doit être bien difficile de ne pas perdre son souffle alors qu'il faut en même temps réciter les vers et les accompagner d'autant de mouvements !

En troisième partie du récital, la danseuse a remis ses grelots pour deux pièces de bharatanatyam. Les pièces de la première partie étaient plutôt rapides. Celles-ci furent plus lentes. En particulier, l'avant-dernière pièce du récital sera comme un adage évoquant les différents aspects de la fille du roi des monts (Parvati). Je dis Parvati parce que c'est le nom qui m'est venu en premier quand avant de se remettre à danser, l'interprète a fait un résumé de la pièce accompagné de mouvements chorégraphiques. Les noms qu'elle a employés étaient plutôt Gauri, Uma, Shankari, Kaumari et Annapurna, mais cela revient au même... Elle a fait un petit clin d'œil aux connaisseurs en mentionnant que les seins de la déesse étaient en forme de Kumbha.

Le récital s'est conclu par une pièce mettant en scène les dieux assistant à la danse cosmique de Shiva. Cette pièce a commencé par un travail chorégraphique centré sur les bras et les mains, et puis les pieds se sont aussi mis en mouvement. J'ai rarement vu ce fait souligné, mais ici, pour évoquer la danse cosmique de Shiva, la danseuse a mis un accent particulier sur les battements du tambour (Damaru).

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Philharmonique de Radio France à Pleyel : Britten/Chostakovitch

2011-11-05 01:53+0100 (Orsay) — Culture — Musique

L'orchestre de Radio France n'a pas rempli la salle Pleyel, mais il y a une certaine progression par rapport au concert de rentrée où la deuxième balcon avait été fermé. Ce soir, j'ai seulement été encouragé à me replacer à l'orchestre, où il y avait effectivement beaucoup de places libres. Je me suis ainsi retrouvé au rang F près de l'allée. Cela faisait longtemps que je n'avais pas vu un orchestre de face d'aussi près à Pleyel...

Le programme commence par Les Illuminations de Britten. Comme il est de Rimbaud, le texte chanté est en français. Cette langue n'est manifestement pas celle avec laquelle la chanteuse Christine Schäfer est la plus à l'aise. Musicalement, c'est une très belle découverte. L'orchestre n'est constitué que de cordes. Cela commence par une sorte de combat entre les violons I et les altos, très spectaculaire à voir d'aussi près. C'est très vif et assez illustratif du texte. La variété de sons produits par les musiciens est étonnante : à un moment, j'avais presque l'impression qu'on avait caché une trompette quelque part ! Dans le numéro Being Beauteous, la musique me rappelle le thème de Schéhérazade (Rimski-Korsakov). Le plaisir aurait été encore plus grand si l'excellente chanteuse qu'est Christine Schäfer avait mieux fait entendre le texte...

Après l'entr'acte, le plat de résistance : la huitième symphonie de Chostakovitch. Il ne faudrait pas écouter ce genre de musique trop souvent de peur de finir archi-névrosé, mais une fois de temps en temps (la dernière fois pour moi, c'était en janvier 2011), c'est un plaisir intéressant. J'ai eu peur après quelques minutes de musique d'avoir mal lu le programme tant le début de l'Adagio sonne bien. Et puis, brutalement, l'orchestre est devenu ardemment et violemment dissonnant. Il y a eu quelques accalmies, quelques quasi-interludes sortis dont ne sait où, et puis la symphonie s'est terminée après environ une heure de façon apaisée.

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Myriam Ould-Braham est Naïla

2011-11-04 00:47+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

Après avoir vu quatre fois le superbe ballet La Source, il faut se rendre à l'évidence : Naïla, c'est Myriam Ould-Braham. Si Charline Giezendanner est loin d'avoir démérité le 1^er novembre, les deux prestations que j'ai vues de Ludmila Pagliero, créatrice du rôle, furent moins convaincantes à mes yeux.

Comme dans le cas du rôle de Juliette (qu'elle n'a interprété qu'une seule fois), on n'a à aucun moment l'impression de voir une jeune femme qui danse certes fort bien. On voit en réalité un personnage, ici Naïla, qui est interprété par une danseuse. Cela fait toute la différence. Dans son rôle de fée, elle flotte sur la scène, elle touche à peine le sol. Outre la fluidité de ses mouvements, son expression rend son rôle passionnant pour le spectateur. Plus que les autres interprètes du rôle, elle donne un sens au sacrifice qui est celui de son personnage. Ainsi, dès la Valse des nymphes, quand Naïla est entourée d'une ronde de nymphes, son visage trahit le fait qu'elle sait qu'elle ne pourra que se sacrifier. Lors du pas de deux avec Djemil, ses tentatives sont désespérées, elle sait que Djemil n'aimera jamais que Nouredda. Enfin, elle se sacrifie après un émouvant pas du talisman.

Malgré quatre visionnages, je n'aurai pas vu toutes les distributions possibles. Il me manque essentiellement le trio Ould-Braham/Hoffalt/Zusperreguy. Clairement, dans ce que j'ai vu, la meilleure combinaison est celle de ce soir (3 novembre). Dans le rôle de Djemil, Florian Magnenet m'a davantage plu que Karl Paquette. Si c'est un beau gosse et qu'il en joue (un peu trop diront certaines), ses sauts et réceptions sont plus propres. Il donne un peu l'impression que Djemil est un gentil idiot (qui ne comprend pas qu'en faisant tomber la fleur à la toute fin, il fait mourir Naïla), alors qu'avec Karl Paquette, on a l'impression que Djemil est un type un peu perdu qui subit les événements.

Du côté des Zael, Mathias Heymann est éblouissant. Il saute très bien, mais au deuxième acte, il sait aussi jouer d'une certaine cruauté quand il vient gâcher la fête de Nouredda et se moquer d'elle quand elle doit s'en aller. Alessio Carbone m'a également beaucoup plu dans ce rôle dont il donne une image un peu plus sympathique et plus émouvante aussi dans la scène finale où il est le seul à être témoin de la souffrance de Naïla. Allister Madin est plus proche de Heymann que de Carbone, mais il donne moins une impression de facilité.

Pour Mozdock, frère de Nouredda, entre Vincent Chaillet et Aurélien Houette, c'est Vincent Chaillet qui m'a fait la plus forte impression, en particulier dans les danses de guerriers caucasiens, très spectaculaires. Avant-hier, Aurélien Houette ne m'avait pas semblé très en forme, mais ce soir, c'était très nettement mieux. Du côté de la pantomime, Aurélien Houette fait impression : on n'a pas envie d'être à la place du personnage qu'il tabasse ! (Cela effacerait presque mon souvenir de la vision d'Aurélien Houette en Monsieur de Charlus se faisant violemment flageller dans Proust ou les intermittences du cœur.)

Je n'ai vu que deux Dadjé : Nolwenn Daniel et Aurélia Bellet. Chez Nolwenn Daniel, j'ai aimé certains gestes qui montrent la cruauté des relations de rivalité entre les femmes du harem, en particulier la façon dont elle se réjouit de la dégradation de la note de Nouredda par le Khan.

Il reste essentiellement le cas du rôle de Nouredda. Lors de la création, j'ai trouvé Isabelle Ciaravola tellement émouvante que pour moi, c'était elle le premier rôle et non Naïla. J'avais tout particulièrement aimé son premier acte et l'attitude qui la caractérisait de jeune femme terrifiée à l'idée d'aller rencontrer le Khan. L'interprétation de Laura Hecquet est toute différente. Elle paraît moins terrifiée au premier acte et adopte au deuxième acte une attitude résolument séductrice envers le Khan. Dans le pas de deux avec Djemil (Florian Magnenet), elle fait monter la tension et presque la violence de ce tumultueux face à face. Ces deux interprètes de Nouredda sont très différentes ; globalement, j'ai du mal à décider laquelle des deux je préfère.

Lors des trois premières représentations que j'ai vues, il m'a semblé que l'orchestre se bonifiait à chaque fois. Ce soir, manifestement, ce n'était pas le même sous-ensemble de l'effectif de l'orchestre qui jouait (en tout cas je suis sûr que ce n'étaient pas les mêmes que les 27 octobre et 1^er novembre) et cela s'est malheureusement un peu entendu dans le deuxième acte.

Vivement la prochaine reprise de ce ballet ! (Mais n'achetez pas le futur DVD !)

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Lulu à Bastille

2011-11-03 01:22+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

J'ai assisté aux première et cinquième représentations de la reprise de Lulu de Berg qui passe ces jours-ci à Bastille. Les détails de l'histoire sont assez touffus : lors des saluts, pas moins de seize chanteurs viennent saluer et parmi eux, certains cumulent deux voire trois rôles ! Quelques chanteurs paraissent au troisième acte dans des rôles qui font écho à d'autres vus au premier acte.

La musique est nettement plus accessible que ce à quoi je m'attendais : c'est cent fois plus agréable à l'oreille que le Mantovani d'Akhmatova. Ce qui est un peu gênant avec les deux représentations que j'ai vues, c'est que l'orchestre ne joue pas très fort. Ainsi, l'attention se porte beaucoup plus facilement sur l'action et le texte, au détriment de la musique, dont, à moins de se déconcentrer volontairement de l'action, on ne profite pleinement que pendant les interludes orchestraux. J'ai tout particulièrement apprécié celui qui se trouve au centre de l'œuvre et qui a une structure palindromique avec au milieu le motif de Lulu joué au piano.

Le premier élément de décor que l'on voit est l'escabeau sur lequel se tient Lulu alors que les spectateurs s'installent à leurs places (ou comme moi, à d'autres laissées vacantes). Cet escabeau se présente à l'œil comme un V renversé, avec des barreaux pour monter, mais aussi pour descendre. Visuellement, c'est tout comme le motif ascendant puis descendant de Lulu, et c'est aussi la trajecture de l'héroïne, femme fatale et cynique, dont les amants et maris se succèdent, jusqu'à sa déchéance finale (arrestation, choléra, prostitution, assassinat).

La mise en scène est très bien faite. Elle s'inscrit dans un décor constitué d'une grande pièce entourée d'un mur arrondi où s'alignent onze portes. En arrière-plan, des marches montent en amphithéâtre. De là-haut, on peut descendre par des échelles dans la pièce centrale. On verra même un chanteur sauter ; à peine arrivé, le personnage mourra quelques secondes plus tard ! Parmi les accessoires, un portrait en pied de Lulu, en plusieurs morceaux. Un de ses maris successifs était peintre ; il s'est suicidé.

Parmi les chanteurs, c'est bien sûr Laura Aikin (Lulu) qui fait la plus forte impression. Parmi les autres personnages, les plus émouvants furent pour moi ceux de la comtesse Geschwitz (Jennifer Larmore), lesbienne amoureuse de Lulu et d'Alwa (Kurt Streit), qui tout comme son père avant lui aime Lulu.

Ailleurs : Zvezdo.

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Mendelssohn/Adams/Ravel par le Cleveland Orchestra à Pleyel

2011-10-27 01:13+0200 (Orsay) — Culture — Musique

Au menu de la première partie de ce concert du Cleveland Orchestra, la symphonie écossaise de Mendelssohn. D'après mes archives, je l'ai écoutée (au disque uniquement) une fois il y a sept ans et une fois il y a trois ans. Autant dire que c'était comme si je l'entendais pour la première fois. Pendant le premier mouvement, le chef Franz Welser-Möst a des gestes crispés, presque mécaniques. J'ai l'impression de voir un dictateur ou un général commander à des armées (composées chacune d'un nombre impair de recrues). Une fois lancées les armées jouent ensemble. Le chef les regarde faire en battant moins nettement la mesure, puis il reprend en main tout le monde. Le chef contrôle ses troupes comme des corps constitués, mais parfois, d'un geste courbe de la main gauche, il joue avec comme si c'étaient des ondes ou des bulles de savon dont il ferait varier les volumes en soufflant dedans ou en aspirant. Les indications des entrées aux timbales et aux cuivres sont très précises. À partir du deuxième mouvement, à part une ou deux rechutes, la direction se fera beaucoup apaisée. Bref, visuellement, voir ce chef (depuis l'arrière-scène bien sûr) est un spectacle en soi, quoique légèrement anxiogène.

Pour ce qui est de la musique, les deux premiers mouvements et le début du troisième furent pour moi un plaisir rare (qui a pensé tout bas que j'ai connu d'aussi bonnes voire de meilleurs sensations pas plus tard qu'hier dans le Hindemith ?). Les pizz. à la toute fin du deuxième mouvement étaient mignons comme tout. J'ai également apprécié la façon qu'a eu le chef d'entamer chaque mouvement aussitôt le mouvement précédent terminé, sans laisser le temps aux spectateurs de penser à se racler la gorge (voir chez Klari pour quelques horror-stories liées à des incivilités de spectateurs).

L'œuvre pour laquelle j'avais sélectionné ce concert intervient après l'entr'acte : Doctor Atomic Symphony de John Adams. C'est tiré de l'opéra Doctor Atomic. Heureusement, c'est moins long : je me suis ennuyé à mourir en visionnant en DVD cet opéra (2h40 !). L'ennui ne venait pas tant de la musique que de la manière dont le texte, soit trivial soit quasi-hermétique, est mis en musique (avec l'exception notable du personnage de Kitty Oppenheimer). Certes, on comprend parfaitement les paroles, mais c'est trop parlé pour que je l'apprécie comme du chant. J'ai également peu goûté la façon de traiter le sujet (peut-être intéressant) en faisant reposer une bonne partie de l'action sur la question de la météo dans les heures qui précédèrent le premier essai nucléaire.

J'avais cependant quelqu'espoir que réduite à l'état de symphonie de 24 minutes, cette œuvre pourrait être suffisamment aimable. Cela n'a pas été le cas. Je n'ai entendu des choses pour me plaire que dans les dernières minutes, quand est utilisée la musique du chant d'Oppenheimer Batter my heart, three-person'd God (vers de John Donne) à la fin du premier acte : une partie très spectaculaire des violons alterne avec le chant d'Oppenheimer qui est confié à la trompette. À part ça, rien à signaler.

Enfin, une autre raison indépendante d'assister à ce concert était le Boléro de Ravel programmé en fin de programme. C'est la première fois que je l'entendais en concert. J'ai été tout étonné quand cela s'est terminé. Quoi ? Déjà fini ‽

Une valse inconnue de moi à été jouée en bis. Petit couac à la fin du concert, le chef ayant été trop gourmand en saluts : il faut savoir plier bagage au bon moment, sinon, on se retrouve à revenir sur scène piteusement alors que la moitié du parterre est déjà debout... et ce alors même que les applaudissements ont été plutôt chaleureux.

À voir : Jacques Villeret dans Le Batteur du Boléro, court-métrage de Patrice Leconte (avec le directeur musical de l'Orchestre Colonne et une charmante timbalière en guest-stars).

Ailleurs : Palpatine.

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Pierrot lunaire à la Cité de la musique

2011-10-26 01:02+0200 (Orsay) — Culture — Musique

Je ne m'étais jamais aventuré au fond de la boutique de disques et de livres de la Cité de la musique. Virage à gauche au fond, descente des marches, traversée le hall, entrée dans l'amphithéâte, par en haut !

Je m'installe à une place excentrée du premier rang. Si de Pavel Hůla, premier violon du quatuor Pražák, je ne vois pratiquement que le bras droit, pour ce qui est de l'altiste Josef Klusoň, il est comme en face de moi, et je le vois jeter quelques coups d'œil à ses partenaires. Entre le dos du premier violon et l'instrument du second (Vlastimil Holek), je vois assez bien le violoncelliste Michal Kaňka, qui pour ses cordes à vide, laisse s'échapper sa main libre qui vient presque toucher son menton, façon Penseur de Rodin.

La première œuvre de ce programme est bien sûr un quatuor à cordes : l'opus 16 de Hindemith. J'ai vraiment adoré ce quatuor dont l'atmosphère générale m'a semblé industriello-urbaine, certains passages pouvant évoquer le bruit mécanique de machines. À un moment, le deuxième violon produisait des sons qui bizarrement semblaient assez proches de ceux d'une flûte. J'étais surtout très bien placé pour voir l'altiste interpréter ses parties, fort jolies (Hindemith était aussi altiste, et c'est lui-même qui a créé ce quatuor à cordes...). Quel plaisir d'écouter une telle œuvre avec de tels interprètes dans les sièges si douillets de l'amphithéâtre !

Après l'entr'acte sont entrés un pianiste, un flûtiste (traversière et piccolo), un clarinettiste (jonglant aussi entre deux instruments). Pour les violon et alto, on jongle entre le deuxième violon et l'altiste du quatuor, ce qui produit un manège amusant (l'altiste par ailleurs tourneur de pages du pianiste s'asseyant à la place du violoniste qui devient tourneur de pages et réciproquement). Le premier violon dirige l'ensemble qui comprend aussi bien sûr une sprech-chanteuse, Alda Caeillo. C'est qu'on joue Pierrot lunaire de Schönberg. C'est uniquement par curiosité pour cette œuvre que j'avais choisi ce concert. Je m'attendais à quelque chose d'assez inécoutable, mais je me suis surpris à trouver l'ensemble très agréable. Du côté de la voix, cela ne ressemble à rien de ce que je connaissais. C'est parlé-chanté. Des phrases se terminent par des vocalises. Dans d'autres, l'interprète va jusqu'à crier. C'est presque toujours exacerbé d'une façon ou d'une autre. La façon d'Alda Caeillo d'interpréter le texte me semblait cohérent avec les côtés quelque peu glauques et macabres du texte. Bref, ce fut un très beau concert !

Ailleurs : Bladsurb.

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La Source à Garnier

2011-10-23 02:16+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

Ce soir, j'ai assisté pour la première fois à la création d'un ballet classique à l'Opéra. L'événement était attendu des balletomanes. Il s'agit d'une re-création du ballet La Source d'après le livret original de Charles Nuitter et Arthur Saint-Léon et sur une musique de Léo Delibes et, hélas, Ludwig Minkus.

J'en sors très enthousiaste, avec l'impression d'avoir vu le Ballet de l'Opéra à son meilleur. Le premier acte se place auprès de la source. Elle n'est qu'indirectement représentée sur scène par la végétation dont elle favorise le développement. Dans la description du décor d'origine par Nuitter (citée dans le programme du spectacle, p. 46), on lit : Au fond, des flancs d'un rocher, s'échappe un filet argentin d'une source ; autour de la source, des plantes verdoyantes fleurissent ; des lianes grimpantes s'enroulent aux branches des arbres, d'où elles laissent retomber des grappes de fleurs . Ce sont manifestement ces lianes grimpantes qui ont inspiré le décorateur Éric Ruf. Ces lianes sont des cordages qui rappellent ceux qui apparaissent sur le rideau en trompe-l'œil de l'Opéra. Auprès de la source évoluent des nymphes et des elfes. Leurs costumes sont très brillants ! Parmi ces elfes, Zaël (Mathias Heymann) bouge et saute comme un marsupilami.

Le chasseur Djémil (Karl Paquette) arrive, puis une caravane de Caucasiens s'arrête. Mozdock (Vincent Chaillet) conduit sa sœur Nouredda (Isabelle Ciaravola) qui est promise au Khan. Elle demande qu'on lui apporte une fleur apparemment inaccessible. Les hommes de Mozdock essayent de grimper, mais n'y arrivent pas. Djémil se propose de l'aller chercher et y parvient. C'est pour ainsi dire par magie que Karl Paquette s'est hissé le long de cette corde (effet spécial très réussi). Dans les épopées indiennes, réussir une telle épreuve aurait immédiatement valu à Djémil d'obtenir la main de Nouredda (ainsi Rama obtint-il Sita et Arjuna Draupadi). Au lieu de cela, après avoir retiré le voile de Nouredda, il a été violenté par Mozdock et ses hommes. C'est alors qu'apparaît la fée de la source, Naïla (Ludmila Pagliero). Elle lui dit que la fleur est un talisman. Son pouvoir lui permettra de se venger de son affront et d'obtenir le cœur de Nouredda. En vérité, elle est amoureuse de Djémil, et ne fait cela que pour lui plaire.

Au deuxième acte, le décor utilise encore des cordes verticales, qui représentent comme des barreaux de prison enfermant les femmes du Khan (Christophe Duquenne) dans le zenana. L'atmosphère quasi-carcérale est amplifiée par les lumières venant du fond de la scène, ce qui donne de longues ombres en éventail des barreaux traversant toute la profondeur de la scène. La favorite du Khan, Dadjé (Nolwenn Daniel) ne sait pas encore qu'elle va perdre son statut en raison de l'arrivée de Nouredda. Quand celle-ci arrive dans son palanquin, elle met en effet le Khan en émoi. Pour elle, les femmes du harem dansent le pas des voiles. C'est le passage du ballet qui est le plus indianisant, limite bollywoodien (et non hollywoodien comme il est écrit dans le programme p. 77 !). Ensuite, arrivent Zaël, quelques autres elfes et Djémil habillés en troubadours. En fait, ce sont plutôt des magiciens. Ils font paraître des fleurs de la même espèce que celle que l'on a vu au premier acte. Nouredda reconnaît aussi ces fleurs, et puis Naïla apparaît. Le Khan est immédiatement séduit, et il décide de renvoyer Nouredda chez elle. S'ensuit quelque énervement de la part de Mozdock. Finalement, la caravane repart d'où elle est venue.

Dans le dernier tableau, la scène est vide. Il ne reste pour ainsi dire plus que Djémil, Nouredda et Naïla. Nouredda est inanimée. Au cours du Pas du talisman, Naïla va se sacrifier par amour pour Djémil : elle va transférer son âme vers le corps de Nouredda, qui pourra ainsi continuer à vivre et aimer Djémil. Ainsi meurt Naïla.

J'avais lu le livret d'origine à la BnF il y a quelques mois. Il y a une semaine, lors d'une rencontre au Studio Bastille, le dramaturge Clément Hervieu-Léger avait résumé pour les personnes présentes le synopsis du ballet (de façon plus détaillée que ci-dessus). La différence principale par rapport au livret d'origine était la suppression du personnage de la bohémienne. Elle apparaissait au premier acte, rejoignait la suite de Nouredda et au début de ce qui était alors le troisième acte, elle aidait Nouredda à se venger contre Djémil par la faute de qui le Khan s'intéressait à Naïla et donc se désintéressait d'elle. La bohémienne était en effet capable de jeter des sorts. Ceci donnait a priori une complexité psychologique plus grande au personnage de Nouredda.

J'avais ainsi plusieurs sujets de questionnement avant la création :

• le corps de ballet féminin serait-il bien mis en valeur dans le tableau chez le Khan ?
• le pas du talisman (Naïla) serait-il aussi émouvant que la mort de Nikiya dans La Bayadère ?
• le personnage de Nouredda resterait-il intéressant malgré sa réduction ?

Concernant le corps de ballet féminin, le pas des voiles dans le deuxième acte était un moment que j'attendais et je n'ai pas été déçu. À vrai dire, et c'est une agréable surprise, la séquence où le corps de ballet a été le mieux mis en valeur a été à la fin du premier acte : une vingtaine de nymphes saluant quelque lumière (est-ce une évocation du tropisme des plantes envers le Soleil ?) ou prenant diverses configurations géométriques (dans la rencontre mentionnée plus haut, le chorégraphe Jean-Guillaume Bart avait cité Émeraudes de Balanchine parmi ses influences...). Les femmes faisant partie de la caravanes auront aussi quelques danses dans des styles caucasiens à propos duquel le chorégraphe s'est documenté.

Le pas du talisman a beaucoup manqué d'émotions. La Source faisait parfois plus penser à une poupée désarticulée (cf. Coppélia). Plutôt que d'être ému, le public a ri quand elle est entrée par ascenseur à travers une petite ouverture ronde (c'est peut-être le mécanisme employé dans Giselle qui a été réutilisé à l'envers). Cela a été une certaine déception pour moi. J'espère que je l'apprécierai mieux lorsque je le reverrai, dansé par Ludmila Pagliero comme ce soir ou par d'autres interprètes. Pourtant, le pas de deux qui avait précédé avec Djémil m'avait plutôt plu ; la musique utilisait d'ailleurs la musique de l'Entr'acte situé entre les deuxième et troisième actes de Lakmé. Les autres ajouts musicaux sont venus d'œuvres peu connues de Delibes, ce qui permet d'éviter de surcharger une scène dansée par la situation de l'opéra dont les lyricomanes peuvent se souvenir. C'était assez dévastateur par les contresens que cela engendrait dans la Coppélia de Patrice Bart. Ici, l'ajout de cet extrait de Lakmé passe beaucoup mieux. (Plus généralement, dans la musique de ce ballet, j'ai très nettement préféré les parties dues à Delibes à celles dues à Minkus. Ce n'est pas vraiment un test en aveugle puisqu'il est assez facile de deviner qui a écrit quoi !)

Si le rôle de Naïla ne m'a pas complètement comblé, une très bonne surprise est venue de celui de Nouredda. Il fut fabuleusement interprété par Isabelle Ciaravola, aussi bien lors de son solo dans le tableau du Khan que dans son pas de deux avec Karl Paquette dans le dernier tableau. L'interprétation a commencé par une attitude de discrète réserve dans le premier acte, celle d'une jeune femme que l'on conduit à un futur mari inconnu. Le personnage a ensuite été beaucoup plus développé que je ne l'attendais. Sur la base de la représentation de ce soir, j'ai un peu envie de dire que c'est elle, le premier rôle ! De son côté, Karl Paquette a semblé être un très bon partenaire aussi bien pour l'une et que pour l'autre des deux héroïnes.

D'autres satisfactions sont venues des autres danseurs, comme Vincent Chaillet (Mozdock), très convaincant dans le premier acte (danses caucasiennes).

Les costumes de Christian Lacroix sont superbes. Le palanquin décapotable de Nouredda est très joli aussi. Le décor déplaira sans doute à ceux qui ne jurent que par le style tradi. J'ai eu quelques doutes au début, mais j'ai fini par l'apprécier, ce décor, tout comme les lumières, aussi austères qu'elles puissent paraître. Parmi les petits défauts ou choses qui m'ont échappées, je n'ai pas très bien compris comment Nouredda se retrouvait inanimée au début du dernier tableau. Aussi, il y avait peut-être un certain manque de lisibilité dans la promesse faite par Naïla à la fin du premier acte d'aider Djémil à gagner l'amour de Nouredda, et sur le rôle du talisman. Cela dit, le chorégraphe avait prévenu qu'il y aurait peu de pantomime...

Après les déceptions que furent pour moi L'Anatomie de la sensation et Psyché, La Source me semble une grande réussite. Dix-huit représentations sont prévues jusqu'au 12 novembre...

Ailleurs : Blog à petits pas, Musica Sola.

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L'Egisto (Marazzoli/Mazzochi) à l'Athénée

2011-10-22 01:58+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Bilan très mitigé pour cet Egisto de Marco Marazzoli et Virgilio Mazzocchi présenté à l'Athénée environ trois siècles et demi après sa création à Rome. En 1646, ce fut paraît-il le premier opéra joué en entier au Royaume de France. La partition n'a été retrouvée que très récemment par Barbara Nestola.

La musique a commencé par me plaire. Du côté de la voix, il y a très peu de numéros qui pourraient s'appeler airs. Ainsi, on ne trouve pour ainsi dire pas de répétitions de paroles (tant mieux !). La frontière est ténue entre la façon de chanter comme dans les airs, celle propre aux récitatifs et les passages un peu plus parlés. Bref, en gros, entre les intermèdès musicaux, c'est un long récitatif chanté qui, sans trop dévier, se déplace parfois, brièvement, vers une sorte d'air ou vers une sorte de dialogue.

Musicalement, donc, cela me plaisait franchement jusqu'à l'arrivée des personnages bouffons, au service du noble désargenté Egisto (qui n'a rien à voir avec l'Égisthe de la mythologie Grecque). Le livret est certes comique, mais tout semble terriblement surjoué. Cela donne un mélange entre Funès, Mr. Bean et Danyboon. Cette façon de jouer la comédie m'a semblé très déplaisante, tout particulièrement après l'entr'acte avec l'intermède de la Foire de Farfa précédant le troisième acte.

Le décor est pour ainsi dire le même que celui de La Flûte enchantée de Peter Brook, les tiges de bambou verticales étant remplacées par de hautes planches. Le problème, c'est que là où Brook les organisait pour suggérer quelque chose, ici, en dehors de la scène où elles représentent vraisemblablement une forêt, elles ne signifient en général rien.

Il faut ajouter à cela des costumes très très tradi', une mise en scène qui souligne le moindre micro-détail du livret touffu, auquel on a visiblement ajouté quelques gags. Les orchestres baroques passent en général beaucoup de temps à se réaccorder. C'est un fait. Ce soir, l'ensemble s'est accordé encore plus souvent que d'ordinaire, puisque l'action principale faisait partie d'une représentation à l'intérieur de la représentation, introduite par le prologue pendant lequel la Vertu choisit le rôle de la veuve Alvida, qui finira par épouser Egisto, lequel retrouvera sa fortune et la sœur Lucinda dont il avait été séparé. Forcément, au début de cette représentation dans la représentation, l'orchestre se réaccorde...

Pour moi, après un bon début, cette représentation a viré au cauchemar. Quel contraste avec le bonheur qu'avait été The Turn of Screw en ce même lieu la semaine dernière.

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Faust à Bastille

2011-10-20 01:59+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Au moins, je n'y aurai pas perdu trop d'argent : 15€ pour une place de deuxième rang de galerie nº5. Je vois les deux tiers de l'orchestre et presque toute la scène (à condition de me lever de temps en temps). Tout le monde l'a déjà dit, la mise en scène, les décors et les costumes sont abominables (je me contenterai de dire que l'entrée en scène du jeune Faust m'a fait penser à une scène du Rocky Horror Picture Show). L'œuvre en elle-même présente peu d'intérêt, au-delà du divertissement musical et des tubes qu'elle contient. Cela fait bizarre de se sentir comme étranger à ce monument national qu'est le grand opéra français, alors que le public manifeste un enthousiasme particulier à l'issue de cette deux mille six cent soixantième représentation de Faust à l'Opéra de Paris.

L'histoire n'est sans me rappeler celle de Yayati qui est racontée dans le Mahābhārata : pour continuer à jouir de ses plaisirs, Yayati demande à un de ses fils de lui prêter sa jeunesse.

J'ai apprécié les moments purements orchestraux (assez variés). Du côté de la distribution, l'ensemble est très bon. Je l'avais déjà entr'entendu dans d'autres rôles, mais ce soir, Paul Gay (Méphistophélès) a été pour moi une très belle découverte. Il passe même à l'applaudimètre devant Roberto Alagna (Faust). Superbes Angélique Noldus (Siebel) et Tassis Christoyannis (Valentin). D'Inva Mula (Marguerite), la chouchou du directeur de l'Opéra Nicolas Joel, j'avais préféré les prestations dans les rôles d'Antonia ou de Mimi.

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The Turn of Screw à l'Athénée

2011-10-15 02:22+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Ce fut pour moi une fascinante soirée d'opéra au Théâtre de l'Athénée Louis-Jouvet avec Le Tour d'écrou de Britten. Quelques minutes avant le début de la représentation, un rideau de scène a été baissé puis immédiatement remonté, sans raison, laissant à penser que le Théâtre était hanté...

Après un prologue, de nombreuses scènes se suivent, espacées par des interludes orchestraux. La musique est jouée par l'Orchestre-Atelier Ostinato (que j'avais déjà entendu dans Orphée et Eurydice). L'effectif des musiciens est réduit (13, m'a-t-il semblé), mais l'orchestration est aux petits oignons. Certaines combinaisons d'instruments sont étonnantes ! (Ah, ces voix accompagnées par les timbales !)

Tout concourt à créer une atmosphère mystérieusement oppressante autour du huis-clos de la situation représentée dans cet opéra. Une jeune femme est embauchée comme gouvernante auprès de deux enfants (un garçon et une fille) sur qui ne veille alors que Mrs Grose, l'intendante. Avant, il y avait Mr Quint (responsable du domaine) et Miss Jessel (l'ancienne gouvernante), mais ils sont morts. La nouvelle gouvernante est laissée à elle-même, elle doit gérer la situation quoiqu'il arrive, l'oncle qui l'a embauchée ne voulant en aucun cas être dérangé. Très vite, elle remarque des présences qui troublent aussi les enfants. Ce sont les fantômes de Mr Quint et Miss Jessel. Avant de mourir, leur conduite avait été loin d'être exemplaire...

Les voix ne sont pas du tout sollicitées de la même manière que dans les autres opéras que je connais. Les paroles chantées comportent beaucoup de récits. Parfois, ils s'adressent à un autre personnage. Parfois, ils commentent la situation, s'adressent au personnage lui-même ou informent le spectateur. Les personnages des enfants sont interprétés par de jeunes chanteurs du Chœur maîtrisien du Conservatoire de Wasquehal. Ils ont tous les deux été formidables. Leurs voix forment un charmant mini-chœur au début, comme quand ils récitent leur leçon de latin. Plus loin, les rôles se différenciant, les deux voix prendront chacune son autonomie. Dans le rôle du garçon, j'ai particulièrement aimé la façon de faire s'évanouir le son de certaines syllabes finales en decrescendo. La voix de Rachel Calloway (Mrs Grose) convient parfaitement au rôle. J'ai aussi aimé celles des fantômes, et tout particulièrement celle de David Curry (Quint) dont les vocalises et appels au petit Miles hanteront le théâtre. Le rôle apparemment le plus exigeant est celui de la gouvernante, et Chantal Santon Jeffery m'y a fait une forte impression.

La mise en scène et la scénographie sont relativement simples. On entre et on sort. On fait descendre les lits des enfants depuis les cintres avant que leurs occupants s'y installent. On utilise l'imperméable de la gouvernante et une poupée pour construire une scène au bord de quelque lac. Le décor reste sombre. À cette sobriété s'ajoute un remarquable travail de direction d'acteurs et des lumières bien pensées et réalisées. L'émotion ne vient pas vraiment de prouesses vocales, plutôt des situations et des contrastes qui se créent entre les unes et les autres.

Je n'aurai malheureusement pas beaucoup d'occasions de retourner dans ce théâtre au cours de l'année. D'ailleurs, pour une raison d'agenda, je revends 15€ une place payée 18.40€ (23€ moins 20% de réduction abonné) pour L'histoire du soldat de Stravinski le samedi 16 juin 2012 à 20h. Le billet est au balcon, deuxième rang de face, en bout de rang, ce qui permet de ne pas trop être à l'étroit tout en ayant une bonne vue sur la scène ; la fosse d'orchestre n'est que partiellement visible.

Ailleurs : Zvezdo.

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Orchestre de Paris à Pleyel : Tubin/Tchaikovski/Rott

2011-10-14 11:34+0200 (Orsay) — Culture — Musique

Du mouvement de la symphonie nº11 de Tubin, il ne me reste pas grand'chose. Ensuite, j'ai eu l'impression de (re)découvrir un nouvel instrument, le violon, dans le concerto de Tchaikovski interprété par Leonidas Kavakos. Je ne l'ai pourtant vu pratiquement que de dos puisque j'étais à l'arrière-scène, mais pendant les moments où son instrument restait silencieux, il se retournait vers l'orchestre et donc vers moi. Mêmes les notes suraiguës paraissent belles jouées par ce violoniste qui a également offert un magnifique bis (Bach ?). Une petite frayeur quand à la fin de sa première intervention dans le concerto le violoniste a fait un petit geste brusque vers l'arrière. Un déséquilibre plus grand eût pu être fatal à son Stradivarius. J'ai aimé la façon dont le musicien a joué sans la main gauche pour une petite corde à vide dans le concerto.

Après l'entr'acte, la symphonie en mi majeur de Hans Rott a été pour moi comme une franche rigolade. Cela dit, les premières minutes m'ont paru très belles, l'orchestration faisant souvent penser à Wagner (beaucoup de cuivres, trémolos des cordes, etc.). Et puis, j'ai compris pourquoi cette symphonie est... incroyable. C'est en fait un pot-pourri de diverses ambiances sans lien apparent, dans le genre du premier mouvement de la Cantate des paysans Mer hahn en neue Oberkeet de Bach, BWV 212, mais sans la même ironie. Le compositeur a aussi tendance à étirer le matériau musical. Je ressens ceci notamment pendant la fin très apaisée du deuxième mouvement. Il s'en fallut de peu que je ne gloussasse au début des mouvements suivants. Au troisième, on trouve des danses à trois temps. Au quatrième, ce seront des notes très espacées jouées sauf erreur par la clarinette. Les trilles des flûtes un peu plus loin seront le pompon qui me fera définitivement perdre tout sérieux. Prise isolément, chaque ambiance orchestrale était très belle, mais le passage du coq à l'âne m'empêche de l'apprécier comme une œuvre intéressante et originale (puisqu'elle précède dans le temps le travail de Mahler). Je savais l'œuvre longue (une heure), pourtant je n'ai pas trouvé d'excessives longueurs dans les trois premiers mouvements. Elles sont arrivées dans le quatrième mouvement qui est un long développement qui est le morceau de musique le plus atteint du syndrome de l'hydravion que j'aie eu l'occasion d'entendre. Pendant environ une demi-heure, on cherche à faire amerrir l'hydravion. Les tentatives sont multiples. Le temps mauvais engendre de nombreuses tergiversations. Finalement, après tous les efforts demandés à l'orchestre, une accalmie et un petit arc-en-ciel permet à l'engin de grimper au Walhalla et à la symphonie de s'achever tout comme se termine Das Rheingold (en particulier, même genre de motif des timbales). Quelle énergie tout cela a dû demander aux musiciens pour la mise en place. Indiscutablement, ça valait le déplacement !

Ailleurs : Palpatine, Klari.

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Marathon wagnérien : Le Ring Saga à la Cité de la Musique

2011-10-10 01:17+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Outre les conférences de la Citéscopie “La Tétralogie de Wagner”, j'ai assisté entre vendredi et dimanche à une représentation des quatre opéras dans une version contractée et réduite pour 19 musiciens et 14 chanteurs. J'en sors globalement content, peut-être parce que contrairement à d'autres, je n'avais pas formé de trop hautes espérances. Peut-être aussi parce que j'ai préféré voir les verres à moitié pleins qu'à moitié vides. N'allant voir des opéras que depuis environ huit ans, il faut dire aussi que ce n'est que mon deuxième Ring après celui de l'Opéra Bastille de 2010 et de 2011, très décevant du point de vue scénique (mais fort appréciable musicalement parlant).

La mise en scène n'est pas désagréable à regarder. Les chanteurs jouent raisonnablement bien la comédie. Il n'y a ni trop de chahut ni trop de sur-place. Un placement au septième rang (donc au dernier rang du parterre de la Salle des Concerts dans cette configuration) me permet d'apprécier le jeu et l'expression faciale des uns et des autres, un plaisir qui me demande d'ordinaire de sortir mes jumelles. La scénographie est basée sur l'utilisation d'un plan légèrement incliné percé d'une ouverture transversale (au centre de la scène). Pour passer de gauche à droite et réciproquement, les chanteurs doivent enjamber le fossé. J'espère qu'aucun accident ne sera à déplorer lors les prochaines représentations. Les costumes et accessoires renvoient volontiers aux bandes dessinées de superhéros (notamment pour le costume des Géants). Dans l'ensemble, c'est assez lisible. Cependant, je ne comprends pas pourquoi on a inutilement rendu obscures certaines scènes. Ainsi, plusieurs combats de Siegfried se font à mains nues plutôt qu'avec l'épée. Dans la scène de l'enlèvement dans Le Crépuscule des dieux, Brünnhilde et Siegfried sont assis l'un et l'autre sur des sortes de sièges de bar placés de part et d'autre de l'espace scénique. Dans la scène finale, si on utilise de façon très jolie visuellement un grand drap animé de mouvements pour représenter les flots du Rhin est très esthétique (procédé similaire pour la représentation du géant Fafner dans Siegfried), la tentative ratée de s'emparer de l'anneau par Hagen et sa noyade dans le Rhin sont tout-à-fait illisibles. L'ambiance de chaque scène est rehaussée par l'utilisation d'un grand écran en fond de scène. Pendant l'essentiel du Ring Saga, cela m'a semblé complètement inutile. Cela ne trouve véritablement son utilité que lors de la Marche funèbre en l'honneur de Siegfried pendant laquelle des images tirées de tout ce qui précède sont passées en flashback.

Du côté de l'orchestre (qui d'après plusieurs comptages de spectateurs indépendants, moi y compris, comptait 19 musiciens et non 18 comme on le lit çà et là), il y a de quoi être charmé par les cuivres et les vents. La réduction qui tient la route du côté des cuivres (3 cors au lieu de 8 dans le prélude de l'Or du Rhin) passe moins bien chez les violons (1+1=2 au lieu de 16+16=32). Après avoir passé les trois premiers opéras en ne voyant que la tête du chef, j'ai pu voir l'orchestre lors de la dernière journée, ce qui m'a permis d'avoir un peu plus de bienveillance pour ces musiciens transformés en solistes dont chaque microcouac s'entend. Si la texture orchestrale n'est pas nouvelle dans les passages utilisant surtout les cuivres, les vents et les instruments à cordes les plus graves (violoncelles, contrebasse), il n'en va donc pas de même avec les autres (violons, alto). Le son des cordes devient plus rèche. Cependant, pour certains passages, les sonorités m'ont semblées tout-à-fait plaisantes. Ainsi furent les frémissements des cordes autour de l'apparition de l'Oiseau dans Siegfried. Dans le Salut au monde, cela aurait aussi été le cas si la harpe n'avait émis dans l'ensemble des représentations et cette séquence en particulier des sons particulièrement disgracieux. Je ne sais pas si c'est un problème de sonorisation de la harpe, mais j'avais l'impression que la harpiste devait en permanence forcer pour faire entendre son instrument, dont le son manquait donc beaucoup de délicatesse.

Il faut bien aussi parler des coupes. Si on est reconnaissant aux concepteurs de permettre au public de voir l'ensemble du Ring sur un week-end et qu'il n'est pas déraisonnable de passer sous silence certaines scènes (comme celle des Nornes dans le Prologue du Crépuscule des dieux qui raconte une histoire en dehors du temps principal de l'action, même si on ne peut pas forcément ne retenir d'une épopée que son action principale), certaines coupes engendrent des frustrations. Une d'entre elles est la coupe de certains passages dans la scène lors de laquelle Siegfried reforge Notung. Ainsi disparut le sympathique motif de la Fonte de l'acier qui procède du contraste entre les notes détachées de la deuxième mesure et les notes liées ensuite, comme soudées :

Ceci est bien sûr très anecdotique. Beaucoup moins le sont les coupes intervenues dans le Crépuscule des Dieux. Le plus frustant est la coupe de tout le très beau passage où avant d'être transpercé la lance de Hagen, Siegfried raconte sa vie et ses exploits à ceux qui sont encore ses compagnons de chasse. Ceci permet normalement de réentendre de nombreux motifs et d'apprécier de délicieux moments comme lorsque Siegfried reprend les phrases musicales de l'oiseau... Il ne reste plus que l'évocation de Brünnhilde (rappel du Salut au monde).

Avant cette scène, la rencontre entre Siegfried et les Filles du Rhin avait aussi été considérablement réduite (ce qui n'est pas forcément un mal). Juste après, on entend la Marche funèbre qui, sacrilège, est raccourcie. Heureusement, les cinq dernières minutes de l'ouvrage n'ont pas subi pareil triturage.

Si la mise en scène, l'orchestre et les coupes m'ont causé quelques contrariétés, je suis globalement plutôt content d'avoir assisté à ces représentations. En effet, une grande satisfaction est venue des chanteurs. Comme on peut le voir ci-dessus dans la distribution, certains chanteurs ont assurés deux voire trois rôles différents dans un ou plusieurs des opéras de ce Ring Saga.

Il est intéressant de voir comment une impression sur un chanteur peut évoluer d'un jour sur l'autre. Ainsi, pendant Das Rheingold, entre les deux géants Fasolt et Fafner interprétés respectivement par Martin Blasius et Johannes Schmidt, j'avais une nette préférence pour le premier. Quand il jouèrent séparément les rôles de Hunding, Fafner ou Hagen, je les ai trouvé tous les deux également convaincants. Dans l'ensemble de la distribution, mon coup de cœur va à Ivan Ludlow (Wotan) dont les récits étaient passionnants. La Fricka de Nora Petročenko était merveilleuse aussi, tout comme la Sieglinde de Jihye Son. Sans Cécile De Boever qui a été une formidable Brünnhilde tout du long des trois journées, la représentation du Crépuscule des Dieux eut perdu beaucoup de son intérêt. Dans une des scènes de Die Walküre, elle chantait comme si elle pleurait en même temps. L'effet était saisissant.

Certains chanteurs ont eu souvent du mal à passer l'orchestre. Le problème s'est surtout posé dans les scènes tirées des premier et troisième actes de Siegfried, et marginalement avec certains interprètes dans Götterdämmerung. Ceci a fait que l'opéra qui m'a semblé le mieux réussi et m'a procuré le plus d'émotions a été Die Walküre.

Les représentations de Strasbourg d'il y a une semaine ont été filmées. Elles peuvent être visionnées sur ArteLiveWeb.

Ailleurs : Musica Sola, Paris-Broadway, Palpatine, Bladsurb, Klariscope.

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Marathon wagnérien : Citéscopie “La Tétralogie de Wagner” à la Cité de la Musique

2011-10-10 01:07+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Après Tannhäuser jeudi, j'ai enchaîné de vendredi soir à dimanche soir les quatre opéras de la tétralogie du Ring (cf. entrée suivante). Les matinées de samedi et dimanche étaient par ailleurs occupées par des conférences musicologiques dans le cadre de la Citéscopie proposée en marge de ces concerts à la Cité de la Musique.

Les conférences étaient pour la plupart intéressantes. En voici un très succint résumé. Hélène Cao a discuté samedi des sources littéraires pour le Ring (principalement, l'Edda et les Nibelungen). On a ainsi entendu par exemple un enregistrement vocal avec une musique reconstruite de quelques strophes de l'Edda racontant la rencontre entre Sigurðr et Brynhildr dont le texte ressemblait très fortement à celui du Salut au Monde lors de la rencontre entre Siegfried et Brünnhilde dans Siegfried. Le dimanche, elle a parlé sur le thème Les sons et les sens du Ring. Il fut question bien sûr des motifs. Il aurait sans doute été préférable que cette conférence eût lieu samedi matin de façon à ce que ceci puisse servir de préparation à l'écoute des trois journées du Ring (à défaut du prologue). Il n'était pas question de faire un inventaire exhaustif des motifs, seulement d'expliquer certains mécanismes : motifs construits à partir de celui du Rhin, exemples de transformations de motifs, différents aspects harmoniques, mélodiques, rythmiques. Vu que j'avais déjà fait le travail de mémorisation des motifs, c'est surtout sur l'aspect harmonique des choses que cette conférence a commencé à m'ouvrir un peu les yeux .

Dimanche matin avait lieu une conférence de Philippe Godefroid Mettre en scène le Ring aujourd'hui ?. Si l'antisémitisme est une propriété avérée de Wagner, je ne pense pas qu'il était nécessaire d'y consacrer plus de la moitié de la durée de la conférence, qui s'est terminée par la projection de plusieurs films issus de différents productions pour une même scène de Siegfried : celle où le héros joue du marteau pour forger l'épée Notung. Cela n'a guère permis que de visualiser différentes conceptions esthétiques pour le décor et les costumes, puisque dans à peu près tous les cas, Siegfried interprétait le Chant des soufflets tout en tapant en rythme avec le marteau, Mime étant en train de préparer une tambouille empoisonnée dans son coin. Forcément, si la partition contraint ainsi les mouvements de Siegfried, le metteur en scène ne peut pas faire grand'chose d'original, le seul cas intéressant montré étant celui de Chéreau (Bayreuth 1976) où le marteau est hors-scène et le métal passé dans une machine.

L'autre conférence du samedi, d'Emmanuel Reibel, était centrée sur la dramaturgie. Elle était en trois parties : Traces du Märchenoper et du Romantische Oper, le modèle du grand opéra français, et approfondissement et parachèvement d'une dramaturgie narrative. Pour le premier, de l'exemple de la Flûte enchantée, on peut remarquer une similitude entre les Trois dames et les trois Filles du Rhin. Pour le côté féérique, on remarque dans Siegfried la présence de l'Oiseau (Waldvogel). La différence, c'est que chez Wagner, ces éléments ne sont pas décoratifs, mais font avancer l'histoire. Du grand opéra français, Wagner a gardé l'organisation en tableaux plutôt qu'en numéros musicaux (airs, duos, etc). Il a aussi gardé les scènes où c'est la parole qui fait l'action (paroles performatives) comme dans les serments. Dans la troisième partie, il a expliqué que le livret wagnérien contenait beaucoup de récits (un personnage raconte ce qu'il a fait). Entendre Die Walküre peu après cette conférence était particulièrement saisissant puisque dans le premier acte, Siegmund, Hunding et Sieglinde raconteront chacun leur histoire. C'est aussi le procédé épique de la narration à l'intérieur de la narration d'une histoire. L'orchestre joue un rôle de contrepoint sémantique du texte (l'orchestre peut ainsi faire allusion à un personnage qui n'est pas sur scène). La conclusion était une triple quasi-disparition, des chœurs (remplacés par l'orchestre), des ensembles vocaux et du final d'acte (gratuitement spectaculaire : l'effet sans cause).

Dimanche en début d'après-midi avait lieu une table-ronde présentée par Timothée Picard à propos de l'ouvrage dont il a dirigé l'édition : Dictionnaire encyclopédique Wagner (Actes Sud/Cité de la musique). Il est intervenu avec deux de ses auteurs : Hélène Cao et Jean-François Candoni. Cela donnait bien sûr très envie, m'enfin, c'est quand même 79€ le pavé de 2469 pages.

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Marathon wagnérien : Tannhäuser à Bastille

2011-10-07 01:44+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Ce soir avait lieu la première de Tannhäuser à l'Opéra Bastille. L'opéra est très-accessible. Il est très facile de s'y retrouver dans les motifs (peu nombreux) et dont le sens est évident (pas comme dans le Ring...).

L'opéra présente l'histoire de Heinrich Tannhäuser qui passe le premier acte auprès de Vénus dans le Venusberg. Cela fait de lui un très mauvais chrétien et il a l'audace de défendre sa vision sensuelle de l'amour au deuxième acte au cours d'un concours dont le lot au vainqueur est Elisabeth. Avant lui, Wolfram en aura défendu une plus chaste image. Tannhäuser est puni. Qu'il fasse le pélerinage à Rome afin d'obtenir l'absolution. Au troisième acte, Elisabeth se languit de lui et, ne voyant pas Tannhäuser rentrer avec les autres pélerins, elle entreprend son dernier voyage. Tannhäuser arrive finalement, mais sans avoir obtenu l'absolution. Il cherche à retrouver Vénus qui vient le tenter à nouveau, mais à la mention du nom d'Elisabeth, il recueille en mourant les mérites du sacrifice d'Elisabeth.

La mise en scène de Robert Carsen est superbe. Au lieu de représenter des chanteurs, elle fait de Tannhäuser, de Wolfram et des autres des peintres. Dans le premier acte, il peint avidement un modèle ayant la tenue traditionnellement attribuée à Vénus. (Il est accompagné dans ses mouvements par un ballet de danseurs sur la musique de la Bacchanale du Venusberg, la version de l'opéra jouée étant celle de Paris, 1861, mais en allemand !) Le deuxième acte se passe dans un musée. Le concours est un vernissage dans lequel on acclame le talent de Wolfram et on dénonce le style de Tannhäuser. Il a pu paraître surprenant que les lumières de la salle ne fussent pas éteintes lors du début de cet acte. Peut-être l'intention du metteur en scène est-elle de donner au public l'opportunité de se mieux mirer comme dans un miroir tant l'aspect mondain costumes, légions d'honneur, petits-fours qui transpirait sur scène peut parfois ressembler au public de l'Opéra (surtout un soir de première). Le refus de la peinture de Tannhäuser trouvera un écho en les ridicules huées qui accompagnèrent les saluts du metteur en scène. Vers la fin de la représentation, je me disais que l'on avait réussi à nous immerger dans l'univers de la peinture sons nous montrer le moindre tableau...

Cette transposition se fait au prix d'une parfois peu honnête traduction du livret apparaissant en surtitrage, les références au chant étant remplacées par un mot plus général : Art.

Du point de vue musical, cela m'a semblé superbe. Le chœur de l'Opéra était dans un grand jour. C'est qu'il y a plus de chœurs dans cet opéra que dans tous les autres opéras de Wagner entendus par moi réunis. Les chanteurs des quatre rôles principaux m'ont tous fait au minimum une très bonne impression. Ayant eu un petit coup de barre pendant le premier acte, j'ai été dans l'incapacité de complètement apprécier Sophie Koch (Venus). Nina Stemme (Elisabeth) faisait ses débuts à l'Opéra. Elle a reçu un accueil très chaleureux du public. Christopher Ventris a été vaillant du début à la fin dans le rôle de Tannhäuser. La plus grande satisfaction est venue pour moi de Stéphane Degout que j'ai trouvé phénoménal dans le rôle de Wolfram, autant dans son chant du concours que dans la Romance de l'Étoile après l'adieu à Elisabeth.

C'était la première étape d'un marathon wagnérien qui va se poursuivre ce week-end avec un Mini-Ring à la Cité de la musique.

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Juliane Banse à l'Amphithéâtre Bastille

2011-10-05 23:59+0200 (Orsay) — Culture — Musique

C'était ce soir une des premières soirées Convergences à l'amphithéâtre Bastille, en tout cas la première de la saison pour moi. Cette programmation est l'œuvre du directeur de la dramaturgie, Christophe Ghristi, qui donne de sa personne en annonçant avant le concert qu'il est interdit de prendre des photographies et en donnant en fin de concert le bouquet de fleurs à la chanteuse Juliane Banse (et rien du tout au pianiste Martin Helmchen).

Contrairement aux années précédentes, ces concerts à l'amphithéâtre ne sont pas particulièrement conçus pour faire écho aux spectacles programmés dans les deux grandes salles de la maison. La programmation est plutôt alléchante. Je pense que j'essaierai d'y retourner au moins pour le récital de Sophie Karthäuser, la reconstitution du premier tableau de l'acte III des Maîtres Chanteurs de Nuremberg (Wagner) telle qu'il fut représenté à l'Opéra Garnier en 1897 (donc en français) et aussi pour deux opéras inachevés de Debussy d'après Poe. (Pas suffisant pour considérer cette série de plus de dix concerts en mode glouton, Pass Convergences, pour 80€ je prends tout.)

J'ai rarement eu l'occasion d'entendre des Lieder dans une salle de spectacle de taille modérée comme l'est l'amphithéâtre. Les conditions d'écoute eussent été idéales si, l'été finissant pour de bon, les tousseurs parmi lesquels figuraient quelques spécimens de compétition n'avaient produit de trop nombreux bruits parasites et même complètement pourri un des Lieder, pourtant sublime, Im Frühling dans le premier cycle.

Il est difficile de rendre compte des impressions qui se forment au cours d'une telle soirée puisque plus d'une vingtaine de Lieder se succéderont, et pour la plupart, je les entendais pour la première fois, sans en être toujours tout-à-fait sûr, puisque chez Schubert au moins j'avais parfois le sentiment d'entendre quelque chose de connu, si ce n'est quelque mélodie, comme dans Geheimnis, au moins la façon du compositeur.

Ce qui m'a frappé immédiatement lors de ce concert, c'est la grande qualité de l'accompagnateur de Juliane Banse : Martin Helmchen. Les premiers Lieder de Hugo Wolf lui donnent l'occasion de créer des atmosphères musicales toutes différentes (comme dans Im Frühling et Er ist's qui évoquent tous les deux le printemps, mais de bien différentes manières). Cela doit être la première fois aussi que je vois un pianiste utiliser d'autres pédales que celle de droite.

Parmi mes moments préférés du concert, l'interprétation du Chant de Mignon Kennst du das Land? dont chaque strophe se finit par un très appuyé Dahin! Dahin suivi d'un effervescent refrain (Möcht ich mit dit, o mein Geliebter, ziehn au premier passage ; il est altéré dans les strophes suivantes). J'ai tout particulièrement aimé aussi Der Einsame (Schubert), autour pour le chant que pour la partie de piano.

Le programme a également permis de faire entendre les mêmes poèmes de Goethe sur Mignon mis en musique par Schubert et Wolf. Dans le cycle de Wolf, mon préféré a été Nur wer die Sehnsucht kennt. J'ai apprécié aussi Kennst du das Land? dont le refrain demande de la chanteuse d'utiliser une technique plus lyrique.

Après ce programme, la chanteuse a interprété deux très beaux bis, Der Schäfer (Wolf) et Der Musensohn (Schubert).

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Nuit soufie à la Cité de la musique

2011-10-02 02:13+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Culture indienne

Ce samedi, je me suis rendu pour la première fois de la saison à la Cité de la musique afin d'assister au concert Nuit soufie. En réservant ma place d'abonnement, j'ignorais à quelle heure cela se terminerait. Cela m'avait d'ailleurs fait hésiter (je veux bien d'une nuit qui se termine vers l'heure du premier RER, mais pas au milieu de la nuit...). Finalement, la fin était programmée à 23h30, mais en fait le concert s'est terminé une demi-heure plus tôt que prévu.

C'est un ensemble indonésien qui a commencé la soirée. Un chanteur est à l'avant de la scène, il est entouré par sept musiciens tous habillés couleur fuchsia. Parmi les instruments, on trouve notamment une flûte, un oud et un violon électrique. C'est résolument agréable à écouter et il y a même quelques fioritures qui dans le premier morceau joué font dangeureusement tendre le style vers celui des chansons des films de Bollywood des années 1950. Les morceaux suivants seront un peu plus sérieux. Cependant, aussi agréables fussent-ils, leur structure et le texte m'a semblé très répétitive, sans variations. Pendant une des chansons, deux jeunes gens de l'ensemble ont dansé une petite chorégraphie, pas ridicule, mais dont on pourrait difficilement dire qu'elle contribue à l'art de chercher le divin en soi...

Après cinquante petites minutes de chants d'Indonésie, la deuxième partie du programme a été assurée par un ensemble originaire du Bengale indien. J'ai plutôt aimé le premier morceau chanté par le plus âgé des musiciens qui s'accompagnait lui-même au dotara (instrument à cinq cordes, qu'il tenait d'une façon un peu étrange, l'instrument reposant sur le poignet complètement replié de la main gauche). À mon avis, le reste de la prestation a été consternant (notamment du fait d'un des chanteurs qui essayait de détourner l'attention vers sa propre personne, quitte à pourrir le chant de ses camarades). Malgré les encouragements du public en délire, cela n'a heureusement pas duré plus longtemps que l'ensemble précédent.

Après l'entr'acte, l'atmosphère a changé avec l'arrivée d'Akhawan El Fane, un ensemble marocain de Fès. Tous habillés de blanc, ils accompagnent le jeune chanteur Marouane Hajji. Des trois parties du concert, c'est évidemment celle-ci qui a été de la meilleure qualité. Dans chaque morceau, le temps s'étire et la musique a le temps de se développer, mais ce n'est jamais répétitif et le chanteur fait des merveilles. La forme est plus austère que celle des deux ensembles précédents (ce qui n'empêche pas d'interpréter un chant en l'honneur du vin, typique des mystiques soufis), mais quel plaisir ce fut pourtant à entendre ! Lorsqu'ils ont quitté la scène, je me suis dit : Comment ! Déjà !. (Dans l'ensemble, il y avait un violoniste. Il utilisait son instrument d'une façon tout-à-fait originale, ni celle de la musique classique occidentale ni celle de la musique indienne carnatique. Il était assis, son instrument posé verticalement sur sa cuisse gauche. Les doigts de la mains gauche étaient positionnés sur les cordes et la main droite actionnait l'archet dans un mouvement de va-et-vient horizontal. Pour jouer d'une corde plutôt que d'une autre, plutôt que de changer la trajectoire de l'archet, c'est le violon qui tournait autour de son axe vertical...)

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Phèdre et Psyché à Garnier

2011-09-30 01:46+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

J'ai été voir trois fois le programme Phèdre/Psyché présenté au Palais Garnier depuis le 22 septembre (et non le 21 comme l'indique encore le site de l'Opéra, cette représentation-gala ayant été annulé en raison d'une grève). Dimanche dernier, j'ai eu une vue de face. Hier, j'étais côté gauche. Ce soir, côté droit. (Cliquer sur les différents liens pour voir les distributions respectives. Celle affichée ci-dessus étant celle de ce soir, le 29 septembre.)

Si aucun des deux ballets ne m'a vraiment enthousiasmé, dans les deux cas, la musique jouée par l'Orchestre national d'Île-de-France m'a semblé d'excellente qualité.

Dans le public

Hier, le chorégraphe Wayne McGregor assistait à la représentation. Ce soir, au centre du premier rang de balcon était assise Claude Bessy. Elle a assisté à la représentation du ballet qu'elle a remonté (Phèdre), mais elle n'a pas reparu après l'entr'acte.

J'étais aujourd'hui dans une première loge de côté. Ayant opté pour la place nº5 (9€), je suis sans doute le spectateur de la loge qui a le mieux profité du spectacle. Certes, pour ce type de place, il faut consentir à rester debout pour voir quelque chose... Au premier rang de la loge, deux spectatrices ont probablement dû payer 70€ chacune, mais le sans-gêne d'une spectatrice placée dans la loge voisine a très-certainement pourri leur soirée. L'attitude de la fautive est davantage digne d'une cour de récréation que d'une salle de spectacle. On eût dit qu'elle faisait exprès de se pencher excessivement pour empêcher les spectatrices de la loge d'à-côté d'y voir (dans le cas général, c'est une raison pour préférer la place nº1 à la place nº2 pour les loges de côté). La spectatrice du premier rang de ma loge (rappel : 70€ la place nº2) s'est avisée de lui faire observer que sa posture n'était pas sans maladresse. Elle l'a même peut-être effleurée. Plutôt que de lui répondre en chuchotant, la sans-gêne a gagné son nom en reprenant de plus belle sa position, en allant trouver une feuille de papier dans son sac pour la plier en deux, la couper par déchirure (bruits subséquents), y apposer quelques mots et la placer devant son infortunée voisine. À la fin du spectacle, quand les lumières ont été rallumées, j'ai pu apercevoir ce message. Je ne pense pas trahir la propriété intellectuelle de son auteure en le citant intégralement : Je vous interdit de me toucher. Malpoli ! (sic).

Phèdre

Ce n'est que la deuxième fois que j'ai commencé à un peu apprécier ce ballet de Lifar. Les costumes colorés sont extrêmement laids. Moult mouvements chorégraphiques du corps de ballet paraissent ridicules. Heureusement, la musique de Georges Auric qui fait penser à Dutilleux (Le Loup) ou Stravinsky (Le Sacre du printemps) est fort appréciable. Je pense néanmoins qu'elle passerait difficilement l'épreuve d'une exécution en concert.

Phèdre, c'est aussi une question d'interprètes. Avantage à Agnès Letestu par rapport à Marie-Agnès Gillot dans le rôle de Phèdre. Je n'avais pas eu énormément l'occasion de voir Agnès Letestu sur scène : elle m'avait plutôt décu dans Kaguyahime, mais j'avais été ému par son interprétation du rôle de Nikiya (La Bayadère). Là où je ne voyais que de grands mouvements de bras de l'interprétation de Marie-Agnès Gillot, Agnès Letestu m'a paru plus convaincante.

Dans le rôle de Thésée, j'ai vu deux fois Nicolas Le Riche (avec Marie-Agnès Gillot). La première fois, en matinée, il avait paru un peu fatigué et son maquillage était complètement raté (presque comme si sa perruque avait été collée sur son front avec du scotch). Ce soir, il était en très grande forme et son maquillage était beaucoup mieux réussi. Dans ce rôle, j'ai également apprécié Stéphane Bullion (qui dansait avec Agnès Letestu).

Le rôle d'Hippolyte me semble être le rôle masculin le plus important, puisqu'il a un pas de deux aussi bien avec Aricie qu'avec Phèdre. Entre Karl Paquette et Josua Hoffalt, ma préférence va à ce dernier qui a été tout simplement épatant hier. L'interprétation du pas de deux Hippolyte/Aricie a été assez différente entre les deux couples Hoffalt/Froustey et Paquette/Ould-Braham. J'ai préféré l'Aricie de Myriam Ould-Braham, même si j'ai bien aimé la façon tendre et amoureuse qu'avaient Josua Hoffalt et Mathilde Froustey d'interpréter le pas de deux.

Outre la Phèdre d'Agnès Letestu, les plus beaux moments lors de ces représentations sont venus de l'interprétation du rôle d'Œnone par Alice Renavand (qui depuis que je vais à l'Opéra m'a toujours au minimum enchanté).

Psyché

Le deuxième ballet de la soirée est de Ratmansky (qui a aussi commis Flammes de Paris). Le ballet a été créé le 22 septembre dernier. C'est un beau spectacle, qui flatte le spectateur en ce qu'il est immédiatement accessible, voire simpliste. Les décors sont à peu près inutiles : avec un fond noir (ou bleu), cela aurait été aussi bien. La simplicité de l'argument fait qu'en dehors des passages explicitement narratifs, la chorégraphie ressemble essentiellement à du remplissage. Cela reste mignon comme tout à regarder, mais le balletomane s'ennuie un peu (mais quand même mille fois moins que pendant L'Anatomie de la sensation !).

L'argument est essentiellement le suivant. Psyché est portée par des zéphyrs. Elle rencontre Eros, mais elle ne doit pas chercher à connaître son visage. Manipulée par ses deux sœurs jalouses (elles-mêmes un peu manipulées par Vénus), elle utilise une lampe pour voir son visage. Sa punition est d'être exilée dans un lieu repoussant. Mais tout s'arrange après qu'avec Eros, elle a supplié Vénus de la pardonner.

Pendant les scènes centrales, on doit subir l'attentat au bon goût que constituent les costumes de six couples de danseurs qui en quelque sorte commentent l'action. Les filles sont des filles-fleurs, les garçons ont des costumes faisant penser à des animaux (mais le costume d'un d'entre eux, s'il est peut-être censé évoquer un crapaud, fait plutôt penser à un nageur en combinaison et bonnet de bain).

Si je ne me suis pas excessivement ennuyé pendant ces représentations, c'est grâce à la musique de Franck. Pendant les p, on aurait presqu'envie de chuchoter aux danseurs de réduire le bruit de leurs pas (ce n'est pas le genre de choses qui pourraient arriver avec du Minkus !). Cela dit, on a parfois l'impression d'entendre des thèmes de sa symphonie en ré mineur. Dans Lohengrin (Wagner) il se trouve un motif appelé Le Mystère du nom. Elsa a l'interdiction de chercher à connaître le nom du héros. Bien sûr, elle n'arrivera pas à se retenir de poser la question. J'ai été amusé d'avoir l'impression d'entendre dans la musique de Franck un motif qui semble attaché à la même idée. Ce motif est d'abord chanté par le chœur :

Mais, Psyché, souviens-toi
Que tu ne dois jamais
De ton mystique amant connaître le visage

Le motif sera repris plus loin par l'orchestre.

Chose inhabituelle pour un ballet, il y a en coulisses le Chœur de Radio France. Le texte n'en reste pas moins presque parfaitement intelligible. Il y a au moins un moment où il y a une incohérence entre le texte chanté et ce qui se passe sur scène. Quand le chœur chante Amour, Elle a connu ton nom. puis Son châtiment commence..., Psyché, sur scène, est en train de se faire manipuler par ses sœurs. Elle n'a pas encore connu le nom d'Amour...

Du côté des interprètes, même si j'ai toujours un faible pour Dorothée Gilbert, j'ai préféré Aurélie Dupont dans le rôle de Psyché. Je ne sais pas si cela tient au fait que les cheveux de cette dernière étaient attachés dans un soigneux chignon tandis que ceux de Dorothée Gilbert (sauf erreur de ma part) flottaient au vent des zéphyrs. L'interprétation de Dorothée Gilbert et Mathieu Ganio étaient beaucoup plus légère et insouciante que la plus sérieuse manière qu'avaient Dupont et Bullion de danser.

Dans le rôle de Vénus, Alice Renavand ne m'a pas paru très à l'aise (mais est-il raisonnable de la solliciter à ce point : elle danse tous les soirs dans Phèdre ou dans Psyché...). J'ai donc préféré Amandine Albisson qui m'a tout particulièrement enchanté ce soir.

J'espère que la prochaine création à l'Opéra (La Source) tiendra davantage ses promesses que celle-ci...

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Pierre Boulez à Pleyel

2011-09-28 01:03+0200 (Orsay) — Culture — Musique

Ce soir, beaucoup des habitués de la Salle Pleyel étaient là pour écouter Pli selon pli de Boulez dirigé par Boulez. Il y avait même un peu de people : Pierre Bergé, Pascal Dusapin & consort. Le directeur Laurent Bayle et le ministre Mitterrand retardataire étaient relégués au rang A de côté.

Plutôt plus de musiciens sur scène que ce à quoi je m'attendais. Depuis l'arrière-scène, les cordes sont à droite, les vents et les cuivres à gauche, des harpes au milieu. Derrière, quelques xylophones, vibraphones et des percussions. Quelque piano et quelque célesta sont aussi sur scène (pour une fois, plutôt au centre que sur les côtés). À la gauche du chef qui pendant le premier et cinquième mouvements manipule une énorme partition (format A2 minimum) se tient la soprano Barbara Hannigan, qui porte une robe grise (plutôt sobre pour les standards de cette chanteuse).

Quand il dirige, Pierre Boulez ne laisse transpirer aucune émotion. Les mouvements de ses mains sont de faible amplitude, et on ne peut deviner si son geste va déclencer un délicat pizz. ou un gros boum (comme au tout début). On avance dans l'œuvre sans qu'elle me déplaise. Un petit incident marque la fin du premier mouvement. Le chef ayant commencé à diriger sans lunettes éprouva plus loin le besoin de les porter, puis il se ravisera, finissant ce premier mouvement sans lunettes. Il s'est alors éclipsé pendant quelques minutes en s'excusant et est revenu, les lunettes bien en place.

Le mouvement que j'ai préféré est le troisième (Improvisation II sur Mallarmé). Il ne fait appel qu'aux xylo/vibra-phones, aux harpes, aux instruments à clavier et aux percussions. Je ne saurais dire exactement ce qui m'a plu, mais j'ai aimé fermer les yeux pour éprouver plus fermement la spatialisation (naturelle) du son émanant des différents pupitres. J'ai tout autant aimé les ouvrir pour regarder le chef, qui tête penchée sur la partition (apparemment format A4 standard), lançait des gestes précis en direction de différents musiciens, déclenchant d'étranges jgloing d'une harpe (particulièrement peu mélodique !), et d'autres du pianiste, tandis qu'un semblant de mélodie venait parfois des xylo/vibra-phones. Ce mouvement m'a presque ému.

Dans le cinquième, l'ensemble de l'effectif orchestral a été utilisé. J'ai été amusé par le motif quasi-mélodique de cinq notes qui est répété plusieurs fois vers la fin de ce mouvement.

Ce que le compositeur demande à la soprano Barbara Hannigan était tout simplement invraisemblable. Je n'ai pas compris un seul mot sorti de sa bouche (de dos, cela n'aide pas). De toute façon, le texte de Mallarmé est assez peu intelligible...

Ce n'était pas du tout gagné d'avance, mais je pense que c'est une œuvre que je réécouterais volontiers.

Concert disponible à la réécoute sur Cité de la musique live.

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La Missa Solemnis par le LSO à Pleyel

2011-09-18 00:00+0200 (Orsay) — Culture — Musique

Contrairement à la veille, la Salle Pleyel était bien pleine ce samedi soir pour la rentrée de la saison du London Symphony Orchestra qui commence avec la Missa Solemnis de Beethoven.

Le chœur comprend environ 120 chanteurs disposés à l'arrière-scène. Quatre solistes sont sur scène, mais par rapport au chœur ils auront un rôle moins important. L'orchestre d'environ 80 ou 90 musiciens est dirigé par Sir Colin Davis, qui est assis tout comme Mikko Franck la veille.

Le texte chanté semble être le texte standard pour la messe en latin. Pendant le Kyrie, je me sens en confiance parce que le style n'est pas trop déconcertant par rapport à Bach ou Mozart. Le début du Gloria est beaucoup plus brutal. Globalement, même s'il est très bon, j'ai trouvé que le timbalier était un peu trop sollicité (même en tenant compte du fait que ce soit du Beethoven). Le début du Domine Deus me fait un peu penser à un passage de Fidelio. Parmi les moments spectaculaires, l'entrée du chœur pour le Et Resurrexit. Le chœur se fait particulièrement beau à la fin de la partie Credo (vers le Et expecto). J'apprécie également beaucoup le(s) Osanna in excelsis de la partie Sanctus. L'atmosphère orchestrale devient alors absolument délicieuse avant que commence le merveilleux Benedictus agrémenté d'un bellissime solo du premier violon. La fin m'a semblée très bizarre. Contrairement à Bach qui termine la Messe en si mineur par un mouvement basé sur la seule phrase Dona nobis pacem précédé d'un autre sur Agnus Dei qui tollis peccata mundi, miserere nobis, Beethoven a mis tout ce texte dans le même élan. Après avoir entendu une première fois Dona nobis pacem, j'ai ainsi été très surpris de réentendre Agnus Dei.... Pendant les dernières minutes, je ne voyais pas du tout dans quelle direction allait la musique. Même si cela eût paru inapproprié, je suis sûr que Beethoven aurait fait mieux avec une fin hydravionesque.

Le chœur m'a fait un très bonne impression. Dans l'orchestre, j'ai pris un plaisir particulier à écouter les flûtes, dont le son vient parfois se mêler discrètement aux ensembles. J'ai passé un agréable concert qui m'a permis de découvrir cette œuvre. Cela dit, entre la Missa Solemnis (Beethoven) et la Messe en si mineur (Bach), à mon avis, il n'y a pas photo...

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Philharmonique de Radio France à Pleyel : Meyer/Prokofiev

2011-09-17 02:44+0200 (Orsay) — Culture — Musique

J'entendais ce soir pour la dixième fois le Philharmonique de Radio France, dont c'était le concert de rentrée. Le programme commence par le concerto pour violon d'Edgar Meyer composé pour l'interprète de ce soir, Hilary Hahn, qui a choisi une robe rouge. L'œuvre ne me plaît pas beaucoup : elle est assez répétitive, presque minimaliste. L'intérêt vient surtout de la prestation de la violoniste, qui n'est pas désagréable du tout à écouter ni à regarder (le public n'étant pas tout-à-fait au rendez-vous, le deuxième balcon a été fermé et j'ai dû me replacer au parterre). J'ai particulièrement apprécié la technique de double corde de la violoniste.

Pour la deuxième partie du concert, avec Klari, nous avons migré à l'arrière-scène (moitié vide lors de la première partie, pleine pendant la deuxième). Ceci permit de mieux voir ce que faisait le jeune chef Mikko Franck, qui dirige en position assise (j'ignore si c'est un choix délibéré, ou bien la conséquence d'une incapacité passagère ou permanente de se tenir debout de façon prolongée). J'entendais la Cinquième Symphonie de Prokofiev pour la première fois. J'ai surtout apprécié les deuxième et quatrième mouvements, ceux pendant lesquels le chef a paru le plus investi (cela dit, il faisait aussi des clins d'œil aux violons I). Dans les autres mouvements, il a semblé se contenter de battre la mesure, tout en donnant l'impression d'être heureux de diriger cet orchestre. Globalement, cette deuxième partie de concert m'a plu, mais j'en suis resorti moins enthousiaste qu'après la Cinquième de Beethoven de la veille.

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Orchestre de Paris à Pleyel : Berlioz/Chopin/Beethoven

2011-09-16 02:30+0200 (Orsay) — Culture — Musique

Presque trois semaines après la rentrée, je retrouve enfin le chemin de la Salle Pleyel. Avenue Hoche, quelques voitures de méga-riches sont garées devant le Royal Monceau. Les ouvreuses et ouvreurs de la Salle Pleyel ont de nouveaux uniformes, sobrement noirs (C'était mieux avant !). La café est toujours à 3€ et il faut encore passer par les numéros pairs pour accéder aux numéros impairs de l'arrière-scène. Quelques habitués (Palpatine, Christian, Serendipity) ont trouvé de fort bonnes places aux rangs A et B. L'équipe de direction de l'Orchestre de Paris est au rang des people au nombre desquels on comptera aujourd'hui Jacques Toubon.

La première œuvre au programme est l'Ouverture du Corsaire de Berlioz. C'est espiègle et vivifiant. Est-ce une tentative de convertir le public au pastafarisme ? En tout cas, il est suggéré aux enfants de venir déguisés en pirates lors du concert en famille de samedi...

Le piano était déjà sur scène depuis le début du concert. Khatia Buniatishvilii (certes, isolé, son nom est très prononçable, mais quand le cerveau a aussi en mémoire le nom de sa compatriote Lisa Batiashvili, il y a de quoi s'emmêler les pinceaux), la jeune pianiste peut donc s'installer au piano, habillée dans une robe qui pourrait être la même que celle que décrivrait Klari suite à un récent concert à Sceaux (et que l'on peut maintenant voir chez Palpatine). L'œuvre programmée ce soir est le deuxième concerto pour piano de Chopin. Dans les premières minutes, l'orchestre exprime une parole qui semble tourmentée comme peut souvent l'être la musique romantique. Alors que je crois écouter ce concerto pour la première fois, il me semble que les effets liés à l'orchestration sont très prévisibles. Les choses sérieuses commencent quand la pianiste commence à jouer. L'orchestre n'aura dès lors pratiquement plus qu'un rôle décoratif, en arrière-plan. La difficulté de certains passages paraît absolument redoutable. Les sonorités que la pianiste tire du piano sont saisissantes. L'ensemble est plutôt varié. De façon assez amusante, un des mouvements contient un passage qui pourrait être une danse. (Après vérification, une explication possible pour le fait que j'aie trouvé certains passages prévisibles et que certains thèmes me dissent quelque chose est que j'ai en fait déjà entendu ce concerto dans la musique du ballet La Dame aux camélias il y a un an et demi.) À la fin du très beau bis (qui ressemblait à du Chopin, mais c'était du Liszt me dirent les trois camarades de concert rencontrés à l'entr'acte), la pianiste a un petit peu joué avec le public en retirant tout doucement ses mains du clavier, retenant ainsi d'éventuels applaudissements, qui ont déferlé par la suite.

Le clou de la soirée était l'interprétation de la Cinquième symphonie de Beethoven ¹. Pour cette symphonie, l'effectif de l'orchestre a été augmenté. On est passé de six contrebasses à huit. (D'après la formule qui veut que pour avoir une estimation du nombres d'instruments à cordes frottées, il suffit de compter le nombre de contrabasses, d'ajouter quatre, puis de multiplier par cinq, voir chez Djac pour les explications, il devait donc y avoir environ 60 cordes). Le chef Paavo Järvi n'a désormais plus besoin de la partition. Il semble aussi décontracté que s'il devait diriger du Haydn. Le premier mouvement est joué d'une façon très vive. La deuxième mouvement n'est pas si lent que ça. Le chef aurait manifestement aimé enchaîner le troisième mouvement aussitôt après la fin du deuxième, mais il a renoncé devant le chœur des tousseurs du public. J'ai beaucoup aimé le troisième mouvement. Au milieu, on entend en effet un sublime passage fugué. J'apprécie les regards amusés que se lancent deux contrebassistes (dont Bernard C.) quand le chef prend la peine de leur indiquer leur pizz. (genre, Eh oh, on savait très bien quand on devait entrer, mon bon monsieur !). Le plus beau en fait, cela a été la fin du mouvement et la transition avec le quatrième mouvement. La dynamique (indiquée pp ou ppp) a été descendue très bas (et personne pour tousser !). Cependant, on sent bien à ce moment-là qu'il y a encore une certaine tension et bien sûr, l'entrée dans le quatrième mouvement est explosive (ff). À part peut-être un petit couac des cors, rien n'en venu entacher mon plaisir !

[1] Pour compléter ma collection de symphonies de Beethoven entendues en concert, il ne me reste plus que la Quatrième et la Sixième, ce qui sera fait en mars avec le Chamber Orchestra of Europe et Bernard Haitink.

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La Clémence de Titus à Garnier

2011-09-11 01:32+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Après la rentrée à Bastille avec Salomé, c'était ce soir la première représentation de la saison à Garnier : La Clémence de Titus.

Les costumes ne font pas référence à l'époque romaine. Ils me rappellent ceux qu'on pouvait voir dans Andrea Chénier. Bref, ils renvoient plutôt à l'époque de la composition de l'opéra. Le décor est plus ou moins conceptuel. Le sol est un rond en imitation marbre. Il est entouré d'une structure en demi-cylindre penché qui donne l'impression d'être à l'intérieur de la tour de Pise. Cette structure est en deux morceaux. Ils peuvent être écartés pour permettre des entrées et sorties par l'arrière. Au centre, un gros bloc parallélépipédique en marbre qui fait à première vue penser à celui, noir, de 2001, l'Odyssée de l'espace. Il s'agit en fait d'un projet de sculpture représentant Titus. Dans la première scène, on écrit Titus dessus. À la fin de l'opéra, le bloc aura été sculpté pour représenter Titus et le nom qui n'était marqué que de façon éphémère sera gravé en dur (en majuscules, avec un U en forme de U et non de V...). Entretemps, le bloc sera passé par des phases intermédiaires. Je suppose qu'il faut comprendre que le caractère de Titus est en formation et qu'il n'aura fait ses preuves comme souverain que lorsqu'il aura pardonné à ceux qui avaient voulu sa mort. Alors, sa sculpture monumentale pourra apparaître dans toute sa splendeur.

Un autre accessoire est manipulé presqu'en permanence : la couronne de Titus. D'autres que lui la voudraient bien. Lui hésite entre le pouvoir d'un côté et de l'autre l'amour et l'amitié. Donner la mort ou pardonner. Plaire au peuple ou persister à aimer Bérénice.

Pour ne pas déplaire aux Romains, il abandonne Bérénice (rôle muet interprétée par une comédienne non créditée) et décide d'épouser Servilia, qui aime Annio. Annio cache ses sentiments à Titus, mais Servilia avoue qu'elle aime déjà quelqu'un. Elle préfère laisser entendre à Titus d'honnêtes paroles déplaisantes plutôt que de lui plaire hypocritement. L'homme bon qu'il l'est l'en remercie. Son troisième choix est Vitellia. Celle-ci n'ayant pas supporté de n'avoir pas figuré dans les deux premiers choix, elle décide de comploter contre lui. Flattant Sesto (par ailleurs frère de Servillia et ami d'Annio), qui l'aime, elle arrive à le pousser à commettre l'irréparable. À la fin du premier acte, on comprend que Sesto n'a pas tué Titus, mais un autre homme qui portait son habit. Dans le deuxième acte, Titus finira par pardonner à tout le monde, Sesto ayant dans un premier temps endossé toute la responsabilité avant que Vitellia n'avoue elle-aussi.

Si c'est le dernier opéra seria de Mozart, l'intrigue est typique de ses opéras de jeunesse avec des histoires d'amour tordues qui se finissent bien façon deus ex machina (voir par exemple Lucio Silla).

Stylistiquement, je n'ai pas l'impression d'avoir découvert un autre Mozart que celui que je connaissais déjà. On retrouve ses effets habituels et la proximité furtive de certains passages avec d'autres déjà connus est assez frappante (notamment il y a un moment qui m'a beaucoup fait penser au tout début du Hm! hm! hm! hm! de La flûte enchantée). Cela dit, cela se laisse bien écouter. Le chef d'orchestre Adam Fischer, qui dirige de mémoire, paraît immédiatement très sympathique. Il bat la mesure de façon très claire, signale les entrées aux musiciens, félicite tel soliste pendant que le public applaudit un air. Le principal, c'est qu'il a réussi à maintenir mon attention pendant la durée de l'opéra, me faisant oublier que mes genoux cognaient contre le rebord du premier rang de l'amphithéâtre (au premier acte, le strapontin le plus à gauche, et la place voisine libérée à l'entr'acte pendant le deuxième).

La mise en scène n'a rien d'extraordinaire, mais elle se laisse regarder. Un point faible est l'usage un peu trop systématique de précipités. Certes, cela fait paraître d'assez jolis rideaux peints dans un style vaguement expressionniste. Je ne sais pas s'il est courant de représenter sur scène une Bérénice muette. En tout cas, j'ai trouvé que cela fonctionnait très bien. Le personnage de Titus passe un certain temps au sommet du bloc de marbre qui deviendra à la fin une statue à son effigie. Chanteurs ayant le vertige s'abstenir. Globalement, sans m'enthousiasmer, cette mise en scène ne m'a pas trop déplu.

Stéphanie d'Oustrac (Sesto) domine assez largement le plateau vocal. La dernière fois que je l'avais entendue, c'était dans Armide de Lully. J'ai été très content de la réentendre ce soir. Lors de son air Parto, parto au premier acte, j'ai eu comme l'impression que la soirée commençait véritablement. J'ai également eu un certain plaisir à réentendre Amel Brahim-Djelloul (Servilia). Dans le rôle secondaire de Publio, la basse Bálint Szabó m'a bien plu. Les trois autres chanteurs m'ont semblés plus inégaux au cours de la soirée, mais ils ont eu tendance à se bonifier après l'entr'acte. Le grand air de Vitellia (Hibla Gerzmava) au deuxième acte a effacé mon impression mitigée du premier acte. Je n'ai pas été complètement convaincu par Klaus Florian Vogt (Tito), mais c'est plus une question de goût personnel (je n'aime pas le timbre de sa voix) qu'autre chose. S'il a moins brillé au premier acte, c'est peut-être aussi tout simplement parce que son personnage y est plus fragile, moins déterminé qu'il ne le sera lors du deuxième acte, en particulier quand il devra prendre une décision à propos de Sesto.

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Salomé à Bastille

2011-09-09 01:25+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Ce soir, c'était la rentrée de l'Opéra de Paris, avec la première de Salomé à Bastille. J'avais déjà vu cet opéra dans une autre mise en scène (Lev Dodin). D'Angré Engel, j'avais aimé la mise en scène de La Petite Renarde rusée. Dans Salomé, le travail est beaucoup moins convaincant (et on peut se demander l'intérêt de cette reprise).

Le décorateur avait dû trouver que la scène de Bastille était trop grande. Ainsi, l'espace dans lequel les personnages peuvent évoluer n'est qu'un angle réduit. L'univers et dans une moindre mesure les costumes sont orientalisants.

Le premier problème que j'ai eu avec cette production (dans une moindre mesure aussi avec celle de Lev Dodin) est l'éclairage très réduit. À de nombreuses reprises, je ne voyais tout simplement pas qui chantait (malgré la réduction de l'espace scénique, il y avait un personnage tout à gauche, un autre tout à droite, d'autres au milieu, tous évoluant dans la pénombre). S'il se trouve quelques blafardes lampes, la lumière ne vient essentiellement que du personnage de Jochanaan. De sa prison, mais aussi de lui-même quand Salomé obtient de le voir. À ce moment-là, une porte sur le côté droit s'ouvre et laisse entrer une vive lumière. J'imagine que le metteur en scène a voulu donner en même temps l'impression d'une tempête de sable, mais les artifices utilisés semblent être les mêmes que ceux d'une tempête de neige.

La danse des sept voiles est inexistante. Tranquillement assise, Salomé semble attendre que cela se passe. À la fin, elle fait quelque pas avec Herodes. Entretemps, elle aura enlevé ses chaussures. Dans cette séquence, la seule idée, symbolique, est de faire venir un personnage (le page de Herodias ?) pour essuyer avec un tissu blanc le sang qui était resté après que le corps de Narraboth avait été emmené. C'est un peu léger.

Bref, ce n'est pas avec les yeux qu'il faut apprécier cette représentation, mais avec les oreilles. L'orchestre dirigé par Pinchas Steinberg est tout simplement sublime. On peut apprécier cette musique dans sa continuité. La tension ne retombe jamais : longs trémolos des cordes, motifs joués par les vents qui s'insèrent très clairement, etc. J'ai presqu'eu l'impression de découvrir un nouvel opéra tant la richesse de cette musique était pour moi inouïe. Je suis donc très content d'avoir pu bénéficier d'un placement favorable du point de vue acoustique au tout dernier rang du deuxième balcon. (Ce placement empêche souvent de voir la partie supérieure des décors. Donc, j'ignore si la Lune, très présente dans le livret, était évoquée dans cette mise en scène.)

Du côté des chanteurs, il y a de quoi être largement satisfait, avec notamment Stanislas de Barbeyrac (Narraboth), Isabelle Druet (Page der Herodias), Juha Uusitalo (Jochanaan), et bien sûr Angela Denoke (Salomé).

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Sri Mohan Santhanam au Vani Mahal

2011-08-27 21:37+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Culture indienne — Voyage en Inde X

De tous les concerts auxquels j'ai assistés ces derniers jours à Chennai, celui de Sri Mohan Santhanam jeudi au Vani Mahal a été le plus remarquable. Cela a aussi été le plus long (2h35), d'autant plus que la voix du chanteur était beaucoup sollicitée dans la mesure où les brefs silences de la voix laissaient peu de place au violoniste, pourtant très bon dans les solos qu'il a joués.

Il semble qu'il ne faille pas se fier à la première pièce d'un récital de musique vocale carnatique... Même si le chanteur a commencé par une très belle et caverneuse vocalise pour se chauffer la voix, la première pièce rapide qu'il a chantée m'a semblée assez bordélique.

La deuxième pièce a été de longueur moyenne, sur le shloka Sri Santha Shiva Kumara. Il a fait quelques improvisations solfiées sur un rythme à 8 temps qu'il a clappé très régulièrement (comme pendant tout le reste du concert). Les phrases musicales faites sur le nom des notes se terminaient par un des mots du shloka, comme j'avais vu faire par les Chinmaya Sisters.

La suite du concert n'a pratiquement plus comporté que des compositions de longue durée. Il y a en a eu quatre à la suite. Le chanteur a exceptionnellement annoncé avant la première dans quel tal elle serait. C'était le tala Adi. Ne connaissant pas la classification, cela ne me renseignait pas beaucoup. Je saurai maintenant que c'est un rythme à 8 temps (le même que dans la pièce précédente d'ailleurs). Dans ses improvisations solfiées, il a introduit des sortes de repos venant rompre le caractère métronomique des suites de notes improvisées.

Dans la deuxième composition, le chanteur a fait descendre sa voix assez bas dans les graves pendant la partie des questions/réponses avec le violon (qui a eu un rôle mineur). Après le solo de violon, le chanteur a introduit le shloka sur un rythme à 12 temps, puis a improvisé en chantant le nom des notes. Comme avant, il a rallongé certaines notes et a aussi inséré des syllabes issues du shloka entre des noms des notes.

Le rythme à 8 temps de la troisième composition était joué de façon assez lente. Après le dialogue entre le chanteur et le violon, ce dernier a eu un solo. Le chanteur a ensuite dit quelques mots en tamoul parmi lesquels il m'a semblé entendre Thyagaraja Swami. J'ai pensé qu'il voulait dire que la composition qui allait suivre était due à ce grand compositeur de musique carnatique, mais je ne trouve pas de Rajarajeshwari dans le catalogue. En tout cas, ce fut un très beau morceau de musique (à 8 temps) que je garde encore un peu en tête. Au cours du développement, il y a eu de vraies questions et réponses avec le violon, des improvisations solfiées et un retour au shloka en conclusion.

La dernière composition commence par des improvisations discrètement accompagnées par le violon. Le chanteur utilise une succession de syllabes qui semble un peu passe-partout : Tadarina. Pendant le solo de violon, j'entends des réactions indéchiffrables dans le public. Je suis complètement incapable de dire si c'étaient des signes d'approbation ou bien le fait de quelques Beckmesser. Le shloka apparemment dédié à Rama a été chanté sur un rythme à 16 temps. Après le shloka, un trio entre le violon et les deux percussionnistes. Les deux percussionnistes ont ensuite joué des solos et un long duo. Les deux musiciens n'étaient pas des plus jeunes, mais il était évident qu'ils avaient plaisir à jouer. Pendant le duo, ils se sont fait des questions et réponses. L'un jouant pendant les quatre temps d'une des divisions du tala, l'autre lui répondant immédiatement dans la division suivante. Plus loin, ils se répondaient de façon encore plus vive par segments de deux temps. L'ensemble fut un très beau moment. Il est à noter qu'il a fallu réaccorder le mridangam en cours de route... Le shloka a été repris en conclusion par le chanteur juste pour la forme.

Le concert s'est terminé par deux courtes compositions à 8 temps, toutes les deux dédiées à Krishna. La deuxième était probablement en hindi.

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Les Chinmaya Sisters au Vani Mahal

2011-08-25 12:58+0530 (சென்னை) — Culture — Musique — Culture indienne — Voyage en Inde X

Je suis retourné au Vani Mahal pour une autre soirée du festival auquel j'assistais déjà hier. Par hasard, ce sont encore les Chinmaya Sisters que j'ai entendues il y a quelques jours qui chantaient. Uma et Radhika sont dans des saris de couleurs semblables, mais inversées par rapport à la fois précédente. Elles sont accompagnées par la même violoniste, mais ce soir deux percussionnistes jouent avec elles : mridangam et ghatam.

Au bout d'une demi-heure, je commençais à redouter l'ennui parce que ce qu'elles chantaient et la façon dont elles le chantaient ressemblait à ce que j'avais déjà entendu. La différence audible était que les thèmes des chansons étaient liés à Krishna.

La première longue composition commençait par des questions et réponses entre sari vert et le violon, puis un solo de violon est intervenu. À partir d'un shloka sur Krishna, des improvisations solfiées ont été faites par les deux chanteuses sur un rythme à seize temps.

Après un morceau court, sari fuchsia (Uma ? la plus expérimentée des deux chanteuses) a improvisé en se faisant accompagner du violon. Quelques notes tenues longtemps et quelques descentes dans les graves. Ensuite, il y a eu un solo de violon. Enfin, les chanteuses alternant avec le violon ont produit des improvisations d'un type que je ne connaissais pas. Au lieu d'utiliser des syllabes extraites d'un vers ou des notes de la gamme, elles ont utilisé des noms correspondant à la longueur des notes. Apparemment, le redoublement Tata est équivalent à un Num. A priori, cela pourrait paraître monotone, mais la façon de chanter ces syllabes était très ornementée.

Une nouvelle longue composition est intervenue ensuite, sur le même rythme que la première (16 temps). Cela a commencé par un shloka et des improvisations solfiées par la chanteuse au sari fuchsia (manifestement très en forme). Cette composition a fait l'objet d'un long développement, entrecoupé de solos de violons et de percussions. Pendant les dialogues entre les percussionnistes, les chanteuses et la violoniste ne s'arrêtaient pas de clapper le tal.

L'avant-dernier morceau était encore en l'honneur de Vishnu (Srinivasa, Jagannatha) et le dernier était un morceau rapide ressemblant plus ou moins à un Thillana. Le concert a duré environ 2h15.

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Kunnakudi Sri R. Balamuralikrishna au Vani Mahal

2011-08-24 14:31+0530 (சென்னை) — Culture — Musique — Culture indienne — Voyage en Inde X

Vani Mahal n'est que le surnom du Sri Chandrasekarendra Saraswathi Mahaswami Auditorium du Sri Thyaga Brahma Gana Sabha à T. Nagar, Chennai. C'est plus facile à faire comprendre à un chauffeur de rickshaw... Il s'agit d'une grande salle d'environ 500 sièges. Je me suis installé au deuxième rang, le premier étant numéroté VIP. Le remplissage pour ce concert de musique carnatique devait être d'environ 10 ou 20%.

Le concert a lieu dans le cadre du deuxième festival de musique Sri Jayanthi à la mémoire de Sri Obul Reddy et Smt. P. Gnanamba. Ces jours-ci, il est apparemment beaucoup plus facile d'assister à des concerts qu'à des récitals de danse.

Le chanteur a mis un peu de temps à rentrer dans le concert. La première pièce a été un grand mix incohérent. La deuxième chanson a mis en évidence que le contexte est ici plutôt vishnouïste. En effet, sur la scène en arrière-plan, on lit le nom du festival écrit sur une grande affiche en trois panneaux faisant la publicité pour Sri Krishna Sweets tout en montrant Krishna bouvier/flûtiste et Krishna jouant avec le pot de beurre dans un cadre bucolique. Le texte renvoie ainsi à Sri Krishna Gopala ou à Narayana. Dans le troisième morceau, c'est apparemment de Rama/Raghu qu'il est question et le chanteur commence à tenir des notes assez longtemps.

Le concert démarre véritablement avec le développement qui va suivre. Le chanteur joue assez longtemps au jeu des questions et réponses avec le violoniste. Ainsi, le chanteur énonce une phrase musicale, et le violoniste la répète aussitôt, éventuellement légèrement modifiée. Dans ses improvisations, le chanteur n'utilise ni les noms des notes de la gamme ni des syllabes faisant sens. À la suite de cette séquence, un solo de violon. Enfin, le chanteur énonce le shloka, qui me semble encore en l'honneur de Krishna, puis il se remet à improviser, parfois en utilisant le nom des notes, parfois non. Après un duo entre le violon et le mridangam, le shloka est revenu lors de la conclusion.

Le style du chanteur est pas mal plus agressif et brut que celui des Chinmaya Sisters entendues récemment. Cependant, dans la composition suivante intitulée Sri Balakrishna Bhaje, il sait aussi se faire beaucoup plus doux, dans ce lent mouvement commençant sans accompagnement rythmique. Chaque réapparition du vers introductif a été un véritable délice pour moi.

Le chanteur a enchaîné avec une composition très rapide et des improvisations solfiées. Un deuxième long développement est intervenu ensuite, mais il m'a moins convaincu que le premier. La structure est en gros la même : questions et réponses avec le violon, solo de violon, shloka Shri Krishna, duo mridangam/violon, improvisations solfiées, solo de mridangam, reprise du shloka. Deux courtes compositions (dont la première au moins était encore sur le thème de Krishna) ont conclu ce concert de 2h15.

Même si le chanteur clappait le tal de façon très peu lisible, ce concert a été une de mes toutes meilleures expériences de spectateur de musique carnatique.

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Les Chinmaya Sisters au Narada Gana Sabha Mini-Hall

2011-08-22 19:04+0530 (சென்னை) — Culture — Musique — Culture indienne — Voyage en Inde X

Dans le cadre du même festival que le spectacle précédent et à la suite de celui-ci, les Chinmaya Sisters ont chanté un programme de musique carnatique. L'une est en sari vert, l'autre en sari fuchsia. Leur chant est accompagné par un percussionniste (mridangam) et une violoniste. Le percussionniste utilisera non seulement un marteau mais aussi une clef pour régler son instrument.

Le programme m'a semblé de bonne qualité. Peut-être un peu long (onze compositions), parce que pendant la troisième heure (en comptant le récital de danse précédent) je commençais à trouver mon siège assez inconfortable.

Les compositions étaient le plus souvent à six temps. Certaines étaient de durées relativement courtes. Deux ont été très développées. Dans ce cas-là, une des deux chanteuses commençait à chanter seule, accompagnée par la violoniste, puis la violoniste jouait un solo. L'autre chanteuse et le percussionniste se mettaient ensuite à jouer, ce dernier improvisant ou non un solo. Enfin, les voix concluaient la pièce en revenant au vers qui avait servi de base au début.

Dans certaines chansons, je n'ai compris qu'un seul mot. Dans deux chansons différentes, c'était Pashupati (Shiva, comme gardien du troupeau), dans une autre, c'était Parthasarathy (Krishna, comme cocher de Partha-Arjuna). Une autre fois, c'était Ganesh. Dans deux autres, c'était Shiva Shankari.

Dans les improvisations (où elles se passaient le relais l'une à l'autre, sans vraiment de questions-réponses avec le violon), elles ont principalement utilisé la technique consistant à chanter le nom des notes. Cependant, dans une des chansons, chaque phrase musicale improvisée se concluait néanmoins par le mot Pashupati.

Malgré les 2h15 du concert, je ne me suis pas ennuyé du tout...

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Kumari Sukanya Kumar au Narada Gana Sabha Mini-Hall

2011-08-22 18:37+0530 (சென்னை) — Culture — Musique — Danse — Culture indienne — Voyage en Inde X

Vendredi après-midi, je me suis rendu au Narada Gana Sabha Mini-Hall, une salle que je connaissais déjà. Il s'y est tenu un festival de quelques jours : le dixième festival annuel de musique et de danse sur des composition de Dr. Rukmini Ramani. Celle-ci était installée au premier rang. Ayant pris place de l'autre côté de l'allée, je l'ai vue bénir la jeune danseuse qui était venue recueillir sa bénédiction en lui présentant ses grelots de chevilles et en se prosternant à ses pieds.

Le programme interprété sur une musique enregistrée n'a duré qu'une heure, mais la danseuse m'a semblé faire preuve de grandes qualités.

La première pièce évoquait Shiva-Nataraja avec et sans les pieds et dans sa chorégraphie elle a représenté un éléphant de la plus belle des manières.

Dans la deuxième, elle a inséré des passages rythmiques alors même que la musique restait mélodique (contrainte du festival...). La pièce représentait des oiseaux, une jeune femme et a évoqué divers arts : écriture, sculpture, danse (shiva-Nataraja), musique (flûte, vîna). Shiva a aussi été représenté sous la forme du lingam.

Tout ce que je sais du Varnam, la pièce principale, est qu'elle était sur le raga Vasanta. Cette fois-ci, la musique enregistrée contient de vraies parenthèses rythmiques. La pièce semble centrée sur Shiva : son troisième œil, sa puissance, son chignon d'ascète. Élément original de la chorégraphie : une courte suite de pas qui sera répétée quatre fois au cours du Varnam. L'aspect narratif de la pièce m'échappe. À un moment, une femme s'écroule. Est-elle morte ? Se lamente-t-elle ? En tout cas, la pièce se termine avec la danseuse en équilibre dans la pose Shiva-Nataraja.

Dans la pièce suivante, la danseuse évoque l'enfance de Krishna et son rôle de cocher dans le Mahabharata. Ensuite, dans une pièce au rythme rapide, elle a évoqué la déesse Devi et notamment ses aspects furieux. L'avant-dernière pièce était une sorte de divertissement dans lequel l'intrigue semblait reposer sur des sortes d'haltères, mais je n'ai pas compris où cela allait. Enfin, dans son Thillana, la danseuse a encore une fois évoqué Shiva.

Si la technique de la danseuse m'a plu, je suis déçu d'être autant passé à côté des aspects narratifs des chorégraphies.

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Smt. Subhashini Vasanth au Bharatiya Vidya Bhavan

2011-08-15 15:32+0530 (திருவண்ணாமலை) — Culture — Musique — Danse — Culture indienne — Voyage en Inde X

Samedi soir, je suis allé au Bharatiya Bidya Bhavan sur Racecourse Road à Bangalore pour assister au récital de bharatanatyam de Smt. Subhashini Vasanth. Ce récital, gratuit, était organisé par l'Indian Council for Cultural Relations. Le thé, le café et les petits gâteaux étaient offerts avant le spectacle.

Étant arrivé en avance, j'ai assisté à la préparation de la scène. On a installé un Shiva-Nataraja doré flanqué de deux servantes sur le côté. On les a décorés de fleurs oranges et blanches et on a allumé la lumière.

Le récital a été précédé d'un petit discours en kannada, puis d'un numéro purement musical : une prière dans laquelle les noms de quelques divinités étaient prononcés.

La danseuse est entrée en scène pour une pièce presqu'uniquement rythmique. Il s'agissait de rendre hommage à Shiva-Nataraja et de lui offrir (au sens propre) des fleurs. Bizarrement, quand elle évoque Shiva-Nataraja, le seigneur de la danse, la danseuse n'utilise que ses mains et ses bras. Ce sera une constante jusqu'à la fin du récital : à aucun moment, elle ne lèvera la jambe gauche au-dessus du genou droit. C'est la première fois que je vois ça.

Le Varnam, la pièce principale, est centré sur une Nayaki, une femme qui se languit de Shiva. Apparemment, elle arrive à ses fins. La danseuse est accompagnée d'un joueur de nattuvangam qui m'a fait une très bonne impression dans les nombreux passages rythmiques de danse pure, le joueur de mridangam m'ayant moins convaincu. La chanteuse et la flûtiste jouaient aussi très harmonieusement. Malheuheureusement, on n'entendait la vîna (un instrument que j'apprécie beaucoup) que dans ses solos du fait d'un mauvais réglage des micros. Lors de ce Varnam, la danseuse va évoquer plusieurs aspects de Shiva. De façon opposée aux passages rythmiques rapides, il y aura aussi une sorte d'adage. Je n'ai pas très bien compris la fin où le texte et la chorégraphie semblaient évoquer l'onde de l'Océan (Sagara).

Ce type de sujets (femme se languissant de Krishna ou de Shiva) n'est pas parmi mes préférés. Tout est centré sur l'attitude de la jeune feme. Il n'y a pas vraiment d'histoire puisque c'est essentiellement du sur-place. Il y a du remplissage avec les passages rythmiques (pas toujours très synchro). Ce n'est ni abstrait ni narratif. Bref, ce n'est pas ma tasse de thé.

Dans la pièce suivante où l'interprète âgée de vîna peut enfin se mettre en valeur, la danseuse devient une dévôte de Devi qui se plaint auprès de la Déesse : Ne suis-je qu'une marionnette pour Toi ?. Beaucoup de travail au sol dans cette pièce où est représenté le culte ordinaire.

L'avant-dernière pièce présente des scènes du Ramayana sur un Bhajan de Tulsidas. Après un prologue dans lequel le poète Tulsidas est inspiré par Saraswati, la première scène est le Janaki Swayamvaram : l'épreuve que Rama réussit pour obtenir la main de Sita, fille de Janaka. Dans cette épreuve, les prétendants doivent bander l'arc de Shiva. Seul Rama est représenté, et sa réussite est montrée de façon très furtive. Je n'ai pas bien situé la deuxième partie de la pièce où il était question de la croissance d'un enfant et où apparaissait aussi une femme vieille ou bossue. Cela pourrait être Manthara, mais présenter la naissance des fils de Dasharatha après le mariage de Rama serait curieux d'un point de vue chronologique. C'est pourtant cette pièce que j'ai le plus appréciée.

Le récital s'est conclu par un Thillana, de la danse pure rythmée évoquant Krishna joueur de flûte. La musique de cette pièce s'est enchaînée avec celle de Vande Mataram, tandis que la danse passait de la rapidité d'exécution à l'adage.

Ce n'était pas un des meilleurs récitals de bharatanatyam auxquels j'aie assisté. D'une part, le style des pièces n'étaient pas ceux que je préfère. D'autre part, la très-honorable prestation de la danseuse n'était pas exceptionnelle.

⁂

Je suis retourné au même restaurant que la veille. À l'entrée, il est impressionnant de voir plus d'une trentaine de poulets embrochés par cinq en train de rôtir. La veille, juste après le coucher du soleil, la plupart des client étaient manifestement musulmans. Le lendemain, un peu plus tard dans la soirée, il y avait hindous et musulmans. Curieusement, les plats du Sud de l'Inde (dosa, appam, idli, etc) n'y sont pas servis avec du sambhar avec avec d'autres plats (masalas divers).

À la table devant la mienne, un quatuor d'hommes d'apparence ordinaire mangeaient. Quand ils sont partis, le premier s'est avéré être un nain. Le deuxième était en béquilles. Le troisième normal et le quatrième, qui était le plus souvent dans mon champ de vision s'est déplacé vers le côté de la banquette. Il m'a paru encore plus petit que le nain. Puis il a touché le sol. L'explication est venue : il n'avait pas de jambes... How unexpected!

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Gayatri Sriram au NCPA

2011-07-25 14:32+0530 (पुणे) — Culture — Musique — Danse — Culture indienne — Voyage en Inde X

Avant-hier soir, je suis allé au NCPA pour voir Panchakanya, le récital de bharatanatyam de Gayatri Sriram (chorégraphié par sa guru Smt. Minal Prabhu). La première impression n'a pas été extraordinaire. Il y avait pourtant un effectif musical inhabituellement fourni : mridangam, nattuvangam, voix, flûte, sitar. Mais par ailleurs, on laissait entrer n'importe comment les retardataires. D'autres sortaient, re-rentraient, voire dans un cas, re-sortaient pour ce bon en cours de route. Bref, difficile de se concentrer sur le spectacle.

La pièce introductive est une invocation de la déesse, Devi. Elle s'enchaîne avec la première partie du programme Panchakanya proprement dit. La première des cinq (Panch) jeunes femmes (Kanya) est Ahilya (sic). Les cinq femmes évoquées successivement étant des personnages du Ramayana (quatre) ou du Mahabharata (une seule), je connaissais déjà très bien leur histoire qui a de toute façon été rappelée avant chaque partie. Pourtant, je n'ai à peu près rien saisi de la partie concernant Ahalya (et je ne suis même pas certain d'avoir bien compris où était la transition par rapport à la pièce introductive). J'ai vaguement cru comprendre qu'il y avait une femme dévôte et qu'à la fin elle était en quelque sorte prise en flagrant délit d'adultère (Indra ayant pris la forme de son époux Gautama). A priori, rien sur la malédiction qui l'avait transformée en pierre avant que Rama ne la libère.

Je commençais à avoir de gros doutes et puis est venue la partie consacrée à Draupadi. Elle comptait deux scènes. La première était celle de son svayamvar : une cérémonie au cours de laquelle une jeune femme choisit son époux. En l'occurrence, le choix devrait se porter sur celui qui montrerait son adresse à l'arc. C'est Arjuna qui l'emporte. Il me semble que la danseuse a plusieurs fois souligné le fait que celui-ci était un brâhmane, en tout cas au moins un deux-fois-né, reonnaissable à son cordon sacré. Alors en fuite après l'incendie de la maison de laque, Arjuna se cachait en se faisant passer pour un brâhmane. La deuxième scène est celle du jeu de dés. Yuddhishthira a tout perdu contre Duryodhana (qui faisait jouer un tricheur à sa place), y compris lui-même et Draupadi. Duryodhana envoie Duhshasana la chercher. Elle refuse de se laisser faire, mais il la traîne de force par les cheveux (c'est beaucoup moins soutenable que la dernière scène du premier acte du Crépuscule des Dieux où Siegfried ayant pris les traits de Gunther malmène Brünnhilde). Ensuite, il tire sur son sari, mais de nouveaux mètres de tissu apparaissent prodigieusement au fur et à mesure. Elle avait en effet adressé une prière à Krishna. Cette deuxième scène du jeu de dés était tout particulièrement bien chorégraphiée et très émouvante.

Comme dans tout le programme, la musique semble le résultat d'un très bon travail visant à accompagner la dramaturgie. Cela se voit dans le texte, que je ne comprends pas, mais qui contient suffisamment de mots-clefs pour qu'il soit évident que les mots employés collent à l'action. L'utilisation des différents instruments et les choix de dynamique permettent de souligner les passages importants. De façon assez originale, les passages purement rythmiques sont accompagnés non pas seulement du mridangam et du nattuvangam (auxquels s'ajoutent la voix de la guru dictant le rythme), mais aussi de la voix du chanteur, absolument extraordinaire (je n'ai jamais entendu un chant d'une telle qualité lors d'un récital de bharatanatyam, à part Aruna Sairam, mais c'était dans un contexte un peu particulier.

Il s'agit donc d'un récital de bharatanatyam dans un style très narratif, comme j'en ai rarement vu. C'est cependant moins dansant que ne l'était Srithika Kasturi Rangam. Cela dit, les passages rythmiques de danse pure étaient très bien.

Après Draupadi, c'est au tour de Sita. Là encore, l'histoire est parfaitement claire. Elle est découverte dans un sillon de terre par Janaka, qui l'élève. Lors de son svayamvar, Rama l'obtient en bandant l'arc de Shiva. J'avais déjà vu plusieurs fois cette scène particulière lors d'autres récitals. Ici, comme dans l'ensemble du récital, cela pèche un peu par la consision du propos. Il aurait été intéressant (et sans doute plus divertissant) de ne pas montrer seulement Rama en train de réussir l'épreuve, mais aussi de souligner la difficulté de la tâche en montrant quelques autres en train d'échouer plus ou moins lamentablement (le même problème se posait aussi avec l'épreuve réussie par Arjuna). Le plus beau passage de cette partie est intervenu ensuite. Alors qu'elle est dans la forêt avec Rama et Lakshmana, elle aperçoit une antilope dorée (en fait un démon qui a pris cette forme pour la tromper) ; elle demande à Rama de la lui capturer. Lakshmana finit par y aller aussi. Laissée seule, elle est enlevée par Ravana, que la danseuse a caractérisé en suggérant la présence de multiples têtes. Là, il y a eu une brutale ellipse, puisqu'on s'est retrouvé presqu'aussitôt à la fin de la guerre entre les démons d'un côté et Rama et les singes de l'autre. C'est seulement par les lumières qu'a été suggéré l'épreuve du feu que s'inflige Sita pour prouver sa vertu (cela a été presque furtif, pas du tout spectaculaire). Ensuite, la rumeur publique s'empare du bon sens de Rama qui envoie son frère abandonner Sita dans la forêt. Le public mumbaïte a laissé échapper quelques applaudissements lorsque Sita est brièvement sortie de scène (en pensant sans doute que cela signifiait la fin de la pièce) pour revenir aussitôt en ayant donné naissance à ses deux fils jumeaux. La fusion finale de Sita avec la Terre au moment où Rama venait la reprendre n'a été malheureusement suggérée que par les lumières.

C'est Tara, une autre femme du Ramayana, qui a été évoquée ensuite. Cela m'a semblé moins clair, la seule scène bien identifiable a été celle où Rama tue d'une flèche le singe Valin au cours du duel entre Valin et son frère Sugriva.

La dernière femme évoquée est Mandodari, l'épouse de Ravana. Essentiellement, on la voit jouir du luxe de Lanka, puis se lamenter de la mort de Ravana après qu'il a été tué par Rama.

Bien qu'il ne m'ait pas semblé entièrement satisfaisant, j'ai beaucoup apprécié ce récital, qui s'est conclu par les salutations traditionnelles dans un Mangalam.

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Les Enfants du paradis à Garnier (dernière)

2011-07-16 01:06+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

Approchez Mesdames et Messieurs. Pour la dernière fois ce soir, et sans majoration du prix des places : Les Adieux de José Martinez. C'est ce qu'un des personnages crie lors de la première scène Le boulevard du Temple. La première de cette reprise ayant été annulée (j'ai déjà reçu le virement de remboursement !), c'est donc uniquement à cette dernière que j'assiste. Je l'avais réservée dès qu'il avait été annoncé que José Martinez y danserait pour la première et dernière fois le personnage de Baptiste.

Je retrouve un ballet que j'avais aimé lors de sa création. Entretemps, j'ai vu le film de Marcel Carné (curieusement ; lors de la création, le ballet était d'après le scénario de Jacques Prévert, lors de cette reprise, c'est d'après le scénario de Jacques Prévert et le film de Marcel Carné). Tant qu'à faire, on aurait aussi pu recatégoriser l'ouvrage en ballet-pantomime, puisque pendant plus de deux heures, c'est quand même avant tout de pantomime qu'il s'agit. Il se trouve cependant quelques très beaux moments vraiment dansés.

Les rôles principaux sont tous interprétés de façon enthousiasmante voire très enthousiasmante. Bien sûr, il y avait le couple principal Agnès Letestu (Garance) et José Martinez (Baptiste), et les autres, mais ceux qui m'ont le plus impressionné sont Yann Saïz (Le Comte) et surtout Florian Magnenet (Frédérick Lemaître), dont on se demande s'il n'a pas été un peu inspiré par Ivan Vasiliev (en sautant un peu moins haut, certes). Le passage dansé le plus spectaculaire est le ballet à l'intérieur du ballet Robert Macaire où, accompagné par le corps de ballet, Frédérick Lemaître danse avec la Ballerine (Sarah Kora Dayanova). Il était décidément partout parce qu'à l'entr'acte, il mettait à mort Desdémone (Charlotte Ranson) au Théâtre du Grand Escalier, passage que j'ai mieux vu cette fois-ci, depuis le niveau des deuxièmes loges, même si un éblouissant chandelier m'a empêché d'apprécier la fin.

Du côté de la musique, on a l'impression d'entendre un remix de tout le répertoire (il y a par exemple quelques passages très mozartiens dans le premier acte). C'est indiscutablement agréable à écouter, le rythme est assez marqué et la musique est suffisamment répétitive pour qu'on soit entraîné par la musique. On entend quelques emprunts et citations (notamment le début de la musique de la pub' CNP : la Valse nº2 de la Suite pour orchestre de variété nº1 de Chostakovitch). Cependant, il y a aussi des transitions à la façon des musiques de film d'horreur qui sont à la limite du vulgaire. Que ce soit pour la musique ou la danse, on est loin d'assister à un ballet intellectualisant, on est plutôt dans le grand spectacle.

Les saluts ont été particulièrement émouvants pour cette dernière de José Martinez (qui reviendra comme étoile invitée l'année prochaine...). On a vu des lâchers de ballons aux couleurs de l'Espagne. Le danseur a été très longuement applaudi et il y a eu une énorme standing ovation. Vers la fin, il est même descendu triompher au milieu du public le long de l'allée au milieu du parterre (les strapontins n'étant pas utilisés puisque le personnage de Garance doit emprunter ce même chemin dans le ballet). Quelques ¡Olé!...

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Le Miami City Ballet au Châtelet

2011-07-15 00:24+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

J'ai décidé au dernier moment d'aller voir le Miami City Ballet au Châtelet : ce soir, il y avait un programme Balanchine/Robbins.

Le premier ballet, sur une musique de Ravel, était un fort agréable divertissement bourgeois. Des couples dansent la valse. Dans le couple principal, la danseuse se fait séduire par un homme en noir qui lui offre des bijoux et de nouveaux vêtements noirs. C'est la mort incarnée. Le ballet est tout juste divertissant, aucunement désagréable à voir, mais la musique interprétée par l'orchestre de jeunes Prométhée me plaît (jolis glissandos des harpes).

Le deuxième ballet est In The Night de Jerome Robbins que j'avais déjà vu dansé par des danseurs du ballet de l'opéra. Je n'ai plus de souvenir précis du décor d'alors. Celui du Miami City Ballet est peut-être un petit peu kitsch : on voit quelques étoiles briller dans le fond. Pour moi, le problème avec cette représentation a été le pianiste. Cela m'a paru très mécanique, sans nuances, bref cela manquait d'interprétation... au point que les deux premiers nocturnes joués m'ont paru presqu'insupportables (en temps normal, je ne suis déjà pas très friand de Chopin, alors là...). Comme la première fois, c'est surtout le pas de deux du troisième couple qui m'a plu, tout comme la quatrième et dernière partie où ils reviennent tous.

Le dernier ballet présenté a été Symphony in Three Movements de Balanchine, sur une musique du même nom de Stravinski. Lors le premier mouvement de cette symphonie, j'ai souvent pensé au Sacre du printemps (un peu plus loin, on trouve aussi un duo de bassons !). Le pianiste de l'orchestre aurait probablement été meilleur que le soliste entendu dans In The Night... Pour ce qui est de la danse, cela m'a fait un peu penser à Rubis (Joyaux) du même chorégraphe. Cela fait assez plaisir de voir les ensembles de danseurs évoluer de façon homogène sur le plateau. Pour le reste, je ne sais pas ce que ce ballet raconte. Vu les costumes, cela pourrait être des jeux plus ou moins sportifs (une sorte d'aérobic) situés sur une plage...

Sans me plaire ou m'étonner autant que d'autres compagnies invitées ici ou là (Ballet du Théâtre Bolchoï, Ballet de Hamburg, Béjart Ballet Lausanne, Ballet national de Chine, Ballet royal du Cambodge), le Miami City Ballet m'a fait passer une bonne soirée et j'ai été content de découvrir deux autres ballets de Balanchine.

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Otello à Bastille (mise en scène comprise)

2011-07-05 00:37+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Je reviens de la première des représentations de cette série d'Otello où Tamar Iveri chante le rôle de Desdemona. J'ai déjà eu l'occasion de dire que je n'appréciais pas spécialement cette chanteuse. Pourtant, lors de la représentation de ce soir, j'ai vraiment apprécié son interprétation (qui semble tendre parfois à rapprocher Verdi de Puccini), nettement meilleure que celle de Renée Fleming... en particulier, dans la chanson du saule et la prière qui suit.

La mise en scène d'Andrei Serban est la meilleure des trois que j'ai vues de ce metteur en scène (après Lucia di Lammermoor et L'Italienne à Alger). Ce n'est pas extraordinaire, mais il y au moins quelques belles images, comme le feu de joie au premier acte. L'idée principale consiste à projeter des vidéos en surimpression sur les décors ou quelque grand voilage quand la situation le suggère ou quand des personnages ont des pensées en flashback. Au début, pendant la tempête, on voit ainsi des images que l'on aurait aussi bien pu voir au début du Tristan et Isolde avec les vidéos de Bill Viola. Cela dit, les feux d'artifice et les ciels bleus, à force, cela lasse un peu. Je ne sais pas exactement pourquoi j'aurais voulu que Otello étouffe Desdemona avec un oreiller, mais ici, il l'étrangle avec un voile blanc. Parmi les images frappantes : le décor de la chambre était complètement blanc, comme le costume de Desdemona lors de ce quatrième acte. La façon dont Otello transperce alors avec son épée des sortes de cloisons faites de voiles blancs encadrés était légèrement ridicule, mais la mise en scène ne m'a paru à aucun moment grotesque.

Grimé en Maure, Aleksandrs Antonenko est un peu plus crédible scéniquement que dans la version sans décor et accessoire. Cela dit, son rôle est assez statique. Vocalement, il m'a semblé un peu moins à l'aise que la première fois. Le Jago de Sergei Murzaev n'a tout simplement rien à voir avec celui de Lucio Gallo. Sa technique est toute différente, plus subtile que celle de Gallo, qui était cependant meilleur comédien.

Pour ce qui est de l'orchestre, même depuis une place acoustiquement moins favorable que la première fois (mon replacement ninja au fond du premier balcon de face n'a tenu que jusqu'à la fin du premier acte où on a fait entrer des retardataires), cela m'a semblé sublime. Encore une fois bravo au chef Marco Armiliato. Les instruments à vents ont sonné formidablement bien lors de leur ensemble au début du quatrième acte et l'entrée des cordes s'est faite sans rupture. C'est cette même continuité wagnérisante qui m'avait séduit lors de la fois précédente.

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Sayeeduddin Dagar à la Maison de l'Inde

2011-07-04 00:22+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Culture indienne

C'est un drôle de concert que celui qui a eu lieu en fin d'après-midi à la Maison de l'Inde et dont j'avais connu l'existence grâce à Klari. Il s'agissait d'un concert de Ustad H. Sayeeduddin Dagar, oncle de Ustad F. Wasifuddin Dagar que j'avais entendu il y a un mois (mais dont j'ai manqué le concert du 21 juin du fait de la grève dans les transports).

Cela a commencé en effet très bizarremment. Alors qu'on s'attendait à un Alap, le maître (72 ans) a commencé par un śloka dédié à Ganesh. Il avait dit avant dans un anglais difficilement intelligible qu'il commençait tous ses récitals ainsi. Il a ensuite repris un programme plus traditionnel par un raga d'après-midi (Marwa). Le problème, c'est que le son de sa voix ne portait pas jusqu'au jusqu'au quatrième rang de ce concert assez confidentiel (une trentaine de spectateurs). Le son des trois tanpuras était trop amplifié par rapport à la voix du chanteur. Il était vraiment impossible d'entendre ce que faisait le chanteur. Pendant plus d'une dizaine de minutes, il y avait vraiment de quoi se dire Au secours ! Qu'est-ce que je fais ici ?!.

J'ai été soulagé quand le réglage du son a été corrigé. Il a été possible de comprendre un peu mieux ce que faisait le chanteur. Cela m'a paru moins limpide que lors du concert de Wasifuddin Dagar, mais malgré la voix un peu fatiguée et une gorge parfois capricieuse, le chanteur a fait un beau développement. Il a parfois fait signe à un de ses étudiants de chanter un peu. Ce premier raga a duré environ quarante minutes. Il a été suivi du double raga Lalitha-Gauri, que contrairement au premier, il a été possible d'apprécier du début à la fin, pendant vingt-cinq minutes. Pendant cette partie, on a parfois vu le chanteur plaisanter sur son grand âge, dont résulterait quelques insuffisances, ou, lors d'une démonstration d'une technique vocale particulière, prononcer un aphorisme comme The pitch can go against the water.. On l'a parfois vu en quelque sorte s'amuser de devoir passer son tour en ratant le train du rythme imposé par le brillantissime percussionniste (Pandit Mohan Shyam Sharma, qui accompagnait aussi Wasifuddin Dagar).

Après une pause, la concert a repris. Il a expliqué qu'il était en conflit avec le percussionniste parce que pour jouer certain raga du soir, il lui faudrait davantage d'obscurité (actionner les stores n'y a rien fait, à 20h, c'était comme en plein jour). Le Raga Abhogi qui a été joué sur un rythme très lisible à 5+4+5=14 temps a été absolument sublime. Je n'ai pas vu le temps passer pendant ce développement. En jetant un coup d'œil à l'horloge, j'ai été stupéfié en découvrant qu'il avait duré 40 minutes.

Le rythme à sept temps du Raga suivant, Gumkali, a été plus difficile à saisir... C'est le seul morceau du concert dont j'aie compris quelques mots du śloka : Bhaje Damaru. Il devait donc probablement s'agir d'un vers dédié à Shiva (comme j'en avais entendu lors du récital de Gaayatri Kaundinya à Kolkata). Un quart d'heure plus tard, le public en redemandant, le chanteur a interprété le Raga Malkauns.

Sans atteindre les sommets du concert de Wasifuddin Dagar et malgré un début raté, cela restera sans doute un fort bon souvenir. Arriver à chanter pendant environ trois heures sans faire naître l'ennui, c'est déjà en soi très remarquable !

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L'Anatomie de la sensation à Bastille

2011-07-02 23:51+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

Je n'avais pas prévu d'aller à la création de L'Anatomie de la sensation, pour Francis Bacon de Wayne McGregor. Elle devait avoir lieu vendredi dernier, en même temps que la première de la reprise des Enfants du paradis. J'avais choisi cette dernière, mais les deux représentations ont été annulées en raison d'une grève des personnels de l'Opéra à propos de leur régime spécial de retraites.

La deuxième représentation, prévue samedi à 14h30, a également été annulée par manque de répétitions. Mon billet pour cette troisième représentation m'a donc permis, par hasard, d'assister à la création du ballet. Celle-ci a été retardé d'une bonne dizaine de minutes pour faire rentrer les nombreux retardataires (l'entrée dans l'Opéra Bastille n'étant pas facilitée les mesures de sécurité inquisitoriales associées à une manifestation qui avait lieu sur la place de la Bastille à propos de la Côte d'Ivoire).

Ce ballet ne m'a procuré aucune émotion. Ni adhésion, ni rejet. Juste un vide. La musique de Mark Anthony Turnage (1994) n'est pas extraordinaire non plus. Que ce soit dans la musique ou dans la chorégraphie, on ne voit pas du tout où cela mène. Dans la musique, quelques passages pas désagréables du tout grâce à la guitare électrique, mais cela ne fait que deux ou trois numéros sur les neuf parties de la partition et du ballet. La seule chose qui m'ait plu, c'est la scénographie. Le décor est constitué de deux grands panneaux blancs verticaux qui peuvent tourner. Ce serait plus précisément deux éléments comprenant chacun deux panneaux blancs reliés le long d'un côté commun (vertical), les panneaux formant un léger angle (qui est peut-être variable, je ne suis pas sûr d'avoir bien vu). Cela m'a laissé légèrement dubitatif au début, mais par la suite, les lumières et les rotations des panneaux ont créé de très belles configurations, dans lesquelles les danseurs passaient parfois de la lumière à la pénombre.

Autant chez Anna Teresa de Keersmaeker, on peut croire qu'il y a une organisation subtile derrière le désordre apparent, autant ici, tout semble aléatoire, comme passé par un générateur automatique de chorégraphies. Il y a bien eu quelques moments peu déplaisants, mais dans l'ensemble, je trouve que c'est assez mauvais. Comment un chorégraphe peut-il faire en sorte qu'on ait des difficultés à reconnaître Myriam Ould-Braham ?! Parmi les danseuses dont j'arrive à retenir quelques images de ce spectacle, il y a Marie-Agnès Gillot, Alice Renavand et Aurélie Dupont. (J'avais d'ailleurs pris cette place en plus de mon abonnement pour voir Aurélie Dupont qui revient dans cette série de représentation après un congé de maternité. On la voit en tout moins de dix minutes...)

J'avais mal lu la fiche de distribution et pensais que l'œuvre ne comportait que huit parties. Quand Alice Renavand et Josua Hoffalt ont terminé leur partie Crackdow, je pensais que c'était terminé. La neuvième et dernière partie Dispelling the Fears a été un quasi-supplice pour moi, parce que d'une part la musique me déplaisait franchement, et d'autre part il y avait un voile à l'avant-scène qui faisait qu'on ne distinguait plus grand'chose de ce qui se passait sur la scène (qui était faiblement éclairée).

Bref, c'est sans aucune doute ma plus mauvaise expérience de spectateur avec le Ballet de l'Opéra. La seule autre fois où j'étais sorti vraiment peu enthousiaste, c'était pour la soirée Amoveo/Répliques/Genus des chorégraphes Millepied/Paul/McGregor. Pourtant, ce soir-là, j'avais plutôt apprécié Genus...

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Götterdämmerung à Bastille (dernière)

2011-07-01 02:15+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

J'ai assisté ce jeudi à la dernière du Crépuscule des dieux à Bastille. Mon impression a été tout autre que la première fois. Cela tient peut-être moins à l'interprétation qu'à ma disposition physique. Lors de la matinée du 12 juin, j'étais souvent au seuil de l'endormissement. Ce soir, à la fin, après minuit, j'aurais pu sans problème enchaîner avec un autre opéra de Wagner.

Lors de cette dernière, je n'avais plus aucune attente vis-à-vis de la mise en scène. J'ai donc pu me concentrer sur la musique, délaissant même les sur-titres, et je ne me suis pas ennuyé une seule seconde. Du côté des voix, la distribution est sans failles. La Waltraute de Sophie Koch m'a ébloui. Pas de surprises avec Hans-Peter König (Hagen), tout simplement extraordinaire. Très bonnes prestations des autres chanteurs. J'attendais beaucoup de Katarina Dalayman (Brünnhilde). Si cela n'a pas été absolument parfait, je l'ai nettement préférée à Brigitte Pinter. Sa façon d'incarner le rôle m'a paru plus convaincante (dans les limites de la mise en scène de Krämer...). Sa voix m'a également semblé moins fragile. Si la scène finale ne m'a pas ému autant que je l'eusse espéré, il s'est trouvé d'autres moments qui m'ont procuré de bonnes émotions.

Du côté de l'orchestre, je peux retirer quelques uns des griefs qui étaient sans doute liés à une incapacité passagère d'écouter de la musique. Sans être uniformément enthousiaste du début à la fin, j'ai passé une très bonne soirée grâce à l'orchestre. J'ai retrouvé les sublimes clarinettes et hautbois dans l'interlude précédant la rencontre entre Waltraute et Brünnhilde. Le rappel par les violoncelles des adieux de Wotan dans cette scène m'a paru très émouvante. La mort de Siegfried a été superbe, tout comme les réminiscences qui avaient précédé (comme la reprise des motifs associés à l'Oiseau par l'orchestre et Siegfried). Le langage des motifs m'a été intelligible tout du long. Cependant, je n'ai pas été emballé par certains débuts de phrases des cuivres, en particuliers des cors, notamment quand ils ont repris le motif du Rhin. À la fin, les premières apparitions du motif de la Rédemption par l'Amour m'ont semblées un peu disgracieuses (parce qu'à moitié camouflées par le reste de l'orchestre). Toutefois, contrairement à ce qu'il m'avait semblé entendre lors de l'autre représentation à laquelle j'ai assisté, la dernière occurrence de ce motif a été très majestueuse.

Événement rare, le parterre a fait une véritable standing ovation aux artistes.

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Kaushiki Chakrabarty au Théâtre de la Ville

2011-06-26 21:54+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Culture indienne

Je n'avais pas réécouté les enregistrements des concerts de Kaushiki Chakrabarty il y a trois ans lors des Vingt-quatre heures du râga. Ce n'était pas vraiment la peine puisque lorsqu'elle a commencé à chanter cet après-midi, j'ai retrouvé les sensations produites par son style. Au fur et à mesure que l'on avançait dans la première composition (Raga Madhuvanti), quand elle introduisait une nouvelle technique d'ornementation ou d'improvisation, je me sentais comme en terrain connu, quoique déserté depuis trois ans.

Cette première composition a duré un peu moins d'une heure. C'est cette partie du concert que j'ai préférée. Après d'austères vocalises (très ornementées), les percussions sont entrées en douceur. Je n'ai pas du tout compris le vers qui a été chanté et à partir duqeul la chanteuse a improvisé, mais elle a fait preuve d'une technique éblouissante, notamment dans les passages solfiés, où sur un rythme fou, elle prononçeait le nom des notes chantées. Elle a en fait utilisé toutes sortes de techniques différentes, les combinant parfois dans le même mouvement.

Dans cette première pièce, j'ai cependant été plusieurs fois mal à l'aise du fait des multiples incompréhensions qui se sont fait voir et entendre entre la chanteuse et le tabliste.

Après un tel développement, il m'a été difficile de me remettre dans l'atmosphère de la double pièce suivante (Raga Kedar). Après ces pièces de style khyal, Kaushiki Chakrabarty a chanté un thumri (Raga Pilu), une lamentation amoureuse. Au bout d'environ deux heures, le concert s'est terminé par un très beau Bhajan (Raga Bhairavi ?).

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Il Postino au Châtelet

2011-06-21 01:18+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Je reviens de la première française de l'opéra Il Postino adapté du film du même nom qui était lui-même adapté du livre Ardiente Paciencia d'Antonio Skármeta. Il s'agit d'une fiction imaginée à partir de la vie de Pablo Neruda. Pendant son exil en Italie au début des années 1950, il se serait lié d'amitié avec un postier, Mario, dans lequel il aurait fait naître un intérêt pour la poésie.

Neruda est avec Matilde. Mario séduit Beatrice, mais sa tante Donna Rosa veille. Il vont se marier, mais Mario va mourir lors d'une manifestation communiste qui dégénérera. Pendant ce temps, Neruda sera rentré au Chili, semblant oublier les moments passés avec eux en Italie. Quand il reviendra, il ne retrouvera que Beatrice et son fils, appelé Pablito en hommage au poète. (En trame de fond, il y a aussi un contexte politique de promesses électorales, qui, dans cette localité, tourne autour de la construction d'un réseau d'alimentation en eau digne de ce nom.)

Cette production d'opéra m'a semblé assez peu intéressante. Malgré un hautbois quelque peu défectueux, on passe plutôt un bon moment avec une musique douce aux oreilles (nonobstant l'utilisation du piano comme instrument à percussions). La musique créée une atmosphère, mais elle ne semble former qu'un arrière-plan pour les voix. La façon dont les voix chantent (en espagnol) fait beaucoup penser aux opéras de Puccini (en particulier La Bohème). J'ai trouvé que cela sonnait vraiment trop à la manière de, même si ce n'est pas particulièrement désagréable (je ne snobe pas Puccini !).

Du côté des chanteurs, Plácido Domingo (Neruda) a encore de beaux restes ! et dans le rôle de Mario, Charles Castronovo est véritablement excellent. Je ne l'avais entendu jusqu'à maintenant que dans Mireille. Je suis moins convaincu par les deux sopranos Cristina Gallardo-Domâs (Matilde) et Amanda Squitieri (Beatrice) qui ont des voix puissantes, mais dont j'ai trouvé les aigus assez déplaisants.

La mise en scène est assez triviale. Il y a un certain gâchis dans l'utilisation des décors et accessoires. Toutes les cinq minutes environ, on vient déplacer des accessoires pour en remettre d'autres ou on fait un précipité pour installer un nouveau décor qui servira pendant cinq minutes. L'idée est sans doute de faire quelque chose d'un peu cinématographique (on note quelques travellings avant de décors de l'arrière de la scène vers l'avant). Enfin, bref, ce n'est pas très convaincant.

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Gangâ à Sucy-en-Brie

2011-06-19 23:31+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Danse — Culture indienne

Je suis retourné au festival de l'Oh ce dimanche après-midi. Cette fois-ci, c'est à Sucy-en-Brie, à un kilomètre environ de la station de RER. J'arrive un peu avant une conférence-débat Les paysans indiens face aux techniques modernes avec Esha Shah, ingénieure environnementale et anthropologue, qui s'est intéressée au phénomène du suicide des paysans en Inde. Dans son exposé, elle a présenté quelques aspects de la Révolution verte en Inde, entreprise à partir du milieu des années 1960. Elle a expliqué que paradoxalement, ce ne sont pas les paysans les plus pauvres qui se suicident : ce sont plutôt ceux qui, ayant terrains, machines et main d'œuvre, n'arrivent plus à exporter du fait de la concurrence internationale et ne parviennent plus à rembourser leurs dettes. Des expérimentations prometteuses ont été faites pour retourner à une agriculture sans pesticides, mais cela reste encore très minoritaire.

La dernière représentation du spectacle Gangâ a lieu ensuite. Le décor s'inscrit dans le cadre naturel de ce bord de Marne. Avant la représentation, les danseuses balayent le praticable en bois avec des balais de brindilles typiquement indiens. Au piano électronique, Alain Kremski, dont j'avais tant aimé Melancolia créé à Pleyel il y a un mois, se dégourdit les doigts en jouant quelques mesures de la Première Gymnopédie (Satie).

Le spectacle commence. Il met en scène trois danseuses en kurta-pyjamas (jaune, bleu et rouge) et un récitant-poète. Le texte, quasiment chuchoté, est une poésie rimée évoquant la Gangâ dans un style dépouillé et hermétique. Il ne m'en reste presqu'aucun souvenir, si ce n'est une énumération de villes et villages où passe la Gangâ (ou certains de ses affluents, puisque Kedarnath apparaissait dans cette liste). À de nombreux moments, vu l'extrême lenteur des mouvements, on est vraiment à la limite de la danse. Il faut quand même noter la difficulté qu'il doit y avoir à maintenir certaines postures pendant de longues secondes, alors que le vent s'immisce dans cette représentation en plein air.

La chorégraphe Brigitte Chataignier (que j'avais trouvée plus convaincante en danseuse de mohiniattam) utilise dans sa chorégraphie contemporaine des éléments issus des danses indiennes : mouvements rythmiques des pieds, langage des mains et des bras (évocation des poissons, des éléphants, etc). Curieusement, quand elle prend une posture qui ne peut vraisemblablement être que celle de Shiva-Nataraja, son bras gauche est orienté vers le bas alors qu'usuellement, il serait être tourné vers la droite, quasi-flasque, faisant penser à une trompe d'éléphant. Dans une scène parlée (mais inaudible) dans une langue indéterminée, il semble que les danseuses reproduisent une scène de lavandières travaillant au bord de la rivière. Plus loin, on les verra danser de façon plus enjouée sur une musique enregistrée Bollywood, circa 1950 ; ce sera le seul passage que l'on pourrait qualifier de pas de trois.

Parmi les moments saisissants, celui où la danseuse en bleu Hélène Marionneau trempe sa longue chevelure dans un mini-bassin carré placé au fond de la scène, puis se dresse, projetant ses cheveux vers l'arrière, décochant de multiples gouttelettes. La troisième danseuse (en jaune) Mallika Thalak m'a semblé particulièrement à l'aise avec les éléments de la chorégraphie provenant du bharatanatyam, en commençant par un port de tête exquisement gracieux.

La réalisation sonore de Denis Gambiez reproduit l'ambiance de scènes réelles enregistrées au bord de la Gangâ. J'ai trouvé que cela avait une importance un peu trop grande par rapport à la musique interprétée par Alain Kremski. Celle-ci se termine tout en beauté par l'utilisation de bols chantants, des instruments à percussions tout en résonance.

Globalement, le spectacle m'a un peu plu, mais sans m'enthousiasmer au plus haut point.

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Otello à Bastille

2011-06-18 18:04+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Une grève à l'Opéra a fait que cette représentation de l'Otello de Verdi s'est faite sans décors. Le mouvement devait être plus étendu que d'habitude puisque les chanteurs n'avaient à leur disposition aucun accessoire. En sus, parmi eux, il y en avait au moins deux qui ne jouaient pas (Otello et Desdemona). Scéniquement, c'était bien en dessous de ce qui se voit dans les représentations d'opéras annoncées à l'avance comme étant en version de concert. Lors de la dernière série de représentations de L'Italienne à Alger, j'avais trouvé que la version sans décors avec mise en scène improvisée était meilleure que la version normale (mise en scène par Andrei Serban). Je n'ai pas encore vu sa mise en scène d'Otello, je pourrai comparer plus tard...

Le renoncement d'un certain nombre de spectateurs m'a permis, avec d'autres, de bénéficier d'un replacement de première catégorie au premier rang centré du premier balcon.

Du côté de la musique (l'orchestre de l'Opéra dirigé par Marco Armiliato), j'ai trouvé cette représentation sublime. Les sonorités de l'orchestre passent par de nombreux états au cours de l'opéra, les orchestrations des différents moments étant très variées, chacune convenant aux sentiments ou à la situation particulière. Dans la mise en musique du texte, on trouve peu de passages que l'on pourrait qualifier d'airs. On observe au contraire une grande continuité dans la musique, dont la tension ne retombe jamais. Bref, c'est assez wagnérien... L'atmosphère d'une phrase musicale confiée aux violoncelles me fait d'ailleurs penser à un passage similaire dans le premier acte de La Walkyrie. On trouve même des motifs, en tout cas au moins un, utilisé au dernier acte comme réminiscence de l'amour d'Otello et Desdemona avant que la jalousie n'y fît obstacle. Parmi les moments très forts, j'ai apprécié l'utilisation des contrebasses pour accompagner l'entrée en scène d'Otello alors qu'il va commettre l'irréparable.

S'il avait été un peu plus comédien, j'aurais été totalement convaincu par Aleksandrs Antonenko (Otello). Le jeu de Renée Fleming (Desdemona) a été également très en retrait, mais je n'ai pas beaucoup apprécié sa voix, qui quoique dotée d'un joli timbre, m'a semblée assez inconstante et peu puissante. Mon impression négative sur la première partie de la représentation s'est cependant un peu améliorée dans les deux derniers actes. J'ai lu beaucoup de commentaires assassins sur le baryton Lucio Gallo (Jago). Moi, je l'ai trouvé très bien. C'était aussi le seul à véritablement jouer son rôle, qui est tout en duplicité.

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“Rencontres avec le Gange”

2011-06-15 02:57+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Danse — Culture indienne

À la suite de deux exposés épuisants (51 transparents en deux heures) et bien que faisant ainsi je manquais le cocktail de cette école d'été (sic), je me suis précipité à Maisons-Alfort pour aller écouter une conférence à propos de la Ganga comme me l'avait suggéré un des organisateurs, par ailleurs lyricomane.

La conférence a lieu au Moulin Brûlé, situé sur l'île de Charentonneau au bord de la Marne. Elle est précédée par deux programmes culturels.

Cela commence par un Raga de la saison des pluies (la post-traduction en français a été plus que fantaisiste sur ce point-là !) : Raga Desh, interprété au sarod par Sanjip Dasgupta, originaire de Kolkata. Le début fait penser à une traduction dans cet instrument de ce qui se fait dans la musique vocale hindustani. Pendant la première partie, les suites de notes jouées commencent systématiquement par les mêmes deux premières notes (du grave vers l'aigu). Les notes suivantes se compliquent au fur et à mesure que l'on avance. L'interprète utilise une technique élaborée de vibrato. Dans la musique carnatique, j'ai très souvent vu des violonistes jouer une note, puis faire monter le son vers l'aigu ou le grave en faisant glisser amplement le doigt de la main gauche vers le haut ou vers le bas. Il me semble que le geste n'était jamais que dans une seule direction. Ce que fait l'instrumentiste de ce soir est plus évolué : après avoir fait vibrer la corde, il peut déplacer le doigt dans une direction pour faire baisser la hauteur, puis, sans relancer la vibration de la corde, faire repartir son doigt dans l'autre direction. Plus tard, l'interprétation se fait plus virtuose et le musicien est rejoint par un tabliste (que la faible amplification de l'instrument ne permettra pas véritablement d'entendre). La sonorité du sarod (que je n'avais entendu qu'au disque) est une très belle découverte.

Ensuite, la danseuse Brigitte Chataignier entre en scène pour interpréter deux courtes pièces de Mohiniattam, la danse traditionnelle féminine du Kerala (que je n'avais vue qu'une fois lors des vingt-quatre heures du Raga). Comme il m'avait semblé la première fois, les mouvements et posture des mains rappellent ceux du bharatanatyam. Les pieds semblent avoir essentiellement un rôle rythmique (grelots aux chevilles), l'essentiel étant fait par le haut du corps. On est très loin de la recherche d'effets et de vitesse que l'on observe parfois dans le bharatanatyam. De façon amusante, il semble que comme dans la danse/théâtre du Kerala, le kathakali, un effort particulier soit porté sur l'expression faciale, par le contrôle le plus individualisé que possible des muscles faciaux (permettant de faire bouger un sourcil en maintenant le reste du visage impassible...). La première pièce était sur le Raga Cakravaka et se finissait par une prière à Shiva et Parvati, des divinités qui ont été presque furtivement évoquées dans la chorégraphie.

La deuxième pièce est un Padam (Raga Ahari ?). L'annonce du thème m'a presque fait sursauter tant il est typique : une femme se languit de Vishnu auprès de sa confidente (le Dieu est désigné par un nom inconnu de moi, peut-être parce que c'était en malayalam ?). Ce dernier sera évoqué dans la chorégraphie sous la forme où on le voit couché sur l'océan cosmique. Quand le dieu Kama lui lancera des flèches, on se serait cru dans Armide et Renaud, ballet à l'intérieur du ballet Flammes de Paris. La femme se fera ensuite aussi belle que possible pour aller à la rencontre du Dieu. Cette danse étant lente et dépourvue de spectaculaire, il me semble a priori extrêmement délicat de l'interpréter de façon convaincante. Pourtant, j'ai été assez convaincu par cette danseuse.

La conférence, qui devrait être faite par Veer Bhadra Mishra, est faite par un autre responsable de la Sankat Mochan Foundation : Prof. S. N. Upadhyay. Il commencera par expliquer le sens religieux de la Ganga pour les hindous (expliquant curieusement que les habitants de Varanasi n'en sont pas, puisqu'ils pratiqueraient le Sanatana Dharma). Sur les transparents de la présentation, on peut lire un certain nombre de śloka sanskrits avec ou non une traduction en anglais. (Il y avait une traduction simultanée en français sur écouteurs, mais j'ai préféré écouter la VO.) Du côté de la mythologie, il a fait référence à la légende suivante qui est notamment racontée dans le premier livre du Rāmāyaṇa (pour plus de détails, voir mon résumé...) :

Ils se dirigent maintenant vers Mīthilā, le royaume de Janaka. Durant ce trajet, Viśvāmitra raconte de nombreuses histoires, notamment celle de la traversée des mondes de la Gaṅgā pour rejoindre l'océan. Le roi Sagara avait obtenu de Bhṛgu une nombreuse descendance par ses austérités : sa première épouse eut un fils Asamañja et sa deuxième épouse préféra donner naissance à soixante mille fils. Sagara voulut célébrer un sacrifice de cheval, mais Indra vola le cheval, ce qui devait plonger Sagara dans le malheur. Il demanda à ses fils de retrouver le cheval : ils parcoururent la surface de la terre, puis creusèrent, creusèrent, à tel point que la terre (identifiée à l'épouse de Viṣṇu) se mit à crier. Aux extrémités des mondes souterrains, ils rencontrèrent les énormes éléphants gardiens des points cardinaux. Mais Brahmā avait tout prévu : les soixante mille fils de Sagara devaient être brûlés par l'ardeur de Viṣṇu qui avait pris la forme du sage Kapila. Le petit-fils Aṃśumān de Sagara par Asamañja était un homme bon, son grand-père lui donna la mission de retrouver ses soixante mille oncles et de retrouver le cheval du sacrifice. Il fallait procéder aux rites funéraires de ces soixante milles hommes ; la solution fut trouvée par Bhagīratha, le petit-fils d'Aṃśumān : satisfait de son ascétisme, Brahmā fit tomber les eaux de Gaṅgā sur la chevelure de Śiva. Guidée par Bhagīratha, Gaṅgā finit par s'écouler sur la terre et atteindre l'océan et les mondes souterrains pour submerger les cendres des fils de Sagara.

L'embouchure de la Ganga, au Sud de Kolkata, est justement voisine de l'île de Gangasagar. Il s'y trouve un temple qui fait référence à cette légende (mais je n'ai pas encore eu l'occasion d'y aller). C'est aussi pour cette raison qu'une des deux rivières qui confluent à Devprayag pour former la Ganga s'appelle la Bhagirathi.

Il a expliqué l'état désastreux de pollution de la Ganga (et du Varuna et de l'Assi) autour de Varanasi, la principale source de pollution étant les nombreuses évacuations d'égoûts directement raccordées au fleuve. Il a expliqué le projet de sa fondation de construire une canalisation passant sous les ghats et dans laquelle les égoûts se déverseraient plutôt que dans le fleuve, cette canalisation acheminant les eaux usées jusque sur un terrain situé au Nord Est de la ville (au prix peut-être du détournement d'un petit bras du fleuve, je ne suis pas sûr d'avoir bien compris), ce terrain (appartenant au gouvenement) pouvant accueillir un certain nombre de bassins de décantation et de retraitement (par des moyens naturels). La raison pour laquelle Veer Bhadra Mishra n'était pas présent était justement qu'il devait discuter auprès du gouvernement central de ce projet. Un autre projet-test de retraitement des eaux usées a également été évoqué : sous-dimensionné, il sera situé en amont du fleuve, non loin de la Banaras Hindu University.

Le Festival de l'Oh (centré cette année autour de la Ganga) continue ce week-end...

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Götterdämmerung à Bastille

2011-06-13 00:16+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Épisodes précédents :

• Das Rheingold ;
• Die Walküre ;
• Siegfried.

Comme je l'avais fait pour le prologue et les deux premières journées du festival scénique du Ring, voici un résumé de la dernière. Dans le prologue du Crépuscule des Dieux, trois nornes se lamentent sur les fautes commises par Wotan : il a bu à une source, il a fait tomber le frêne du monde, il a dompté le feu Loge. Elles annoncent l'incendie du Walhalla. On retrouve ensuite Siegfried et Brünnhilde là où on les avait laissés à la fin de Siegfried. On assiste à une scène d'adieux, Siegfried s'en allant pour de nouveaux exploits. Il laisse à Brünnhilde le soin de conserver l'anneau.

Au début du premier acte, de nouveaux personnages (Gibichungen, vivant au bord du Rhin) préparent un mauvais tour à Siegfried. Hagen, fils d'Alberich, voudrait que Gutrune et Gunther se marient. À Gunther, il vante les mérites de Brünnhilde, mais il dit aussi qu'elle réside dans un lieu inaccessible pour lui. La seule solution est que Siegfried aille l'y prendre pour lui. En échange, on lui donnera la main de Gutrune. (Ce qui intéresse Hagen, c'est bien sûr l'anneau !) Comme par hasard, Siegfried passe par là, on lui sert quelque breuvage enchanté, et il tombe immédiatement sous le charme de Gutrune. Il a complètement oublié Brünnhilde. Il accepte d'aller la chercher en prenant les traits de Gunther grâce au pouvoir du Tarnhelm. De leurs sangs mêlés, Gunther et Siegfried scellent un pacte. Mort à celui qui viendrait à le rompre. Nous sommes de retour au rocher de Brünnhilde, où celle-ci reçoit la visite de Waltraute, une autre Walkyrie. Les deux femmes ne peuvent se comprendre. Waltraute voudrait qu'elle rende l'anneau aux filles du Rhin, mais pour Brünnhilde, ce serait trahir Siegfried. C'est celui-là-même qui vient la trahir, comme il a été manigencé plus haut. Il lui arrache l'anneau des mains. Ils passent la nuit ensemble, mais l'honneur selon Siegfried est sauf puisqu'ils sont séparés l'un de l'autre par l'épée Notung.

Au début du deuxième acte, Alberich vient attiser les désirs de Hagen, l'incitant à tuer Siegfried. Plus tard, Siegfried, précédant Gunther et Brünnhilde revient chez les Gibichungen. Il explique à Hagen et Gutrune ce qui vient de se passer. On s'apprête à célébrer l'union de Gunther et Brünnhilde et de Gutrune et Siegfried. Quand le nom de Siegfried est prononcé, Brünnhilde comprend qu'elle a été trahie (pour l'enlever, Siegfried avait pris la forme de Gunther, elle ne pouvait donc pas le reconnaître, mais d'un autre côté, elle avait la promesse de Wotan que seul un vaillant héros pourrait traverser les flammes pour la rejoindre...). Brünnhilde décide de provoquer la zizanie. Elle s'étonne que ce soit Siegfried qui porte l'anneau à son doigt, vu que c'est Gunther qui est censé l'avoir enlevée. Siegfried est persuadé d'être tout ce qu'il y a de plus honorable, il ne comprend pas ce que dit la femme de Gunther. Ces paroles déclenchent la colère de Gunther, qui est attisée encore davantage par Hagen. Avec Brünnhilde, ils décident de tuer Siegfried. Elle leur indique que la seule manière est de l'atteindre dans le dos. Par égard pour Gutrune, on décide de faire passer le meurtre pour un accident de chasse.

Au troisième acte, lors de la chasse, Siegfried s'est détaché du groupe. Il se retrouve au bord du Rhin et rencontre les trois filles du fleuve. Celles-ci chantaient, espérant voir arriver celui qui leur rendrait l'anneau. Elles lui expliquent que l'anneau est maudit et que la seule manière de lever cette malédiction est qu'il leur donne l'anneau. Lui explique qu'il n'a pas appris la peur. Elles lui annoncent qu'il va mourir le jour-même. À un moment de la discussion, il offrirait bien l'anneau contre l'amour d'une des filles du Rhin, quoique ce soit inconvenant vis-à-vis de Gutrune. Après quelques hésitations, Siegfried garde finalement l'anneau. Hagen, Gunther et les autres chasseurs le rejoignent. On discute, on discute. Siegfried se retrouve à raconter son enfance... Il en vient à expliquer qu'il a obtenu la faculté de comprendre le langage des oiseaux en tuant le dragon Fafner. Il raconte ce que l'oiseau lui avait chanté dans Siegfried. Pour lui faire retrouver encore un peu mieux la mémoire, on lui faire boire un nouveau breuvage. Il prononce avec ardeur le nom fatidique de Brünnhilde. Hagen le tue d'un coup de lance dans le dos. Dans la dernière scène, on rentre de la chasse. Gutrune est inquiète. Serait-il arrivé quelque chose à Siegfried. On n'arrive pas à lui cacher longtemps la vérité. Elle se lamente du malheur apporté par Brünnhilde. Celle-ci demande qu'on dresse un bûcher funéraire. Avant de s'y jeter, elle lance un trait enflammé en direction du Walhalla... Le Rhin envahit les lieux. Les filles du Rhin s'emparent de l'anneau. Devenu fou, Hagen se précipite désespérémment dans le Rhin pour tenter de récupérer l'anneau, en vain.

Du côté de la mise en scène de Günter Krämer, si celles de Das Rheingold et de Die Walküre m'avaient déplu et si celle de Siegfried m'avai semblée assez satisfaisante, il y avait dans tous les cas de la matière (avec laquelle on pouvait ou non être en accord). Dans Götterdämmerung, il n'y a strictement rien et tout est extraordinairement statique. On n'observe aucune cohérence d'ensemble entre les quatre volets de la tétralogie, ou si on avait pu croire qu'il y en avait une, le metteur en scène montre que ce n'était qu'une vaste plaisanterie. Le fameux grand escalier qui reliait la terre au Walhalla reparait ici il me semble deux fois. Une fois quand Waltraute descend pour rencontrer Brünnhilde. C'est normal. Plus loin, le même escalier fait office de gradins pour le chœur en rang d'Oignon qui accueille l'arrivée de Gunther et Brünnhilde. Un troisième lieu de villégiature a été donné à Brünnhilde. Alors qu'on l'avait quittée sous une simple table dans Die Walküre, elle avait reparu couchée sur le grand escalier, légèrement en hauteur. Dans ce dernier volet, on la retrouve dans un nouveau lieu avec néanmoins toujours ladite table. Quand Waltraute viendra la voir, il y aura encore eu des changements, des meubles ayant été ajoutés faisant de Brünnhilde une parfaite bourgeoise.

Les Nornes sont habillées de sobres robes noires. Dans la deuxième partie du prologue, elles restent immobiles au fond de la scène. Vers la fin, elles passent par dessus leur robe le costume hideux des Filles du Rhin vu dans Das Rheingold. Quelques secondes plus tard, elles retrouvent leur costume précédent et font cependant quelques mouvements ondulatoires avec les mains derrière un grand écran vertical transparent où s'animent des images fluviales. Pourquoi pas. Mais pourquoi donc s'en vont-elles à peu près précisément au moment où les motifs présents dans la musique se mettent justement à évoquer le Rhin (Siegfrieds Rheinfahrt). À ce moment-là, un ballet ridicule est exécuté par des hommes habillés en femmes qui disposent des tables et des bancs (dont on ne fera aucun usage plus tard).

Le grand écran électrique transparent devient le principal ingrédient scénographique de cette production. Cela fait d'ailleurs un peu peur dans la première partie quand on voit ce haut échafaudage tourner avec tout le décor autour d'un axe tandis que les nornes s'avancent. À la fin de l'opéra, avant la réapparition des filles du Rhin, il n'y a en scène que Brünnhilde, le grand écran et le corps de Siegfried. La scène m'a paru bien ennuyeuse... Elle se termine en pied de nez : sur l'écran apparaissent des images d'un jeu vidéo style Doom où il faut dégommer le maximum de dieux.

L'autre trouvaille a été de faire de Hagen un personnage en fauteuil roulant, plus ou moins manipulé par Alberich, qui, scandâââle, prononce les dernières paroles de l'opéra : Zurück vom Ring!, alors que ce sont les derniers mots de Hagen dans le livret.

Il y a peut-être une scène qui est à peu près réussie : celle où Siegfried prend la forme de Gunther grâce au Tarnhelm pour enlever Brünnhilde. Les interprètes de Siegfried et Gunther sont tous les deux en scène, Siegfried posté derrière Gunther en tenant le Tarnhelm devant lui pour dissimuler son visage à la vue de Brünnhilde. On pourrait penser que pour le metteur en scène, seul Siegfried est présent et Gunther n'est qu'une marionnette (incapable de faire du lip synch) apparue par le pouvoir du Tarnhelm, mézalor il est étrange que les interprètes de Brünnhilde et Gunther se retrouvent couchés collés l'un contre l'autre tandis que de l'autre côté de la scène Siegfried jure devant Notung qu'il reste à l'écart de l'épouse de Gunther. Ou bien il faut penser que Gunther est aussi présent avec Siegfried, mézalor on contredit la suite du livret puisque Gunther n'est censée rencontrer Brünnhilde que le lendemain.

Parmi les autres bizarreries, dans les moments qui précèdent le meurtre de Siegfried, celui-ci refuse de prendre le breuvage (du whiski probablement) que lui tend Hagen. Comment retrouve-t-il la mémoire sans ça ?

Pour moi, des quatre mise en scène que l'on a vu dans ce cycle, c'est indiscutablement celle qui est la plus ratée.

Du côté de la musique, alors que j'avais été véritablement enchanté par la prestation de l'orchestre dans Siegfried, je sors de cette représentation relativement déçu. Il s'est trouvé un certain nombre de passages où j'avais l'impression qu'il y avait des hésitations au démarrage et d'autres où des phrases musicales m'ont paru méconnaissables (exemples : motifs des Gibichungen, du meurtre, de la rédemption par l'amour), en tout cas moins claires que ce à quoi je suis habitué. Cette impression générale est peut-être liée au fait qu'il soit beaucoup fait usage des cuivres dans cet opéra. Parmi les bonnes choses, il y a eu les fabuleuses interventions des clarinettes puis des hautbois reprenant le motif de Brünnhilde, repris par l'orchestre et culminant en un rappel du Salut au monde avant l'entrevue de Brünnhilde avec Waltraute. Dans la marche funèbre de Siegfried, on a entendu un fort beau déploiement de décibels. (À noter aussi, cela dure une demi-heure de plus que la version Boulez/Chéreau !)

Du côté des voix, presque tous les rôles me semblent fort bien interprétés. Hans-Peter König est superbe en Hagen, comme Iain Paterson en Gunther. J'ai aussi aimé les Filles du Rhin, les Nornes, Gutrune, Waltraute. Même Torsten Kerl (Siegfried) que j'avais eu du mal à entendre dans Siegfried passe sans souci la rampe.

Mon principal problème avec cette représentation vient de l'interprète de Brünnhilde, Brigitte Pinter, qui a dû remplacer Katarina Dalayman (souffrante). Conditions peu idéales pour une prise de rôle ! J'ai été gêné par la voix un peu fatiguée qui ne tient pas toujours jusqu'au bout des phrases et qui est parfois recouverte par l'orchestre. Cela n'admet pas vraiment d'explication rationnelle et cela ne se commande pas, mais je suis très étonné de n'avoir absolument pas été ému par la scène finale.

PS : Mon avis sur l'orchestre s'est bonifié lors de la dernière représentation.

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Wasifuddin Dagar à l'Institut des Cultures d'Islam

2011-06-06 00:54+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Culture indienne

Deuxième concert de dhrupad de ma vie après celui des Gundecha Brothers à la fin des Vingt-quatre heures du râga en 2008. C'est grâce à Klari que j'ai eu connaissance de ce concert à l'Institut des Cultures d'Islam. Nous n'avons pas très bien compris comment il eût fallu faire pour réserver. Comme c'était gratuit, on a été suffisamment gentil pour nous laisser entrer et nous installer sur des petits coussins au deuxième rang, le public plutôt fourni s'étant assis comme nous sous le dais transparent abritant la scène ou ayant trouvé un banc ou une chaise auprès des tables situées tout autour. Ce sentiment des minutes précédentes de ne pas savoir si je pourrais assister au concert m'a fait penser aux expériences semblables que j'ai faites en Inde : voir le jour-même l'annonce d'un programme potentiellement intéressant dans un lieu inconnu, noter l'adresse, essayer de trouver un moment au cours de la journée pour aller sur Internet pour récupérer des informations éventuelles sur le lieu, passer des coups de fil pour voir si c'est payant ou non, s'il faut réserver avant de venir, estimer le temps nécessaire (voir large) pour s'y rendre, se perdre en chemin, le retrouver et apprécier un concert inoubliable comme celui de Gaayatri Kaundinya lors de mon dernier séjour à Kolkata.

Le chanteur Ustad F. Wasifuddin Dagar sera accompagné par le percussionniste Pandit Sharma (pakhawaj) et de deux tanpuras actionnés par deux femmes. Je n'ai jamais été aussi près de ces instruments, à l'impressionnante caisse de résonance. De plus, bien que nous soyons en plein air dans une cour, la sonorisation, qui mettra un certain temps à être réglée, est très légère. Ceci fait que l'on a pu entendre très clairement le son des tanpuras lorsque l'Ustad les a accordés. Cela doit d'ailleurs être un des premiers concerts de musique indienne sans tanpuras électroniques auxquels j'assiste.

Le raga interprété pendant la première partie du concert est Multani. Avant de commencer, Wasifuddin Dagar a bredouillé une explication pas très nette sur le sens du vers qu'il utiliserait dans la composition. Bien qu'il soit musulman, le vers utilisé provient de la mythologie hindoue. Je comprends juste qu'il est à la fois question de Hari (nom de Vishnu, souvent attribué à son avatar Krishna, qui est aussi appelé Giridhar, celui qui porte la montagne (pour protéger les bouviers des pluies diluviennes déclenchées par Indra à ceux qui ne voulaient pas lui rendre de culte), voyez cette photographie d'une représentation à Vrindavan) et de Har(a) (nom de Shiva, dont le chignon tressé amortit la descente de la rivière Ganga, voir par exemple le kitschissime jet d'eau vertical qui sort des cheveux de cette statue de Shiva dans le temple Shri Durgiana à Amritsar ou la petite tête qui dépasse du sommet du chignon sur cette photographie prise lors d'une cérémonie du soir au bord de la Ganga à Rishikesh).

Après une présentation de la gamme qui serait utilisée, le concert proprement dit a commencé. Je ne sais pas exactement combien de temps a duré cet Alap ; je dirais au moins une demi-heure ! Avec le seul accompagnement des tanpuras, le chanteur a laissé les différentes notes entrer progressivement dans le système. Le tout a été fait avec une douceur extrême seulement perturbée par quelque bruit de klaxon ou de moteur dans les environs qui ont fait poindre quelque sourire au bord des lèvres du musicien. Il se montre capable de tenir une note pendant une durée invraisemblable tout en faisant un decrescendo poussé jusqu'au complet évanouissement de la note. Il me semble aussi entendre des ornementations dans lesquelles le chanteur fait varier très légèrement la hauteur du son autour de la note juste.

Le percusionniste entre ensuite en action. J'ai été surpris par le rythme frénétique de sa première intervention, se superposant à la pulsation plus modérée du chanteur. Pourtant, les deux musiciens m'ont semblé jouer ensemble en bonne intelligence. Le chanteur passe des vocalises au texte du vers. Dans un premier temps, les phrases musicales paraissent assez régulières. Dans un deuxième temps, le chanteur et le percussionniste laissent se développer leur sens de l'improvisation. Les phrasés sont souvent très fluides, parfois plus hachés. Toutes sortes de techniques vocales sont utilisées, comme la nasalisation bouche fermée. Un silence respectueux accompagne le moment où la dernière note s'éteint, suivi d'applaudissements enthousiastes.

J'ai beaucoup aimé ce raga qui aura été développé sur un peu plus d'une heure. La maîtrise du pppp par le chanteur est stupéfiante. Les techniques d'improvisation m'ont paru moins éblouissantes que celles de la sus-nommée Gaayatri Kaundinya (chant khyal) qui reste ma référence en la matière. Dans la séance de questions-réponses avec le public qui a suivi l'entr'acte, il a notamment expliqué que dans la tradition d'interprétation à laquelle il appartient (Dagarvani), les phrases musicales ressemblent plus à des phrases d'une voix naturelle, par opposition à d'autres styles comme le khyal où ce serait plus découpé. Dans toutes ses réponses, il a fait preuve d'un certain sens de l'humour. Un autre raga, Bhupali, a été joué pour conclure le concert : on est entré beaucoup plus vite en matière et cela a été malheureuseument assez court, faute de temps.

Wasifuddin Dagar chantera au même endroit le 21 juin prochain...

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L'Orchestre des Concerts Gais au Temple des Batignolles

2011-05-29 03:30+0200 (Orsay) — Culture — Musique

J'ai assisté samedi soir au temple des Batignolles à un concert de l'Orchestre des Concerts Gais. Full disclosure : que l'orchestre ait parmi ses membres Djac Baweur, Klari et Zvezdo a de quoi tempérer quelque peu mon impartialité. Bien que l'on n'aille évidemment pas voir un orchestre amateur dans le même état d'esprit que l'on va écouter le LSO, mon impression sur ce concert a été très bonne.

Le programme commence par la Romance pour alto et orchestre de Max Bruch, un compositeur que je ne connaissais pas. L'œuvre est très agréable à écouter (et à voir, à moins de deux mètres du soliste...), elle porte bien son nom romance. Les spectateurs des premiers rangs avaient été prévenus du fait que quatre cors prendraient place juste devant eux. En effet, ils sont maintenant là pour le Konzertstück pour quatre cors et orchestre de Schumann. Certes, c'est du Schumann, fortement atteint par un syndrome hydravionesque à la fin du premier mouvement, mais le deuxième mouvement (lent) est quand même très beau.

Après un entr'acte où spectateurs et musiciens peuvent découvrir une buvette bien plus appétissante que celle de tous les les théâtres parisiens réunis (mais je me suis retenu de goûter à un seul des gâteaux présentés), l'orchestre a repris place pour un Lied de Mahler : Ich bin der Welt abhanden gekommen (Me voilà coupé du monde). Il est chanté par la soprano Christine Dune. Pour moi, cela a été le point culminant de ce concert. Parmi les instruments à vents, on entend un fabuleux hautbois (un cor anglais me précise Klari). Les équilibres trouvés dans la riche orchestration sont superbes. L'interprétation de la chanteuse et de l'orchestre m'a semblé extrêmement émouvante.

La Pavane de Fauré qui suit est manifestement aussi agréable à écouter pour les spectateurs qu'à jouer pour les musiciens. Le programme se conclut avec une version orchestrale de la Ballade nº4 de Chopin dont j'avais quelque souvenir d'un enregistrement au piano. J'ai rarement eu l'occasion de faire des comparaisons entre des versions orchestrées ou non d'œuvres, mais en tout cas ici les dynamiques prennent des dimensions énormes. Vu la présence de quelques silences, on pouvait penser que des panneaux indicateurs Don't clap! eussent été nécessaires pour éviter tout impair, mais il n'en a rien été. Si j'ai cru à plusieurs moments que l'œuvre se terminait, le public, comme moi, est resté assez concentré pour n'applaudir que lors de la véritable fin de l'œuvre ! Les bis ont engendré une amusante petite panique dans certains pupitres pour retrouver les bonnes partitions à jouer. Outre le bis de la fin du Chopin, on a eu une version orchestrée de Pop-corn !

Le jeune chef Marc Korovitch, très grand, bat la mesure d'une façon qui, malgré l'absence d'estrade, doit être lisible de partout tant ses mains montent très haut et descendent bas. Il semble qu'il communique aussi par sourires sympathiques. Il paraît évident qu'il prend plaisir à diriger, mais il n'oublie pas pour autant de donner des indications précises, comme lors des entrées du timbalier ou du harpiste.

Ailleurs : Bladsurb.

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Rain à Garnier

2011-05-27 00:30+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

Rain est la deuxième pièce d'Anna Teresa de Keersmaeker que je vois après Zeitung au Théâtre de la Ville en 2009. Je ne suis pas excessivement enthousiaste après la deuxième représentation de Rain par le corps de ballet de l'Opéra de Paris. Les dix danseurs sont en effet sujets, coryphées ou quadrille. On voit ainsi de nombreux danseurs qu'on ne voit pas forcément souvent dans des rôles importants. Malheureusement, ce n'est pas aujourd'hui que j'avancerai dans la connaissance du trombinoscope du corps de ballet, n'ayant identifié distinctement que Charlotte Ranson et Florian Magnenet...

C'est une banalité de le dire, mais la musique de Steve Reich est répétitive. Elle met en scène 18 musiciens. (En fait, il y en avait 19 avec le chef qui jouait aussi occasionnellement d'un instrument.) Dans la fosse, on aperçoit quatre pianos et un nombre invraisemblable de xylophones (et quelque vibraphone). Un violon, un violoncelle, des clarinettes, des chanteuses, des maracas. Les pianos ont une utilité mélodique, mais ils servent aussi d'instruments à percussions. On en joue simultanément jusques avec douze mains ! Malgré la sonorisation et un ingénieur du son crédité, on lit dans le programme que la représentation de cette œuvre ne nécessiterait que des instruments acoustiques, ce que j'ai du mal à croire, n'ayant pas compris l'origine de certains effets sonores. La musique est répétitive, mais pourtant on a bien l'impression d'un certain mouvement autour d'un motif rythmique de base, qui au début des sections n'est pas énoncé immédiatement, mais progressivement, chaque répétition développant un peu plus ce qui était laissé en suspens avant. On perçoit à un moment donné un retour au début de l'œuvre...

La chorégraphie mobilise les dix danseurs, qui sont rarement immobiles. Plutôt marcher ou courir que ne rien faire. Ils évoluent sur un décor de forme ovale délimité par réseau de cordes pendues à une armature. Au sol, de nombreuses lignes et points sont marqués en de diverses couleurs. Elles serviraient d'indications de placement pour les danseurs. La danse est très physique (courses, roulades, sauts, mouvements isolés qui semblent inspirés du hip-hop, etc.), elle paraît très compliquée dans son organisation et périlleuse dans les moments d'effleurements ou de contacts entre les danseurs. Je ne sais pas si c'est fait exprès, mais tout a été comme si les fermetures-éclair avaient lâché dans le dos de deux danseuses.

Depuis ma quatrième loge de côté quasiment de trois-quarts, je vois pratiquement toute la scène. Le problème, c'est que c'est une vue d'en-haut. Comme cela avait été mon cas pour Zeitung de cette chorégraphe, je pense qu'il faudrait voir cette pièce depuis un angle rasant pour mieux apprécier le travail des danseurs. Vu d'en-haut, on a parfois l'impression de voir de très loin des sportifs en train de faire de l'exercice dans un gymnase omnisport (avec des marques au sol diverses et variées pour délimiter des zones particulières à différents sports). Impression fausse vu la difficulté des figures exécutées.

À certains moments de la chorégraphie, les dix danseurs se regroupent tous ensemble, agglutinés en quelque lieu de la scène, puis se dispersent pour repartir de plus belle. On ne comprend pas toujours très bien ce qui se passe. Dans les ensembles (où tout paraît le plus souvent asymétrique), on distingue néanmoins au moins deux pas de trois, un mettant en scène les trois danseurs hommes et un autre avec une femme et deux hommes. Dans celui-là, j'ai apprécié la performance de Charlotte Ranson.

Par moments, les mouvements des corps m'ont un peu fait penser à ceux chorégraphiés par Pina Bausch (mais en plus fluide) et à ceux vus plus récemment chez Mats Ek (mais en plus organisé).

Ailleurs : Blog du petit rat, Danses avec la plume, Blog à petits pas.

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Amel Brahim-Djelloul à la Cité de la musique

2011-05-26 13:24+0200 (Orsay) — Culture — Musique

J'en avais déjà eu un aperçu lors d'un concert avec le Pasdeloup au Châtelet ; cette fois-ci, le programme de ce concert de la soprano Amel Brahim-Djelloul est tout entier consacré à des musiques traditionnelles méditerranéennes. Elle est accompagnée par plusieurs musiciens. Par rapport aux chansons qui avaient été chantées au cours du concert au Châtelet, la plus grande différence qui se fait entendre dans les premières chansons est l'importance de la mandoline de Sofia Djemai. Le concert est divisé en quatre suites qui contiennent chacune des chansons de styles différents, des chansons d'Andalousie dans la première, de Turquie dans la deuxième, de Kabylie pour la troisième (où intervient la guitare). Dans la dernière, des mélodies recueillies ou composées par Francisco Salvador-Daniel au XIX^e. On n'y entend plus les consonnes inconnues du français présentes dans les autres parties du concert, puisque la plupart de ces mélodies sont en français. Le compositeur a même laissé échapper quelques instants presque lyriques.

La performance vocale est remarquable d'un bout à l'autre du concert, qui est sonorisé, mais je crois bien que c'est la première fois que la sonorisation ne me gêne absolument pas, même si pendant les toutes premières minutes, je trouvais bizarre d'entendre les percussions situées à la droite de la scène venir également de la gauche et de la droite.

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L'Ensemble Orchestral de Paris au TCE

2011-05-25 00:36+0200 (Orsay) — Culture — Musique

Contraste d'ambiances au TCE au lendemain d'un superbe Ariodante. Ce soir, le concert commence par une création d'un concerto pour quatre solistes (hautbois, violon, alto, violoncelle) et orchestre de cordes de Nicolas Bacri. Il faudrait sans doute entendre le cycle complet pour comprendre pourquoi ce concerto s'appelle L'Été, puisque s'il est qualifié de luminoso, comme l'explique le compositeur dans le programme à la maquette biscornue ce concerto est en fait très sombre... Joseph Swensen dirige non pas depuis le violon, mais avec violon. Son archet est sa baguette. La main gauche tenant le violon fait la même chose. Je n'ai pas l'impression que c'était la meilleure manière d'entendre le hautboïste François Leleux. Quatre solistes pour un concerto de onze minutes, cela ne permet pas vraiment à chacun de se mettre en valeur. L'œuvre n'est cependant pas désagréable à écouter. Il y a même de quoi s'amuser avec quelques petits passages franchement dissonants. La conclusion est gagesque comme une certaine plaisanterie de Haydn.

Patricia Petibon, que je n'ai encore jamais entendue en concert, est souffrante. Elle est remplacée par Sandrine Piau ! En robe rouge, elle interprète Three Love Songs du même compositeur. Orchestralement parlant, cela me plaît bien plus que le concerto. Lors du premier numéro, l'atmosphère orchestrale fait me penser davantage à un bord de mer qu'à l'Orient, mais cela change un peu avec les deux autres. Dans le premier numéro aussi, il faut vraiment tendre l'oreille pour entendre la voix de Sandrine Piau, tant l'orchestre lui laisse peu de place. C'est peut-être fait exprès, vu que de toute façon le texte anglais, d'après Rûmî, a probablement un sens insaisissable... Par la suite, elle arrivera à véritablement faire entendre son interprétation des deux autres chansons (vu les conditions d'un remplacement au pied levé, c'est un certain exploit !), mais quel sadisme de la part du compositeur pour la voix !

L'exécution du Songe d'une nuit d'été de Mendelssohn est assez honorable, mais me plaît moindrement que celle de l'Orchestre Colonne à Pleyel en novembre dernier (même si ce n'est pas faire injure au soliste enfant d'alors que je lui ai préféré Sandrine Piau !). Ce qui m'a le plus énervé pendant ce concert, c'est l'attitude quasi-narcissique du chef d'orchestre. Il bat la mesure des deux mains et libère les épaules quand il faut donner du sentiment. Pour le reste, au moins vu de trois-quart dos, on n'a pas l'impression qu'il transmette grand'chose aux musiciens. Heureusement, ceux-ci paraissent se bien diriger eux-mêmes, comme la violon solo super soliste Deborah Nemtanu, qui semble attentive à tout ce qui se passe dans l'orchestre ! J'ai l'impression que si le résultat a été correct, c'est davantage aux musiciens qu'au chef que le crédit en revient. Toutefois, la Marche nuptiale a été le numéro que j'ai trouvé le moins réussi. Chaque musicien faisait peut-être individuellement ce qu'il devait, mais globalement, cela paraissait assez déséquilibré.

L'autre chanteuse soliste pour ce Songe est Isabelle Druet qui est fort bizarremment accoutrée. Je présume que c'est un problème de concertation sur la couleur des robes qui a conduit à ce curieux habillage, mais par-dessus sa robe, elle portait une sorte de kimono trop court pour ne pas déceler cinquante centimètres du bas de la robe, qui était de la même couleur que celle de Sandrine Piau...

Les moments vocaux sont assez brefs, mais Isabelle Druet fait entendre le beau timbre de sa voix. Attention peu surprenante de sa part, elle incarne son rôle d'une fée, dans son attitude comme dans la façon de chanter et d'articuler son texte, seule ou accompagnée par le jeune chœur de Paris installé au dernier rang de la scène.

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Ariodante au TCE

2011-05-24 02:00+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Superbe version de concert dans un TCE plein à craquer pour cet Ariodante. L'effectif orchestral est plutôt réduit. Au centre, un clavecin. À gauche, les violons (5+2). À droite, les deux violoncelles, le théorbe, la contrebasse et les deux altos. Au fond, les deux hautbois, les deux cors (naturels, donc buggés...) et le basson (formidable). Alan Curtis, le chef d'Il Complesso Barocco, a l'air de diriger des musiciens qui savent ce qu'ils ont à faire. Dans le fond, les altos se synchronisent par sourires interposés. Dans le style très reconnaissable de Händel, on entend néanmoins quelques effets qui m'étaient jusqu'alors inconnus.

Ariodante doit épouser Ginevra, la fille du roi, mais Polinesso, qui l'aime aussi, complote avec le complicité innocente de sa suivante Dalinda qui passe les habits de Ginevra. Tout le monde croit que Ginevra trompe Ariodante. On annonce qu'il s'est suicidé. Ginevra clame son innocence et veut se suicider aussi. En fait, personne n'est mort, sauf le méchant qui est tué et tout finit par s'arranger.

Absolument tous les chanteurs me font une bonne impression. Parmi eux, on trouve notamment Karina Gauvin (Ginevra) que j'entends pour la première fois. Si les chanteurs ont tous été copieusement applaudis, les suffrages du public se concentrent sur les interprètes des deux rôles travestis. Pour bien montrer qu'elle a un rôle de méchant, Marie-Nicole Lemieux (Polinesso) violente quelque peu les pupitres et sa partition. Elle m'a davantage convaincu ce soir que les deux autres fois que l'ai entendue.

La Reine de la soirée est incontestablement Joyce DiDonato (Ariodante). Comme sur la pochette de son dernier CD Diva Divo, elle a joué le jeu du travestissement en portant un costume masculin. D'un bout à l'autre de l'opéra, elle a réalisé prouesses vocales sur prouesses vocales. Mais comment fait-elle pour respirer ? Certains choix audacieux de dynamiques sont tenus sans accroc jusqu'au bout des phrases. Les stupéfiantes vocalises si typiquement händeliennes sont lancées avec autant de conviction que si elles véhiculaient un sens. J'avais déjà une opinion très-favorable de cette chanteuse (septième fois que je l'entends en concert) et me demandais où elle pourrait encore nous entraîner. Je crois qu'on n'a pas fini d'en entendre parler !

Je ne pense pas avoir précédemment vu le public réagir de façon aussi chaleureuse lors d'un opéra (que ce soit en version scénique ou en version de concert). Les applaudissements et bravos lancés après les airs de Joyce DiDonato correspondent bien à l'idée que je me fais du mot triomphe.

(Le minutage 2×1h20 était quelque peu optimiste, puisque le concert programmé à 20h s'est terminé vers 23h45...)

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Programme Wagner pour le Colonne à Pleyel

2011-05-17 03:28+0200 (Orsay) — Culture — Musique

J'avais aimé le Colonne dans la Première symphonie de Brahms. Ce soir, j'ai pu l'apprécier dans un programme Wagner. Cela a commencé par l'Ouverture de Tannhäuser (très beaux cors, gag involontaire avec la baguette du chef qui après un choc a fini au premier rang du parterre), puis les trois derniers Wesendonck Lieder chantés par Cécile Perrin. C'est le dernier qui m'a le plus plu, les deux premiers me semblant moins aptes à mettre en valeur le timbre de la chanteuse. Un très beau solo d'alto dans le premier Lied est cependant à signaler. Jean-Philippe Lafont est ensuite venu chanter la Complainte du Hollandais Volant, un opéra que je n'ai pas encore étudié, mais on reconnait cependant ici ou là des motifs de l'Ouverture.

Après l'entr'acte, replacement à l'arrière-scène de côté, un placement de rêve pour voir ce qui se passe dans l'orchestre. On crée une pièce d'Alain Kremski (frère du chef Laurent Petitgirard), une magnifique œuvre avec une partie de choix pour les timbales, la grosse caisse et autres percussions. Pas da tamtams frénétiques, mais des pulsations entêtantes sans être agressives, un paysage orchestral qui change au fur et à mesure que les musiciens tournent les pages : dissonances des cordes, pizz. rapides pour tous, moments plus apaisants, belles sonorités des vents (qui me font davantage penser à Debussy qu'à Wagner auquel la pièce rend hommage). L'atmosphère générale est bien résumé par le titre de la pièce : Melancolia. Je crois que des quelques créations (douze d'après mon compte) auxquelles j'ai assistées, c'est celle qui m'a le plus enthousiasmé. (Et c'est un fait que plus généralement le choix de programmation de l'orchestre Colonne en matière de musique contemporaine convient parfaitement à mon goût.)

L'apogée du concert intervient ensuite avec le Prélude et la Mort d'Yseult. Via des fans de la soprano qui était initialement programmée, j'avais cru comprendre que l'on n'aurait qu'une version instrumentale (comme avec le Lamoureux en février au TCE). A priori, je trouve qu'il manque quelque chose à la version orchestrale (que l'on peut reconstituer à l'écoute avec un peu d'imagination), mais ce soir, pas de problème puisque ce sera bien la version avec voix. J'ai été fasciné par cette interprétation et par le privilège de pouvoir observer la rotation qui s'opère entre les musiciens des différents pupitres pour jouer les motifs du prélude et leurs développements. La Mort d'Isolde est un morceau extrêmement émouvant. Je pensais avoir identifié le moment où, habituellement, l'émotion me submerge, à savoir quand Isolde chante ceci :

Soll ich schlürfen,
untertauchen?
Süss in Düften
mich verhauchen?

Ce soir, c'est venu beaucoup plus vite. Je n'étais alors plus trop en état de regarder l'orchestre attentivement.

Le temps pour Klari et moi de nous replacer sur la pointe des pieds au cinquième rang du parterre sur le côté, le concert s'est conclu sur le final de La Walkyrie : le chant d'Adieu de Wotan à Brünnhilde. Les motifs qui dominent sont ceux liés au Sommeil de Brünnhilde. On entend aussi furtivement le Walhalla, ou encore un Siegfried presque triomphant (qui viendra délivrer Brünnhilde de son sommeil) et les inquiétants motifs du Sort et du Traité. Bien sûr, le feu Loge est longuement développé pour signifier les flammes qui entourent le séjour de Brünnhilde. Avant cela, Wotan aura notamment chanté Zum letzenmal..., le déchirant chant d'adieu, une phrase qui sera reprise plus loin par l'orchestre. Dans son rôle de Wotan, tout comme le précédent, Jean-Philippe Lafont se montre assez convaincant, davantage à mon goût que dans les clowneries qu'il devait faire dans La Fiancée vendue à Garnier en décembre.

Je suis donc plus que satisfait de ce concert !

Ailleurs : Klari.

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Dernière du Bolchoï à Garnier

2011-05-15 21:56+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

Grâce à des échanges de places entre balletomanes et à une place à 8€ achetée jeudi aux guichets (il en restait encore de convenables), j'ai pu revoir les deux programmes proposés par le Bolchoï à Garnier.

J'ai revu Don Quichotte jeudi dernier dans une distribution différente que mardi. C'est une question de goût, mais à l'interprétation de Natalia Osipova dans le rôle de Kitri, j'ai préféré celle d'Ekaterina Shipulina (qui incarnait la Reine des Dryades mardi et que j'ai aussi préférée dans ce rôle à Anna Nikulina qui l'interprétait jeudi). Certes, elle saute moins haut, tourne moins vite sur elle-même que Natalia Osipova, mais hors de la danse pure, elle incarne bien davantage son personnage et lui faisant exprimer bien plus d'émotions. Dans le rôle de Basilio, Alexandr Volchkov est moins impressionnant qu'Ivan Vasiliev : moins de tours dans les sauts. Cependant, si je n'avais pas vu ce dernier avant, j'aurais trouvé cette prestation plus que satisfaisante ! Cependant, il ne donnait pas une impression de facilité dans les portés et on a eu quelques frayeurs lorsqu'il a dû porter sa partenaire d'une seule main ou quand elle saute vers l'avant pour retomber dans ses bras.

Cet après-midi, c'était la dernière des Flammes de Paris, avec encore Osipova/Vasiliev. Vu la proximité de ma première loge de côté, je me suis passé des jumelles. Cette fois-ci, j'ai été moins gêné par les détails de la pantomime que j'avais trouvés exagérés la première fois. Pour le reste, on a encore eu un Vasiliev volant au deuxième acte. Dans les autres rôles, il y avait cette fois-ci Anna Rebetskaya dans le rôle d'Adeline. Son attitude m'a paru un peu plus patricienne que celle de Nina Kaptsova dans le même rôle. Comme le vendredi 6 mai, son amoureux est joué par Viacheslav Lopatin, dont la danse m'a plus passionné vue de près. Bizarremment, je n'ai pas eu le même effet avec le rôle de Mireille de Poitiers/Armide, dansé cet après-midi par Nina Kaptsova. Cela m'a pourtant bien plu, mais il n'y avait plus l'effet de surprise procuré par une technique que je n'avais jamais vu la première fois. La danse des furies est toujours un moment savoureux de ce ballet dans le ballet.

Si j'ai été largement rassasié avec deux places pour chacun des deux programmes de cette tournée, je regrette un peu de n'avoir pas eu l'occasion de voir Maria Alexandrova.

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Les Noces de Figaro à Bastille

2011-05-14 16:31+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Les jours de grève des transports semblent coïncider avec mes tentatives pour aller voir Les Noces de Figaro à Bastille. En septembre/octobre, j'avais renoncé à aller une représentation sans les décors, faute de savoir si je pourrais rentrer chez moi après le spectacle. Hier, j'y suis allé malgré ce risque, et effectivement je ne suis arrivé à rentrer chez moi qu'à 5h15 (après deux heures d'attentes infructueuses à Denfert où j'ai vu passer trois noctiliens complets ; j'ai pris un noctilien d'une autre ligne qui me déposait à une dizaine de kilomètres de chez moi et il a bien fallu finir le trajet à pieds).

La mise en scène de Giorgio Strehler a été créée en 1973. La deuxième série de représentations commencée hier en constitue la vingtième reprise. C'est la première fois que je la vois. Il est évident qu'elle fonctionne bien. Les costumes sont traditionnels. Les décors d'Ezio Frigerio aussi. Les changements de décors après le premier et le troisième acte ont été interminables (on comprend que ce n'est pas simple à faire, mais à Bastille, on est tellement habitué à voir la scène se transformer complètement en quelques dizaines de secondes...). Une partie non négligeable du public a alors cru pouvoir sortir de la salle et revenir. Les premiers airs ont été systématiquement applaudis, ce qui a un peu cassé le rythme de la représentation, mais on est heureusement devenu un peu plus raisonnable. On a également entendu un spectateur pourrir complètement un des airs de Susanna en émettant des bruits de toux invraisemblablement forts.

Je ne suis pas des plus ardents admirateurs de Mozart. La musique de la première partie, et tout particulièrement le premier acte, m'a montré ceux des effets stylistiques du compositeur que je n'apprécie pas. Je n'ai pas été très enthousiasmé par cette musique, dirigée par Dan Ettinger, d'autant plus que dans les moments où la musique ne s'efface pas devant le chant ou y répond, l'orchestre, sans couvrir complètement les voix, ne laisse plus entendre grand'chose de distinct de celles-ci. Ce n'est à mon avis pas un problème des chanteurs, mais bien de la direction puisque dans les récitatifs, les chanteurs se font très bien entendre, et comme il m'est déjà arrivé, mais assez rarement, j'aurais parfois presqu'eu envie d'applaudir à la fin d'un récitatif... Après l'entr'acte, il m'a semblé que l'orchestre a joué nettement moins fort que lors de la première partie, ce qui a permis de mieux mettre en valeur les chanteurs, et pas seulement dans les récitatifs.

Même si je n'ai pas entendu la distribution A (octobre/novembre), il est évident que cette distribution B est tout sauf une distribution au rabais. On y trouve ainsi notamment Erwin Schrott (Figaro), Julia Kleiter (Susanna), Christopher Maltman (Almaviva), Dorothea Röschmann (La Contesse d'Almaviva), Isabel Leonard (Cherubino). Dans les petits rôles, on trouve quelques jeunes chanteuses de l'Atelier lyrique : Olivia Doray et Carol García dans un duo, et surtout Zoe Nicolaidou (qui m'avait impressionné dans le concert donné samedi dernier au Studio Bastille pour l'opération Tous à l'opéra) dans le rôle de Barbarina (qui a plusieurs récitatifs et un air en ouverture du quatrième acte).

Pour le reste, à propos de la production, on a manifestement voulu accentuer dans l'éclairage le déroulement de cette folle journée. Ainsi, au premier acte, la pièce où évoluent les personnages est dans la pénombre. Dans le deuxième, la chambre de la contesse est éclairée par la gauche, tout comme le décor tout en profondeur du troisième acte. On retrouve la pénombre dans le quatrième acte. Cela fait quand même deux actes où on distingue à peine les chanteurs... On dira que je ne suis jamais content parce que j'ai trouvé très bizarre que l'on ait éclairé brutalement l'avant de la scène le temps où Figaro s'y est posté pour son air. (Parmi les effets lumineux involontairement étranges, on peut noter que les musiciens de l'orchestre et le chef ont éteint les lumières de leur pupitre au début au quatrième acte, ce afin que l'on comprenne bien qu'il faisait nuit. Mais quand le pupitre du chef d'orchestre est rallumé, l'œil du spectateur est comme agressé par le changement soudain d'intensité lumineuse...)

Mis à part ces bizarreries de lumières, j'ai vraiment adoré ce quatrième acte, où les personnages se jouent des tours les uns aux autres grâce au travestissement.

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Don Quichotte par le Bolchoï

2011-05-11 00:52+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

C'était ce soir la première de Don Quichotte par le Bolchoï. J'en sors avec globalement les mêmes impressions que pour Flammes de Paris. S'il y a une histoire, ce n'est qu'un prétexte pour faire place à des danses virtuoses. Dans ce ballet-ci, les costumes sont particulièrement riches et variés. La musique est de Minkus... L'homologue du ballet dans le ballet est ici un épisode rêvé qui est une scène en blanc (avec toutefois un peu de couleur) dans lequel Don Quichotte rêve de Dulcinée et de dryades (on y voit aussi un adorable Cupidon). C'est très beau, cela met en valeur davantage de solistes que Flammes de Paris. Il est impossible pour moi de tous les retenir. Je retiendrai cependant qu'on a vu à un moment une danseuse d'une souplesse invraisemblable courber le dos vers l'arrière de façon à ce que sa tête vienne presque toucher le sol...

Sinon, il y avait bien sûr Natalia Osipova et Ivan Vasiliev, dont les prouesses physiques éclatent cette fois-ci au troisième acte. J'ai même une impression de déjà-vu. On reverra ainsi Osipova refaire des tours sur elle-même assez semblables à ceux qu'elle faisait dans deuxième acte de Flammes de Paris. Mais quand elle s'est jetée quand les airs pour retomber dans les bras d'Ivan Vasiliev ou quand ce dernier a porté sa partenaire d'une seule main (voire sans les mains), le public a été parcouru d'un frisson. Il a été encore une fois émerveillé par ce danseur, très très copieusement applaudi lors des saluts à l'issue de ses variations.

Tout cela serait parfait s'il y avait aussi un peu d'émotion qui ne soit pas liée uniquement à la danse pure...

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Didon & Énée à l'Athénée

2011-05-08 20:32+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Deuxième spectacle pour moi à l'Athénée après le concert Humour noir. Cette fois-ci, la salle est pleine pour l'opéra de Purcell Didon et Énée. Vu le minimalisme de la mise en scène et des décors (à l'exception d'un tronc d'arbre qui descend des cintres pour la deuxième scène du deuxième acte), je pense que j'aurais autant préféré assister à une version de concert. Une traduction du texte est projeté au fond du décor, intégré à des animations vidéos.

La musique qui sort de la fosse est absolument superbe. Elle est jouée par un tout petit effectif musical (Les Nouveaux Caractères, sept musiciens). Le chef Sébastien d'Hérin (qui dirige depuis le clavecin) semble très attentif dans sa direction du chœur AEdES qui est sur le côté droit de la fosse. Certains rôles sont d'ailleurs interprétés par des membres du chœur, qui reviennent dans la fosse une fois leur rôle terminé.

Si les chanteurs m'ont semblé bons, vu la brièveté de l'œuvre, c'est surtout la musique qui m'a frappé. Isabelle Druet, qui interprétait le rôle de Didon, fera un récital le 21 mai à 15h dans le même théâtre (et vu la réduction qui était proposée aux spectateurs de cette représentation, il doit rester des places...).

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Le Bolchoï enflamme Paris

2011-05-07 00:30+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

Le sentiment d'avoir vu quelque chose d'extraordinaire, mais pas pour autant exempt de reproches.

Dans ce ballet Les Flammes de Paris de Ratmansky (d'après l'original créé en URSS en 1932), l'histoire est extrêmement facile à suivre. Tout est parfaitement clair, et la musique on ne peut plus pompière (contrastes d'ambiances : chants révolutionnaires pour les révolutionnaires, lullysmes pour les nobles). La gestuelle et le visage des danseurs n'expriment que des émotions primitives, exagérées, on se croirait presque dans un film muet... passé en accéléré parce que les mouvements des corps se font à une vitesse folle.

Outre cette rapidité d'éxécution, je suis impressionné par les nombreuses figures que je n'avais je crois jamais vu faire par les danseurs du Ballet de l'Opéra. La technique est différente et elle me semble mettre surtout en valeur les danseuses. Le plus beau passage de ce premier acte se trouve dans le ballet dans le ballet Armide et Renaud (dont je connaissais à peu près l'histoire grâce à mes souvenirs de l'opéra de Lully). L'histoire est très lisible : de ses flèches, l'Amour enflamme le cœur des ennemis Armide et Renaud. Plus tard, quand Renaud essaiera de fuir par la mer, elle le fera périr grâce à sa magie (danse des furies). Outre la gracieuse interprète du rôle d'Amour, cette partie met en valeur Ekaterina Kryssanova (Armide). Elle impressionne par sa technique de rotation sur un pied tendu en pointe jambe fléchie (du jamais-vu pour moi).

Ceci se passait bien sûr chez les nobles. Le deuxième acte montre le début de la Terreur. On guillotine du noble, dont la malheureuse Adeline qui aimait un des combattants, Jérôme, qui n'arrivera pas à la sauver. Le pas de deux entre ces deux personnages est le seul moment vaguement émouvant du spectacle. Pour le reste, on apprécie aussi les danses de caractères du corps de ballet. C'est très vif. Les danseurs-garçons se mettent plus en valeur dans le deuxième acte qu'au premier.

Ce qu'on retiendra surtout de ce deuxième acte, c'est la démonstration de virtuosité des deux principaux solistes de la soirée : Natalia Osipova (Jeanne) et Ivan Vasiliev (Philippe). La première réalise pirouettes et fouettés à très vive allure. Les sauts réalisés au premier acte étaient déjà assez spectaculaires. C'est virtuose, mais cela ne traduit aucunement quelque sentiment que ce soit dans le cœur du personnage. La grande révélation de la soirée, incroyablement applaudi par le public en délire, c'est Ivan Vasiliev. Quel athlète ! Jamais je n'ai vu un danseur sauter aussi haut. Et en plus il tourne sur lui-même de toutes les manières qui soient, retombe gracieusement sur ses pieds, on ne se demande bien comment ! Les clameurs montent du public presque à chaque saut triomphalement exécuté. Une grande prouesse physique, mais pas vraiment au service d'une histoire...

La scénographie est plutôt réussie. Elle comporte plus d'effets que l'on en trouve d'ordinaire dans les ballets représentés à Garnier. Pourtant, malgré tous ces effets, presque tout le rectangle du plateau de scène reste pratiquement en permanence vide de tout accessoire ou élément de décor. Cela donne l'impression que l'on pourrait danser un peu n'importe quoi dans cet espace... Parmi les jolies choses vues, un effet de lumière représentant un quadrillage 3×3 permettait de signifier que le personnage de Jérôme était mis en prison.

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Orphée et Eurydice à la MC93 Bobigny

2011-05-05 01:19+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Je me suis rendu pour la première fois à la MC93 Bobigny pour assister à la deuxième production scénique de la saison pour l'Atelier lyrique de l'Opéra de Paris après Street Scene. La MC93 est accessible en métro, il n'y a qu'à marcher cinq minutes (fléchage indiscutablement spectaculaire) pour accéder à cette salle située boulevard Lénine. On y trouve une restauration à bas coût, une librairie et en entrant dans la salle de spectacle (environ 600 places), on est saisi par son côté monumental : des gradins à la pente prononcée, un décor brut et noir d'où débordent des tuyaux. La fosse d'orchestre est très profonde. C'est une gorge dont l'accès est protégé par une sorte de parapet dont la partie supérieure n'est qu'un épais câble métallique torsadé. La beauté de la salle n'est pas en mesure d'interférer avec la beauté de ce qui se passera sur scène !

La version de l'Orphée et Eurydice de Gluck jouée ce soir est celle adaptée par Berlioz, en français. L'absence de surtitrage se fait malheureusement sentir, que ce soit pour les trois chanteurs solistes ou pour le chœur. Cependant, chacun aura l'occasion de chanter des passages (notamment ceux qui se rapprochent du récitatif) dans lesquels le texte, quelque peu suranné, se fait entendre. Ayant déjà vu une version allemande, j'aimerais bien un jour voir une production scénique de la version d'origine en italien...

La mise en scène de Dominique Pitoiset et Stephen Taylor m'a paru assez intelligente. Le décor, unique, présente l'intérieur très-moderne d'un appartement. Des fauteuils, des armoires, des tiroirs, un réfrigérateur, un coin bar avec évier (fonctionnel !). La profession d'Orphée est signalée par la présence d'un pupitre et d'une harpe. Dans la première scène, les membres du chœur (habillés en noir et portant chacun une rose rouge) viennent présenter leurs condoléances à Orphée dont l'épouse est morte. Une rotation du décor permet ensuite de montrer son autre face : la salle de bain et la chambre à coucher. On comprend qu'Eurydice s'est suicidée. Des constatations légales sont en train de se faire.

Amour (jeune femme dynamique en perruque blonde, mais personnage plus sombre que dans d'autres versions) vient apporter quelque réconfort à Orphée. La solution pour lui semble être de partir dans un enfer artificiel (mélange alcool-drogues aidant). Le reste de l'histoire est connu...

Contrairement à certaines versions de l'opéra de Gluck, cette version-ci, je l'ai découvert au cours de la représentation, mais vu le parti pris de mise en scène, comment eût-il pu en aller autrement ? cette version-ci, disais-je, se finit très mal. Si j'ai bien compté, Eurydice sera morte trois fois et Orphée réussit à se suicider.

Au-delà du décor et des idées, le travail de mise en scène proprement dit est remarquable : le placement, les mouvements et l'attitude des membres du chœur sont saisissants (le genre de choses que je n'ai pas souvent le loisir de mesurer en vision directe, ce que j'ai pu apprécier ici depuis mon placement au quatrième rang !). Cela vaut aussi pour les trois solistes, mais vu son importance, c'est le plus frappant pour le rôle d'Orphée.

Du côté de la musique, cette version Berlioz semble contenir quelque fantaisie quasi-rossinienne, et en même temps tellement française, à la fin du premier acte. Passage a capella, vocalises redoutables pour Alisa Kolosova qui s'en sort plus que bien. (Après vérification, il s'agit de l'air Amour, viens rendre à mon âme.)

Malgré le petit bémol concernant le texte pas toujours intelligible, je suis plus que très agréablement surpris par la qualité de ce spectacle ! Et malgré un commencement à 20h30 (légèrement retardé), j'ai été tout étonné d'être rentré à Orsay dès 23h30.

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Myriam Ould-Braham en Juliette

2011-05-01 13:19+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

Je n'ai vu que trois des cinq distributions de la série de représentations de Roméo et Juliette à Bastille. Pour le couple Juliette/Roméo, j'avais vu Laëtitia Pujol/Mathieu Ganio lors de la première, puis Agnès Letestu/Florian Magnenet le 16, et enfin samedi après-midi, Myriam Ould-Braham/Christophe Duquenne.

Si le Roméo que j'ai préféré a été celui de Mathieu Ganio, du côté des Juliette, celle qui m'a le plus convaincu a été Myriam Ould-Braham que je voyais pour la première fois dans un grand rôle (ses apparitions dans les pas de trois du Lac des cygnes ou de Paquita et sa participation au même ballet dans le rôle de Rosaline m'avaient déjà fait fort impression).

On ne pourra pas dire qu'elle en a trop fait ou pas assez. Elle a tout simplement été Juliette du premier au troisième acte ! (Dansant d'ailleurs malgré un bug de costume au niveau de la fermeture éclair du dos...) J'ai été particulièrement ému par son solo à la fin de la première scène du troisième acte.

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Urmila Sathyanarayanan au Musée Guimet

2011-04-30 02:00+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Danse — Culture indienne

Cela faisait un peu plus d'un an que je n'avais pas vu de bharatanatyam. Je suis donc allé au musée Guimet pour en voir. Avant cela, je suis allé voir l'exposition Lucknow, une cour royale en Inde (organisée par le Los Angeles Country Museum of Art) qui présente des pièces assez variées (des miniatures, accrochées presque bord à bord sur les murs, ce qui vu l'affluence empêche de les apprécier sereinement, des objets de la vie quotidienne richement ouvragés, des photographies datant d'avant la révolte de 1857-1858, et quelques unes datant d'après, comme la Residency ravagée...). J'ai été surpris de voir Qaisar Bagh, photographié 1864-1865, que je n'ai pas vu lors de mon séjour à Lucknow : forcément, il a été détruit par les Anglais. Quelques photographies ou peintures représentant La Martinière/Constantia. Quelques unes des œuvres montrées avaient été en leur temps commandées par le colonel Polier, qui fut un des premiers occidentaux à avoir connaissance à la littérature indienne ancienne, en particulier le Mahabharata, et sa version de l'épopée a été publiée par Georges Dumézil (Gallimard). Pour ce qui est des miniatures, il était évidemment difficile de faire aussi intéressant que l'exposition à la BnF il y a un an. C'est surtout la diversité des types d'œuvres qui fait l'intérêt de cette exposition. (Par exemple, à un moment j'ai craint qu'on ne montre que Lucknow avant la mutinerie, mais plus loin, on trouve aussi comme je le dis plus haut quelques photographies montrant des monuments détruits.)

⁂

Le récital d'Urmila Sathyanarayanan ne m'a convaincu qu'à moitié. La première pièce Pushpanjali évoquait Surya, le dieu du Soleil. Cette pièce semble commencer par un lever du Soleil, lent et solennel, la danseuse étant de dos, presqu'immobile. Par la suite, on voit Surya éclairer successivement diverses directions de l'espace. La pièce se finit élégamment sur la chevauchée du Soleil sur son char céleste.

La pièce qui m'a le plus déçu est la pièce principale du récital, le Varnam, dans lequel une femme se languit de Krishna (sujet on ne peut plus classique dans le bharatanatyam). Dès le début de la première pièce, le style de la danseuse s'était affirmé, sans exubérance, renvoyant assez souvent à l'iconographie, mais plus tournée vers la pantomime que vers la danse. On voit la jeune femme choisir un sari pour se faire belle pour Krishna, reconnaissable à sa flûte. Plus tard, elle se maquille. Je ne suis pas très convaincu par cette pièce dans laquelle s'insèrent quelques passages rythmiques (le premier est arrivé de façon très abrupte quelques secondes seulement après le début du Varnam).

Entre cette pièce et la suivante, le temps pour la danseuse de changer de costume, on a inséré un interminable intermède musical (de flûte). Entre les pièces suivantes, il faudra encore supporter ces intermèdes. Le percussionniste s'est fait extrêmement discret au cours du récital. En revanche, le chanteur et joueur de nattuvangam m'a plu.

Dans la pièce dansée suivante Padam, une courtisane se prépare à accueillir un client. Que ce soit Shiva, Vishnu ou Brahma, qu'il paye 6000 pièces d'or ! Quand elle aura vu Shiva, elle changera d'attitude et se laissera séduire. Dans cette pièce, la danseuse travaille beaucoup au sol, comme on imagine la courtisane confortablement installée sur un sofa.

Une autre pièce suit, Javali, évoquant l'amour d'une héroïne pour Srinivasa (il eut été sympathique d'expliquer que c'est un des noms de Vishnu...). Curieusement, le dieu Kama (homologue de Cupidon) est tout simplement appelé Cupid(on) dans la présentation. Dans cette pièce, on verra la représentation de Vishnu couché sur l'océan cosmique et l'héroïne viendra lui masser les pieds (tout comme le fait Lakshmi dans l'iconographie). Cependant, j'ai déjà vu plusieurs fois cette même représentation de Vishnu évoquée de façon plus élégante par d'autres danseuses (notamment par la courbe du bras pour évoquer les têtes du serpent Ananta/Shesha). Comme dans la pièce précédente, une part significative de la danse-pantomime se fait au sol.

La pièce où le talent particulier de la danseuse s'est le mieux exprimé est peut-être le Padam sur un sujet que je n'avais encore jamais rencontré dans le bharatanatyam, celui de l'amour d'une mère pour sa jeune fille. On est encore plus complètement dans la pantomime. Il n'y a pas vraiment de pas de danse et peu de gestes semblent appartenir à quelque codification que ce soit. Très mignon.

Traditionnellement, un récital se finit par un dynamique Thillana. Celui-ci, s'il n'a pas manqué de mérites, était vraiment beaucoup, beaucoup, beaucoup trop long.

Et après la fin, la danseuse vient également présenter ses hommages aux musiciens, à la divinité tutélaire (Shiva-Nataraja) et au public. Cette partie, souvent complètement formelle, a été beaucoup plus développée que d'ordinaire puisqu'on a en vérité assisté à une petite pièce supplémentaire évoquant, sur un chant dévotionnel vishnouïste, le culte ordinaire : prière, offrandes. La danseuse a même eu l'idée amusante d'insérer une apparition d'un Krishna espiègle venant mettre un peu de pagaïe dans la cérémonie.

Le récital a été inhabituellement long : un peu plus de deux heures ! C'est à tempérer par le fait que les intermèdes musicaux ont été trop longs et pas extraordinairement passionnants. Si j'étais très déçu à l'issue du Varnam, les pièces suivantes ont fait remonter mon intérêt et ont eu le mérite de me faire partir sur une bonne impression.

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The Second Woman aux Bouffes du Nord

2011-04-27 01:13+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Je reviens de la création de l'opéra The Second Woman du jeune compositeur Frédéric Verrières au Théâtre des Bouffes du Nord.

Je suis assez partagé, puisque la première partie m'a beaucoup fait rire, mais ce n'était pas un opéra, en fait, c'était plutôt un anti-opéra. La deuxième partie était davantage musicale, mais il s'agit de musique zarbi pendant lequel le temps est un peu long (pourtant, au total la représentation, sans entr'acte, ne fait qu'un peu plus d'une heure et demie).

L'idée de l'opéra est inspirée du film Opening Night de John Cassavetes (que je n'ai pas vu) et dans lequel Gena Rowlands joue dans une pièce intitulée The Second Woman. Dans la première partie, on assiste à des répétitions d'un opéra. La cantatrice Elizabeth (prénom de la chanteuse qui interprète le rôle) est en retard, du coup, c'est la chanteuse sympa Jeanne (Jeanne Cherhal) qui commence le spectacle en interprétant une sorte de lamentation (qui reviendra de nombreuses fois). Le metteur en scène sans idées entre. Elizabeth commence la chanson et l'interprète de façon caricaturalement lyrique. On lui reproche son vibrato, etc. Tout semble aller contre le genre de l'opéra. On croit l'entendre chanter un air de Tosca (en tout cas, il semble qu'on entende distinctement Scarpia à un moment), puis c'est la scène de la folie de Lucia di Lammermoor qui est pastichée. La musique citée est cependant rendue assez méconnaissable (mais au moins dans ce cas précis, l'orchestration est amusante). Le texte fait référence à une sœur, Yelena. Une troisième chanteuse (la colorature, qui ne s'appelle pas Yelena mais Marie-Ève) entre. On entend un peu du duo des fleurs de Lakmé. Ah, et puis bien sûr, des vocalises de Zerbinetta dans Ariadne auf Naxos !

Il y a en effet un raprochement évident à faire avec cet opéra de Strauss, puisque comme dans ce dernier, on trouve des réflexions sur l'opéra, la voix, la mise en scène, dans une première partie en forme de prologue qui comporte des parties parlées, avant que la musique prenne le dessus dans la deuxième.

L'histoire devient alors à moitié surréaliste. On ne sait plus très bien si on est pendant la répétition, dans le rêve de la cantatrice, etc. On est peut-être même dans une bobine de film puisque par exemple à un moment, un effet de lumières stroboscopiques fait voir un mouvement saccadé des personnages qui avancent, et qui se mettent à reculer, puis à avancer à nouveau en répétant leur texte...

Pendant que la cantatrice est ailleurs, Jeanne s'amuse à répéter une chanson avec un baryton un peu coincé. Il est amusant de la voir pasticher le style de Brigitte Bardot, de Britney Spears, de citer une émission de Taratata avec Yannick Noah... Toutes idées que le personnage du metteur en scène approuve.

C'est un curieux spectacle, certainement amusant et déroutant, avec une scénographie très réussie (qu'il est sans doute préférable de suivre depuis des places centrées au parterre). (Je dis déroutant, mais pas volontairement incompréhensible comme l'était la Passion de Pascal Dusapin, qui assistait à cette création.)

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Mats Ek à Garnier (suite)

2011-04-25 23:36+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

Je suis retourné voir la soirée consacrée au chorégraphe Mats Ek. Dans La Maison de Bernarda, on a une distribution sans étoile (curieusement, l'ancien danseur étoile Kader Belarbi apparaît comme artiste invité plutôt qu'étoile invitée, bizarre). Pourtant, globablement, j'ai préféré cette distribution à celle de la première. C'est peut-être une question de point de vue (première loge de côté quasi de trois quarts par rapport au même angle trois étages plus haut). C'est aussi peut-être lié au fait que je revoyais cette pièce. Toujours est-il que j'ai trouvé que cela fonctionnait un peu mieux. L'histoire m'a semblé plus intelligible aussi. Lors de la première, je n'avais même pas remarqué que la sœur bossue était rendue bossue par le costume. J'avais alors eu quelque mal à m'y retrouver entre les cinq sœurs et la servante. Là, tout m'a paru plus clair. Le jeu des danseurs m'a parlé davantage, et par exemple, j'ai mieux compris le sens du coffre rose (pourtant évident...).

Dans la distribution, ce n'est guère une surprise pour moi, mais la danseuse qui m'a le plus épaté a été Alice Renavand. Parmi les bonus : contrairement à Marie-Agnès Gillot, quand elle hurle des insultes, on comprend ce qu'elle dit ! Dans le rôle de la mère, Kader Belarbi est certes moins athlétique que José Martinez, mais j'ai préféré sa façon de montrer l'empire qu'il a sur les filles. En même temps, son corps un peu plus âgé ajoute à la faiblesse du même personnage dans la scène avec le Christ. Au moment où il le repose sur la croix, on a véritablement l'impression qu'il fait un chemin de croix, la statue du Christ ayant évidemment la même forme que la croix. Mélanie Hurel paraît assez bien distribuée dans le rôle de l'aînée. En sœur bossue, Laure Muret joue très bien la comédie, mais Clairemarie Osta était plus impressionnante dans son solo. Il est difficile de départager les couples Charlotte Ranson/Stéphane Bullion et Eleonora Abbagnato/Audric Bézard tant l'interprétation a été différente, ces derniers étant tout autant sensuels que les premiers, mais de façon un peu plus enflammée.

La deuxième pièce me semble toujours Une sorte de... grand n'importe quoi. Depuis les premières loges, les effets sont plus saisissants et on entend mieux les danseurs crier vers le début. Les petites variations entre les distributions (dans les six couples hors solistes) me permettent de mettre un nom sur un visage (de quadrille). Parmi les autres danseurs, il y en a un que je sais reconnaître depuis longtemps à son crâne, Aurélien Houette, qui est toujours assez impressionnant physiquement parlant. Même son ombre projetée d'éclateur de ballon est impressionnante !

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La Passion selon Saint Jean au TCE

2011-04-23 01:53+0200 (Orsay) — Culture — Musique

Je crois que dans mon expérience de dilettante un cycle s'est terminé ce soir. Il y a exactement huit ans (selon le calendrier liturgique), donc le Vendredi Saint de l'an 2003, j'allais écouter au TCE la Passion selon Saint Jean par The Amsterdam Baroque Orchestra and Choir dirigés par Ton Koopman. C'était un des tous premiers concerts de musique classique auquels j'assistais. La deuxième fois au TCE après un Oratorio de Noël le 7 décembre 2002 dont je garde encore un fort bon souvenir.

Ce soir, rebelote, et même plus que ça, puisque c'était la huitième fois que j'assistais à une Passion selon Saint Jean :

1. 2003-04-18 The Amsterdam Baroque Orchestra and Choir, Ton Koopman ;
2. 2005-03-25 Orchestre de chambre de Cologne, Dresdner Kammerchor, Andreas Spering ;
3. 2006-04-06 La Petite Bande, Sigiswald Kuijken ;
4. 2007-03-28 Le Concert d'Astrée, Emmanuelle Haïm ;
5. 2008-03-19 Orchestre du Concert Lorrain, Chœur Arsys Bourgogne, Pierre Cao ;
6. 2009-04-08 Il Fondamento, Chœur de la Radio flamande, Paul Dombrecht ;
7. 2010-04-03 Les Musiciens du Louvre-Grenoble, Marc Minkowski ;
8. 2011-04-23 The Amsterdam Baroque Orchestra and Choir, Ton Koopman.

Inutile de dire que maintenant, j'ai un peu l'impression de connaître cette œuvre par cœur. C'est un peu le problème, parce que du coup, je n'ai presque plus aucune surprise. Je sais exactement à quel moment m'avancer sur mon siège de balcon pour voir les vigoureux coups d'archets des violoncelles et de la contrebasse évoquant la terre qui tremble au moment de la mort de Jésus.

Si depuis huit ans, j'ai appris à apprécier d'autres œuvres que les Passions de Bach, et surtout d'autres styles, c'est une musique que j'apprécie toujours autant, mais comment se fait-il que je sois à ce point blasé pour que, contrairement au reste du public, très nombreux (et par ailleurs respectueux des silences, en particulier celui demandé par le chef à la fin), j'aie été déçu par une prestation qui était au minimum bien ?

L'orchestre était dans une formation assez réduite : un peu plus de vingt musiciens. Une violoniste et une altiste pouvaient se transformer un violistes lors de deux mouvements de la deuxième partie (le temps que les violes soient accordées, on aurait eu le temps de caser un entr'acte !). Deux orgues sont disposées sur scène, un dans un coin, un autre devant le chef, qui en joue pendant les récitatifs.

La version jouée ce soir est tout à fait standard. Contrairement à la façon qui se répand de réduire au maximum le nombre de chanteurs (huit l'année dernière à Pleyel), ici, en plus des quatre solistes principaux, on entend un chœur d'environ vingt chanteurs (parmi lesquels était cachée une amie d'un collègue mathématicien et violoncelliste, que j'avais d'ailleurs eu plusieurs fois l'occasion d'entendre chanter de la musique ancienne à l'ENS il y a quelques années).

Si j'ai été déçu par cette soirée, c'est d'abord du fait de l'évangéliste Tilman Lichdi que j'avais auparavant apprécié lors d'un Oratorio de Noël pourtant décevant. Est-ce en raison d'une tournée pour jouer cette Passion à tous les coins de l'Europe autour de cette fatidique date ? (C'est une hypothèse : je n'ai pas trouvé un agenda de l'orchestre à jour.) Toujours est-il que cet évangéliste m'a semblé comme fatigué. On sent qu'il a envie de bien faire, certains passages de ses airs sont même très intéressants, mais j'ai trouvé que son interprétation de ce rôle était désincarnée (tout l'inverse de Markus Brutscher l'an dernier à Pleyel). Mais pour qu'une Saint Jean fonctionne, il faut un excellent évangéliste !

Le résultat est que cette interprétation de la Passion me paraît extrêmement austère, dépouillée. Autant j'apprécie la façon dont Ton Koopman fait parfois varier le tempo, autant je suis étonné que bien souvent il ne joue pas sur la dynamique. De nombreux passages qui normalement sont spectaculaires paraissent fades. La façon dont le chœur dit Wohin ?... nach Golgatha m'avait complètement saisi il y a huit ans (oui, je m'en souviens encore). Ce soir, c'était plus égal. Du côté de l'orchestre, vers la fin de l'air d'alto Es ist vollbracht (et non pas Er (sic) ist vollbracht comme il est écrit par deux fois dans le programme du TCE), le frissonomètre reste en berne alors que tout devrait exploser sur Der Held aus Juda siegt mit Macht / Und schließt den Kampf. La soprano Marlis Petersen n'a pas trouvé grâce à mes yeux (pourtant, sa robe rouge a été la seule entorse à l'atmosphère austère de la soirée) : s'il ne me déplairait pas de l'entendre à l'opéra, elle paraît moins à l'aise dans ce répertoire. La basse Klaus Mertens, que j'apprécie beaucoup normalement, n'a pas paru dans une forme éblouissante non plus dans son Betrachte, meine Seel et son Eilt, ihr angefochten Seelen, mais son Mein teurer Heiland, laß dich fragen m'a presque consolé.

Cela me rend triste de relever autant de points négatifs... Du côté des choses positives, j'ai vraiment apprécié le chœur, notamment dans les chorals, ou dans le chœur final Ruht wohl....

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Opéra de Paris 2011/2012 (suite)

2011-04-21 16:46+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra — Danse

Ce n'était pas sans éprouver quelques contrariétés que j'avais rempli mon formulaire d'abonnement à l'Opéra pour l'année prochaine. J'avais coché tous les ballets (sauf le Roméo et Juliette de Sasha Waltz) et étais même allé jusqu'à sélectionner quelques opéras (notamment un Tannhäuser à Bastille).

Aujourd'hui, j'ai reçu mon récapitulatif de réservation. J'avais demandé, comme les années précédentes à être prioritairement aux troisièmes ou quatrièmes loges à Garnier, et que l'amphithéâtre ne soit envisagé qu'en tout dernier recours. Pour cette année, ces préférences avaient été prises en compte. Je n'ai eu qu'une place d'abonnement à l'amphithéâtre, pour Giulio Cesare où je m'étais en plus retrouvé derrière un grand chevelu. Un petit mot sur le récapitulatif de l'année dernière s'était excusé par avance du désagrément de ne pas voir tous mes vœux de placement satisfaits.

Sur le récapitulatif reçu aujourd'hui, pas moins de huit billets réservés étaient à l'amphithéâtre. Une fois ou deux par an, cela peut aller, mais à ce niveau, le déplaisir serait trop grand. Heureusement, il faut confirmer son abonnement avant qu'il soit validé. Avant, cela permettait aussi de faire d'éventuelles retouches et cela se passait plutôt bien. Là, au téléphone, quand j'ai demandé s'il était possible de revoir le placement, on m'a dit à peu près que La direction de l'Opéra a toujours été très claire. Les préférences de placement ne sont respectées que dans la mesure des disponibilités. Si cela n'a pas été le cas, c'est que c'était vraiment impossible.. L'impossibilité ainsi constatée d'évoquer des retouches aux réservations cache plus certainement une volonté d'efficacité (traitement plus rapide des dossiers, moins de temps passé au téléphone avec ces enquiquineurs) qu'un souci de la satisfaction des désirs du spectateur (satisfaits fin juin plutôt que fin avril dans mes souvenirs des années précédentes, ce qui permettait aussi de commencer à payer l'abonnement un peu plus tard). En effet, comment expliquer sinon que les dates retenues fussent systématiquement la première des trois que j'avais données alors qu'il était évident que j'avais mis une priorité sur le placement. (Je passe sur le fait que les billets qui m'avaient été réservés à Bastille étaient absolument tous vers le fond du parterre, où jusqu'à cette année ces places étaient vendues trois fois moins chères.)

Heureusement, j'avais établi ma stratégie avant d'appeler. C'était soit négociation soit annulation. J'ai donc décidé d'annuler mon abonnement 2011/2012 à l'Opéra. Mes finances ne vont que s'en mieux porter ! Et tant pis si j'arrive pas à aller voir tous les ballets que je voudrais à 9€ ou 12€...

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Mats Ek à Garnier

2011-04-21 01:58+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

La salle s'est remplie plus doucement que d'habitude, mais au final, elle m'a semblé relativement bien garnie alors que la programmation fait que l'on s'aventure en dehors du répertoire le plus traditionnel de la maison.

Le premier ballet au programme La Maison de Bernarda (Mats Ek) raconte un huis-clos dans une maison espagnole où la mère force toute la maisonnée à porter le deuil du père. La chorégraphie est plus proche des styles classiques que je m'y attendais. Certaines scènes sont dansées sans aucun accompagnement musical. Souvent, les danseurs parlent, enfin, plutôt crient, je veux dire, HURLENT. La musique (enregistrée) s'ouvre et se conclut par du Bach pour orgue (avec à la fin, Toccata et Fugue sans la fugue malheureusement). Au milieu, de la guitare espagnole. La chorégraphie se fait parfois presque mécaniste dans des scènes où la famille devient un peu folle (les personnages s'assommant les uns les autres, en rythme avec la musique). Pour revenir à l'histoire, deux des filles, l'aînée (Ludmila Pagliero) et la jeune (Charlotte Ranson) n'ont pas vraiment envie de porter le deuil, d'autant plus qu'elles sont séduites par un homme (Stéphane Bullion). La fin tragique arrive quelque peu abruptement, après un solo de Clairemarie Osta en costume simili-nudité.

José Martinez (Bernarda) est toujours aussi stupéfiant. Tous les autres danseurs m'ont fait une bonne impression, mais j'ai particulièrement aimé Ludmila Pagliero et Charlotte Ranson (coryphée) que je voyais pour la première fois dans un rôle important.

Le deuxième ballet de Mats Ek au programme Une sorte de... est beaucoup plus facile à regarder, mais on n'y comprend rien... On fait exploser des ballons sur les diverses éminences que recelle le corps humain. On se roule par terre. On s'enferme dans des valises. On boit dans la chaussure de sa partenaire, on purifie le corps de l'autre au pistolet à eau. Fait intéressant : le plateau de scène s'étend jusque sur la fosse d'orchestre, ce qui produit une impression de proximité plus grande qu'habituellement, même depuis ma quatrième loge... Pour ce qui est de la musique de Henryk Mikolaj Górecki utilisée pour ce ballet, je ne l'ai pas trouvée désagréable, mais quand même un peu répétitive.

Nolwenn Daniel avait une belle présence scénique pendant son pas de deux avec Nicolas Le Riche (au moins en partie sans accompagnement musical, il me semble). Après l'avoir vue dans le rôle de l'Élue dans Le sacre du printemps, j'ai beaucoup aimé de voir Miteki Kudo dans un rôle important et fort différent.

Ailleurs : Palpatine, Blog à petits pas.

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Georges Prêtre à Pleyel

2011-04-20 00:33+0200 (Orsay) — Culture — Musique

Au fond, Georges Prêtre (86 ans) est un grand enfant. Pendant la deuxième symphonie de Brahms, il s'amuse avec le grand joujou extra qu'est l'Orchestre de l'Opéra national de Paris.

Sur son estrade, l'absence de rambarde et de pupitre-partition montre qu'il est dans autre chose que la direction d'orchestre au sens habituel. À vrai dire, il réalise un véritable ballet-pantomime pour les musiciens et les spectateurs situés à l'arrière-scène, dont je suis. C'est beau à regarder, mais on aurait quand même envie de lui dire que la musique de ballet n'est programmée qu'après l'entr'acte ! Dans les mouvements lents, il harangue la foule de musiciens à mains nues. Dans les rapides, la baguette devient parfois comme une épée menaçante. Le vénérable chef donne en effet des satisfecits et des remontrances aux différents pupitres. Je ne suis pas fan de Brahms (malgré quelque bon moment avec le Colonne) et cela ne va pas changer avec cette interprétation de la deuxième symphonie. Je suis assez perplexe devant les problèmes de synchronisation des différents pupitres (ça se voit dans les coups d'archets et ça s'entend dans les débuts de phrases musicales). L'effet n'est pas si surprenant tant le chef se dispense de battre la mesure et laisse l'orchestre en pilotage automatique. La fin de la symphonie est fortement atteinte d'une variante du syndrome de l'hydravion, mais j'hésite : était-ce une diligence ou un train à vapeur que l'on voulait arrêter au juste ?

Après l'entr'acte, l'effectif de l'orchestre est augmenté pour la musique du ballet Les Biches de Poulenc. L'œuvre me plaît. On sent que le chef se montre un peu plus sérieux. Pendant la dernière pièce, la deuxième suite de Daphnis et Chloé de Ravel, Georges Prêtre se fait encore beaucoup plus convaincant. Cette œuvre, que je découvre aussi, repose beaucoup sur les instruments à vents (notamment la flûte) et me donne beaucoup de plaisir !

Pour conclure le concert après une vraie standing ovation (même le ministre Mitterrand s'est levé), on donne en bis la Barcarolle des Contes d'Hoffmann d'Offenbach très bien interprétée, sur un tempo un tout petit peu lent.

Ailleurs : Palpatine, Paris Broadway.

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Pelléas et Mélisande au TCE

2011-04-16 02:11+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Après la belle production présentée à l'Opéra Comique l'année dernière, c'était ce soir mon deuxième Pelléas et Mélisande, cette fois-ci en version de concert. J'étais dans des conditions de confort à peu près semblables à celles d'hier pour Parsifal, mais j'ai payé bien plus cher cette place d'abonnement...

La salle du TCE est pleine comme elle l'est rarement. Le deuxième balcon de côté est très bien rempli et il semble que quelques personnes se cachent derrière les meurtrières situées dans les hauteurs du théâtre.

Par rapport au Parsifal d'hier, les entrées et sorties sont un peu mieux gérées et les expressions faciales et les attitudes expriment davantage le sentiment particulier de chaque situation. Conformément à la tradition du TCE, pas de surtitres pour les opéras en français, mais le texte est presque tout le temps parfaitement intelligible. Il y a cependant des moments où le volume de l'orchestre fait que l'on entend encore le son des voix mais plus le sens des paroles.

Sur le papier, on a une distribution de rêve : Natalie Dessay (Mélisande), Simon Keenlyside (Pelléas), Laurent Naouri (Golaud), Marie-Nicole Lemieux (Geneviève), Alain Vernhes (Arkel). Les promesses sont bien tenues. J'ai été particulièrement content d'entendre pour la première fois Simon Keenlyside, qui avait une attelle au coude gauche. Le chanteur qui m'a fait la meilleure impression a été Laurent Naouri, phénoménal Golaud (voix puissante, belles dynamiques, texte parfaitement compréhensible, un jeu idéal compte tenu des limites de la version d'un concert). Dans le rôle de Mélisande, Natalie Dessay a fait une bonne prestation, notamment dans la première scène du troisième acte avec Simon Keenlyside. Il y a cependant des moments, en particulier au début de certaines phrases, où le timbre de sa voix est comme altéré, mais je suis néanmoins content de n'avoir à aucun moment éprouvé la désagréable tension ressentie lors de précédents concerts de cette chanteuse (Giulio Cesare, La Sonnambula) : la crainte que la voix exploserait en plein vol. Espérons que cela continue ! Alain Vernhes et Marie-Nicole Lemieux ont également été très bons, tout comme Nahuel di Pierro dans le rôle du médecin (et du berger) et Khatouna Gadelia dans celui d'Yniold.

À force de voir l'Orchestre de Paris, il y a des visages qui tendent à devenir comme familiers. J'ai été très impressionné par les cordes, dont j'ai apprécié la variété des ambiances sonores produites. Je n'ai pas été immédiatement emballé par les instruments à vents lors de la première apparition d'un motif caractéristique (dans les toutes premières mesures), je ne saurais pas exactement dire pourquoi, mais par la suite, je les ai appréciés aussi, et mon impression sur l'orchestre en général s'est encore fortifiée à mesure que les actes se succédaient. Le chef Louis Langrée avait l'air assez attentif aux chanteurs, se tournant parfois vers eux en faisant du lip sync. Les quelques moments forts vocaux sont bien mis en valeur, mais il est quelque peu dommage que l'enthousiasme communiqué à l'orchestre ait parfois nui à l'intelligibilité du texte. Mais dans l'ensemble, j'ai passé un très bon concert !

Ailleurs : Klari, Palpatine.

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Parsifal au TCE

2011-04-15 02:46+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Je n'avais pas prévu d'aller écouter ce Parsifal au TCE, mais la possibilité d'obtenir des places de première catégorie (en l'occurrence, un premier rang de première loge de face) à 30€ m'avait décidé. Faute de temps, je m'y étais préparé plus sommairement que pour Siegfried, mémorisant quelques motifs parmi les plus importants comme La Cène, Le Graal, La Foi, La Lance, Kundry, Le baume, Parsifal...

Il vaut mieux avoir quelques points de repère pour pouvoir maintenir une activité intérieure et défier la fatigue pendant le concert, très long (début à 18h, fin de la standing ovation vers 23h30), le tempo étant d'ailleurs presque tout le temps très lent.

La grande surprise que j'ai eue lors du premier acte est venu du rôle de Gurnemanz qui y a une fonction qui fait penser à celle de l'Évangéliste dans les Passions de Bach. L'excellente basse Kwangchul Youn arrive à maintenir un intérêt constant pour ce rôle qui n'est a priori pas le plus flatteur (je garde également un très bon souvenir de la performance de ce chanteur dans le rôle de Wurm dans Luisa Miller en 2008). Kundry (Angela Denoke) sert les chevaliers du Graal et le premier d'entre eux (Amfortas) à qui elle administre un baume. Nous sommes en situation de crise : du fait de sa souffrance, il ne peut plus célébrer comme il faut le Graal, touché qu'il a été par la Lance (tout comme le Christ) après que Klingsor l'avait détourné de son vœu de chasteté. On annonce qu'un être innocent pourra récupérer cette Lance, c'est bien sûr Parsifal qui se fait remarquer lors de son entrée parce qu'il commet le sacrilège de tuer un cygne. De façon amusante, Wagner utilise le même motif que dans Lohengrin pour évoquer le cygne. Nikolai Schukoff n'est pas très convaincant dans son rôle au cours de ce premier acte. Il le sera bien davantage dans le deuxième où il va conquérir la Lance. Entretemps, il aura été tenté par les Filles-fleurs, puis par Kundry qui est maintenant sous l'emprise de Klingsor. Angela Denoke est tout aussi impressionnante dans ce rôle que dans Kátia Kabanová. Au troisième acte, on se retrouve au même endroit qu'au premier acte. Gurnemanz reconnaît en Parsifal celui qui va les sauver, Parsifal puis Kundry sont baptisés. Alors qu'Amfortas (remarquable Michael Volle) rappelle qu'il voudrait mourir pour ne plus souffrir de sa blessure, Parsifal entre pour le soigner en mettant la Lance en contact avec son flanc. Parsifal peut alors succéder à Amfortas en maître de cérémonie.

Par rapport à une version scénique, on y perd un peu en cohérence. Dans ce troisième acte, Angela Denoke ne reparaît que pour répéter le mot Dienen (servir) alors qu'à plusieurs reprises, on s'adresse à Kundry alors qu'elle n'est plus en scène. De même, au premier acte, l'interprète de Parsifal est sorti de scène après ses dernières paroles. Pourtant, il est censé assister silencieusement à la cérémonie qui se tient jusqu'à la fin de l'acte, où Gurnemanz lui dit d'aller voir ailleurs.

L'orchestre de l'opéra d'état de Munich dirigé par Kent Nagano a été remarquable. J'ai bien du mal à détailler tant j'étais comme hypnotisé par la musique. Comme je l'ai dit, à part Nikolai Schukoff en demi-teinte, les chanteurs ont tous été excellents. Par ailleurs, chose appréciable, et assez inhabituelle chez Wagner, l'œuvre comporte plusieurs chœurs (certains étant chantés depuis les coulisses) et fait aussi entendre six solistes en filles-fleurs lors du deuxième acte. Bref, cela a été un plus qu'excellent concert !

Ailleurs : Palpatine, David.

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Le spectacle de l'école de danse de l'Opéra (dernière)

2011-04-13 00:54+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

Je suis retourné voir le spectacle de l'école de danse sur une place à 8€. Cela devait être une des toutes meilleures places de cette catégorie ! Facile à repérer sur le plan de salle, un fond de deuxièmes loges de côté quasi de trois-quart (déflation du prix parce que derrière un pilier, heureusement non gênant). Assis, j'aurais vu quelque chose, mais debout j'avais à la fois une vue presque frontale sur la scène et une bonne vue sur l'orchestre (je manquais seulement la première rangée de violons). Avec ou sans jumelles, je voyais bien mieux que depuis une place située à peu près exactement deux étages au-dessus le soir de la première.

La distribution de Dessins pour six est changée à moitié. La prestation des élèves ce soir m'a bien davantage plu que lors de la première. Cette fois-ci, pas de sortie sur un porté spectaculaire comme lors de la première, mais l'interprétation a été beaucoup plus propre et maîtrisée. Des disparités entre les niveaux de souplesse et d'aisance des différentes danseuses se font voir, mais la précision de l'ensemble fait que mon impression sur ce ballet a été complètement modifiée. On va dire que je ne le déteste plus.

J'étais donc dans des dispositions encore meilleures que lors de la première pour le deuxième ballet au programme, Coppélia ou la fille aux yeux d'émail. La magie de cette version ne disparaît pas au deuxième visionnage. La distribution des trois rôles principaux est différente que lors de la première. Il m'est difficile de dire laquelle des deux Swanilda j'ai préférée, tant elles ont été toutes les deux fantastiques à la fois comme danseuses et comme comédiennes. Si Alizée Sicre laissait transpirer une légère impression de fatigue dans le troisième acte, elle m'a fait une excellente impression. Très gracieuse et élégante dans sa danse, elle a magnifiquement bien joué la comédie. Son couple avec Mathieu Contat (Frantz) était très harmonieux. Lui aussi a été très convaincant et très charmeur dans son jeu et dès sa variation du premier acte, il a fait preuve de belles qualités de danseur, qui me mettaient en appétit pour le troisième acte, où il a semblé n'éprouver aucune difficulté lors des portés. Très belle pantomime aussi pour Julien Guillemard (Coppélius). Du côté des ensembles, le positionnement m'a paru plus régulier ; il est intéressant de voir que le niveau progresse d'une représentation sur l'autre ! J'ai encore une fois apprécié la musique de ce ballet, qui s'accorde très bien à la chorégraphie, non sans quelques pointes d'humour.

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Roméo et Juliette à Bastille

2011-04-12 01:47+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

Ce ballet de Noureev ne m'a pas excessivement enthousiasmé. On retrouve des caractéristiques de son style, comme des hommes qui dansent ensemble. Pas mal de vulgarité aussi : on tripote les seins de Rosaline, plus loin, via un tour de passe-passe, c'est l'entrejambe de Mercutio qu'on frôle. Mais, ce ballet, c'est surtout du grand spectacle. Vers le début du premier acte, on assiste à une lutte entre les verts (Montaigu) et les rouges (Capulet). On est un peu comme dans une cour de récréation ou en marge d'un match OM-PSG. On se fait des bras d'honneur. On violente quelque fille du camp adverse. C'est très spectaculaire, mais ce n'est rien par rapport aux combats à l'épée auxquels on assiste à la fin du deuxième acte. On trouve quelques effets cinématographiques, comme lorsque le Frère Laurent, côté cour, explique à Juliette comment elle va feindre la mort : pendant ce temps, au centre de la scène, on voit l'action qui devra se dérouler ensuite. On trouve aussi de belles danses pour Juliette (Laëtitia Pujol), en solo ou avec Roméo (Mathieu Ganio). J'ai également aimé voir Myriam Ould-Braham dans le rôle de Rosaline (qui subjugue Roméo avant que celui-ci voie Juliette). Les autres solistes et le corps de ballet ont bien dansé aussi, mais globalement je n'ai que moyennement aimé la chorégraphie. (À un moment, il m'a semblé qu'il y avait un passage bizarre entre deux scènes : la musique dansante continuait alors que la scène était dans l'obscurité totale. Au climax du ballet, il y a eu (en coulisse ?) un bruit de fin du monde qui détonnait un peu, on se serait cru dans une Passion de Bach quand l'évangéliste raconte que le voile du temple se fend en deux.)

Pour moi, l'intérêt principal de la soirée était d'entendre la musique absolument extraordinaire de Prokofiev ! Je n'avais jamais rien entendu de tel. On nous dit dans le programme qu'il l'a orchestré au rythme de vingt pages par jour. Des orchestrations comme ça, si je pouvais en avoir plus souvent, je dirais pas non !

(Lors d'un entr'acte, ma voisine feuilletait la brochure de l'année prochaine. Et puis elle a regardé les tarifs des abonnements...)

Ailleurs : Blog à petits pas, Danses avec la plume.

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Le Freischütz à l'Opéra Comique

2011-04-10 02:57+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Je ne m'étais pas préparé particulièrement à ce Freischütz. J'en avais lu le livret il y a quelques mois. Je n'avais pas voulu écouter la musique pour en avoir l'entière surprise le soir de la représentation.

Je connaissais seulement l'ouverture. En fait, cette ouverture appartient à la catégorie des ouvertures best-of. On réentendra donc assez souvent des développements de passages déjà entendus dans l'ouverture. (Depuis ma place, je n'avais pendant l'ouverture vue que sur le timbalier qui avait tout juste le temps de régler ses timbales entre deux interventions.)

Il y a à peu près un an, j'avais entendu un extrait de cet opéra à la radio et cela m'avait beaucoup donné envie de l'entendre. J'avais donc de grandes attentes du côté musical. Je m'attendais à trouver quelque chose qui serait à tout moment hybride entre Mozart et les compositeurs allemands ultérieurs. En fait, pendant un acte et demi, j'ai un peu eu l'impression d'entendre du Mozart, et du Weber pour l'autre moitié du deuxième acte et le troisième.

Au premier acte, on apprend qu'Agathe, la fille de Kouno épousera le gagnant du concours de tir qui aura lieu le lendemain, le gagnant obtenant aussi la fonction héréditaire de Kouno auprès d'Ottokar. Max, l'amoureux d'Agathe, vient de subir sa première défaite contre le villageois Kilian. S'il commettait une aussi grande erreur le lendemain, il ne pourrait s'unir à Agathe. Pour augmenter ses chances, il se laisse influencer par Gaspard qui lui promet de lui fournir des balles enchantées. C'est en fait un agent du démon Samiel qui vient réclamer à Gaspard quelqu'offrande. La septième et dernière balle atteindra Agathe, sacrifiée pour lui. Au début du deuxième acte, Agathe discute avec son amie Annette qui essaie, sans bien convaincre, de lui remonter le moral suite aux mauvais présages qui se produisent. Contre l'avis d'Agathe, Max s'en va nuitamment à la Gorge-aux-Loups où Gaspard va fondre les sept balles enchantées. Elles seront gaspillées au début du troisième acte de sorte qu'il n'en restera plus qu'une à Max au moment où il devra faire preuve de son habileté. Au moment de tirer sur la colombe indiquée par Ottokar, Agathe viendra crier que la colombe, c'est elle (comme elle l'aura vu en rêve). Finalement, la balle atteint Gaspard. Tout le monde apprend que Max a pactisé avec le Diable. Suite à l'intervention d'un pieux ermite, Ottokar accepte que Max et Agathe se marient quand même, mais un an plus tard.

Il y a donc un certain contraste entre les situations mélodramatiques du début et l'atmosphère fantastique qui apparaît lors de la scène de la Gorge-aux-Loups. Cette scène m'a semblé très réussie. Gidon Saks (Gaspard) qui paraissait un peu brouillon dans le premier acte y était beaucoup plus convaincant, y compris dans les passages parlés, presque chuchotés de cette scène. Le démonique Samiel apparaît sur scène, joué par Christian Pélissier, le plus souvent silencieux lors des invocations de Gaspard, mais quand il répète en écho Une, Deux, etc, à chaque fois qu'une nouvelle balle est fondue, on peut entendre son impressionnante voix caverneuse. J'ai bien aimé tous les autres chanteurs. La chanteuse qui m'a fait la plus forte impression est Virgine Pochon (Annette) qui a véritablement incarné son rôle (quelle présence scénique ! quel jeu !) et sa partie vocale n'a pas l'air d'être des plus faciles ! Dans le rôle d'Agathe, j'ai retrouvé Sophie Karthäuser qui avait été pour moi une des rares consolations d'un Fidelio de sinistre mémoire. La mise en scène a apparemment accentué le côté très sage de ce personnage, ce qui ne donne pas à la chanteuse l'occasion de briller.

Pour décrire brièvement cette production, il suffit de dire qu'elle a été transposée dans le monde de la fête foraine. Kouno est à la tête d'un stand de tir. Agathe et Annette discutent devant leur roulotte ou à l'intérieur de celle-ci. Cela fait un tout petit peu peur au début de l'opéra, très vif, mais cela me semble une bonne idée. Mis à part l'affadissement du personnage d'Agathe, la mise en scène m'a semblé réussie. Il y a quelques passages étonnants, comme lorsque dans la scène de la Gorge-aux-Loups Max voit des apparitions de sa mère et d'Agathe, il est face au public et ces deux personnages traversent le fond de la scène, dans son dos ! Quand Max tire de son fusil au troisième acte, à sa droite Agathe et à sa gauche Gaspard tombent tous les deux alors que Max visait dans d'autres directions ! Sur le coup, on ne comprend pas bien l'influence de l'ermite qui est censé avoir protégé Agathe. Ce que j'ai trouvé assez frappant, c'est la façon dont on laisse mourir Gaspard sans se préoccuper le moins du monde de son sort. On se réjouit joyeusement qu'Agathe n'ait pas été touchée par le coup de fusil tandis que l'autre est en train de mourir ; on se réjouit même de ce que le diabolique soit puni.

À un moment, j'ai un peu buggé parce que j'ai eu l'impression d'entendre une musique que je connaissais déjà, ce qui était bizarre vu que je n'ai que l'ouverture dans ma discographie... En fait, très vite, j'ai reconnu L'Invitation à la valse du même Weber que je connaissais parce que c'est la musique du ballet Le spectre de la rose présenté à Garnier dans le programme Ballets russes en décembre 2009. Le programme explique que la tradition française voulant que les opéras inclussent des scènes de ballets, Berlioz avait inséré cette pièce de Weber (originellement pour piano et qu'il avait donc dû orchestrer). En dehors des applaudissements accompagnant la fin de quelques airs, du fait de la transformation (et réduction) des parties parlées en récitatifs par Berlioz, la musique se déroule presque sans interruption dans chacun des trois actes. Dans cette version française de l'opéra, on arrive à comprendre ce que chantent la plupart des chanteurs !

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Le spectacle de l'école de danse de l'Opéra

2011-04-08 01:26+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

Comme l'année dernière, je suis allé voir le spectacle de l'école de danse de l'Opéra. Cela a commencé par une court ballet de John Taras dont j'avais tant aimé Piège de lumière programmé l'année dernière dans le spectacle. Ce ballet pour six danseurs (quatre filles et deux garçons) ne m'a pas beaucoup intéressé. La musique de Tchaikovski est pour une formation de chambre : piano, violon, violoncelle. Le piano commence par énoncer un thème et de nombreuses variations suivent. Cette pièce ne m'a pas enthousiasmé outre mesure, mais ayant un petit faible pour la configuration piano-violoncelle, je ne me suis pas ennuyé pour autant. Sur la scène vide (fond bleu), les six danseurs évoluent, par trois, par deux, par six, etc. Cela ne raconte pas d'histoire et il n'y a pas non plus un déluge d'émotions (il y en a quand même un tout petit peu). Une belle variation pour un couple se termine par une sortie sur un porté acrobatique. Beaucoup de moments où les danseuses font presque du sur place sur pointes en tournant autour de leurs camarades. C'est au mieux mignon, mais dans un genre voisin, je préfère encore Apollon de Balanchine, qui ne m'avait pourtant pas beaucoup plu.

L'essentiel de la soirée est consacré à l'autre ballet au programme, Coppélia ou la fille aux yeux d'émail de Pierre Lacotte, d'après Arthur Saint-Léon (livret de Nuitter d'après Hoffmann). Il s'agit en fait d'une reconstitution du ballet d'origine, où on a cependant confié le rôle de Frantz à un danseur plutôt qu'à une danseuse travestie comme lors de la création de 1870.

La comparaison entre ce spectacle de l'école de danse et la Coppélia de Patrice Bart par le ballet de l'Opéra est cruelle... mais elle est nettement à l'avantage de l'école de danse !

Tout d'abord, dans la fosse, c'est l'Orchestre de l'Opéra de Paris dirigé par Marius Stieghorst qui avait déjà fait des merveilles l'année dernière pour la musique de Piège de lumière (Damase). Par rapport au résultat obtenu par Koen Kessels, il y a une grande différence ! Et pourtant, j'avais été satisfait par l'orchestre Colonne, notamment dans les passages extraits de Lakmé. Ici, à un numéro près, on entend que la musique d'origine de Delibes pour Coppélia. Elle est jouée de façon beaucoup plus vivifiante, enjouée. Le tempo est plus rapide (privilège de la jeunesse ! La chorégraphie est aussi moins tortueuse). Du côté de la dynamique, le chef met apparemment plus volontiers en valeur les p que les f. Quelques instruments à percussion insolites (dans le prélude du début du deuxième acte, je n'ai fait que regarder les deux percussionnistes, qui ne faisaient rien ! mais regardaient beaucoup autour d'eux). Les musiciens ont donné l'impression de prendre un certain plaisir à jouer pour les élèves de l'école de danse, comme le harpiste, qui était apparemment Emmanuel Ceysson ce soir.

Cette version de Coppélia a une histoire beaucoup plus claire que celle de Patrice Bart. Coppélius est bien un vieux pervers. Il veut transférer l'âme de Frantz qu'il a drogué dans Coppélia, la fille aux yeux d'émail dont Frantz s'était amouraché pour l'avoir vue depuis la rue. En fait, quand Swanilda et ses amies avaient été surprises par Coppélius après qu'elles étaient entrées chez lui et avaient vu ses divers automates, elles avaient toutes fui, sauf Swanilda qui avait pris la place de Coppélia. Coppélius croit insufler un souffle vital dans Coppélia, mais c'est Swanilda qui fait semblant de se mouvoir comme un automate, puis progressivement, au fur et à mesure que les doses d'âme successives arrivent, elle se met à se déplacer comme une véritable jeune fille.

Dans la version de Bart, en plus du corps de ballet, la danse reposait sur trois individualités : Swanilda, Frantz, Coppélius. Dans cette version, tout ou presque repose sur les épaules de la seule Swanilda ! au moins dans les deux premiers actes. Le personnage de Frantz n'y a en effet pas beaucoup à danser, et il est heureux que Pierre Lacotte ait ajouté une variation au personnage. Coppélius n'a que de la pantomime, mais elle est très réussie, ce qui rend d'autant plus convaincant le spectacle dans son ensemble. Bien sûr, on trouve aussi de très beaux ensembles au premier acte.

Ce soir, c'était Marie Varlet qui dansait le rôle de Swanilda. Elle a été absolument fantastique. La métamorphose de Coppélia au deuxième acte a été merveilleuse, passant d'un automate désarticulé à une vraie jeune fille, et rapassant sans cesse de ce rôle en métamorphose à son rôle de Swanilda inquiète du sort de Frantz endormi à la table de Coppélius dès que celui-là a le dos tourné.

Le troisième acte s'achève sur les noces de Frantz et de Swanilda. Il permet de mettre en scène une succession d'ensembles. Le rôle de Frantz devient alors résolument dansant et on apprécie l'aisance avec laquelle il porte sa partenaire. Certes, tout n'a pas été absolument parfait, mais quel beau spectacle cela a été !

Pierre Lacotte est venu saluer, et Elisabeth Platel, la directrice de l'école de danse, a eu le temps de quitter son strapontin du dernier rang de l'orchestre pour venir saluer aussi avant de s'écarter pour laisser aux élèves le mérite qui leur revient.

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Shashank au Théâtre de la Ville

2011-04-05 01:04+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Culture indienne

Je n'étais pas retourné au Théâtre de la Ville (Place du Châtelet) depuis presque un an (c'est comme y aller pour la première fois, d'ailleurs je ne m'étais même pas rendu compte que sur la façade on pouvait encore lire Sarah Bernhardt ; je croyais que ce nom avait été abandonné depuis longtemps !). La dernière fois, c'était pour un concert Tambours sacrés de l'Inde assez inintéressant.

Le concert de ce soir est un récital du flûtiste Shashank, que j'avais déjà entendu lors des vingt-quatre heures du raga. Je n'ai pas été excessivement enthousiasmé par ce concert. Le flûtiste, qui lors des silences insérés s'éponge le visage, change de flûte ou boit de l'eau, est accompagné de deux percussionnistes, l'un du Sud (mridangam), l'autre du Nord (tablas) (ah oui, j'ai peut-être oublié de le préciser, mais ils viennent bien sûr tous d'Inde !), ce qui donne un côté un peu hybride à la formation. Je me serais bien contenté d'un seul des deux, avec une préférence pour Parupally Phalgun qui avait l'air davantage dans son élément. Chose inhabituelle pour un musicien du Sud, la première partie est un Alap annoncé sur une gamme pentatonique. J'entends quelque spectatrice murmurer Qu'est-ce que c'est que ce truc ?!. J'aurais bien eu envie de lui répondre d'attendre un peu... C'est qu'il a plutôt pris son temps, tenant des notes assez longtemps, insérant des silences, avant de laisser se développer librement la mélodie, bientôt suivie de l'entrée des percussionnistes. Après, il a interprété la composition principale sur le mode Purvi Kalyani. Une deuxième composition est venue ensuite ; il en a d'abord chanté le śloka en l'honneur de Krishna (sous le nom de Gopala). Au cours de de cette pièce comme dans la précédente, on assiste à quelques questions/réponses entre les musiciens, chose qui semblerait plus courante dans la musique du Sud par rapport à celle du Nord (en tout cas, dans les récitals de danse bharatanatyam, c'est systématique !). On assiste à un déluge de virtuosité du flûtiste, mais c'est carrément trop démonstratif, au point de me faire oublier d'apprécier la musique... La fin des morceaux est systématiquement atteinte du syndrome de l'hydravion (il a beaucoup de mal à atterrir le pauvre aéronef, tous les effets et manœuvres sont essayés, on touche l'eau, mais non, on est obligé de remettre les gaz et cinq minutes plus loin, on a bien fini par y arriver, mais complètement épuisé).

Deux dévotionnels sont ensuite joués. Le premier est un duo rythmique (avec un tout petit peu de flûte à la toute fin) sans intérêt si ce n'est le petit jeu de questions/réponses entre les percussionnistes, jusqu'à en arriver à frapper leurs peaux respectives un temps sur deux à tour de rôle. Le deuxième est intitulé quelque chose comme Indu Bharavi. Le public en redemandant, un dernier morceau non prévu est joué pour conclure ces presque deux heures de musique.

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Humour noir à l'Athénée

2011-04-03 02:05+0200 (Orsay) — Culture — Musique

Quel beau concert que celui de ce quatuor à cordes (Thymos) formé de musiciens de l'Orchestre de Paris au théâtre de l'Athénée — Louis Jouvet. C'est la première fois que j'y mets les pieds, à deux pas de l'Opéra (ne pas confondre avec l'hôtel Plaza Athénée situé tout près du TCE...). J'en avais entendu parler par Klari à propos d'un précédent concert de la série.

Le lieu est tout ce qu'il y a de plus charmant, accueillant et sympathique. Malheureusement, la salle est remplie à peine aux deux tiers (seuls l'orchestre et la corbeille de face sont bien garnis). Un ouvreur m'a fait signe au moment où je commençais à envisager une migration depuis le dernier rang du balcon. Je ne me suis pas fait prier pour saisir l'opportunité qui m'était faite de m'installer au premier rang de corbeille sur l'extrême côté, tout près de la scène.

Je crois que je n'ai jamais été dans d'aussi bonnes conditions autant visuelles qu'acoustiques pour un concert de musique de chambre. Le thème est l'humour noir. En prélude au concert et entre les pièces, le comédien Michel Fau lit remarquablement bien quelques textes très drôles (je me disais bien que sa tête me disait quelque chose : d'après mes archives, je l'avais déjà vu dans L'Orestie à l'Odéon en 2008). On entendra ainsi un sermon du Diable extrait de L'Apocalypse joyeuse d'Olivier Py, un texte attribué à Aristote évoquant six systèmes politiques (royauté, aristocratie, timocratie, tyrannie, oligarchie, démocratie), les trois derniers étant les versions corrompues respectives des trois premiers. Le dernier sera un texte de Copi extrait du Bal des folles où un inverti raconte son histoire d'amour avec un Pierre amouraché à un(e) Marilyn ayant un serpent pour animal de compagnie. Nombreux fous-rires dans la salle.

Venons-en maintenant à la musique. Cela commence par trois courtes pièces de Stravinski utilisant des sonorités très variées. La violoncelliste et le violon II échangent leurs places. Vient ensuite l'œuvre qui m'a le plus enthousiasmé : le quatuor à cordes nº2, opus 33 (Hob. III:38) de Haydn. J'apprécie de voir les musiciens se faire de petits signes, sourires et grimaces. Les deux premiers mouvements sont assez espiègles. Le troisième, lent, est plus sage. Lors du quatrième, je me dis d'abord qu'on est à côté du thème, mais la toute fin me fait comprendre la raison de son insertion au programme : après plusieurs répétitions du thème de ce mouvement, il faut bien terminer le quatuor et c'est fait en introduisant quelques silences à divers endroits des derniers développements de façon à ce qu'à plusieurs reprises on puisse avoir l'impression que le quatuor est terminé. Et cela recommence... encore... une dernière fois... allez, encore une autre... C'est bon, maintenant, vous pouvez applaudir. Si j'ai aimé cette œuvre, je crois que ce n'est pas seulement parce que c'était de Haydn... mais peut-être aussi parce que c'était merveilleusement bien interprété.

La troisième œuvre au programme est un quatuor en trois mouvements de Charles Ives (dont je ne connaissais le nom que parce qu'il apparaît dans le titre d'une œuvre de John Adams, jouxtant dans la discographie son remarquable concerto pour violon électrique The Dharma at Big Sur). Elle est précédée d'une petite introduction du violoniste Gabriel Richard qui était jusque là violon II et qui passe violon I, les musiciens ayant repris la configuration standard du quatuor (de gauche à droite : violon I & II, alto, violoncelle). Il nous explique que l'œuvre met en jeu quatre hommes (sic) qui lors du premier mouvement (Andante emasculata !) vont parler chacun dans leur coin, lors du deuxième mouvement se disputer ouvertement, et lors du troisième joindre leurs efforts pour aller à l'assaut d'une montagne jusques auprès du firmament. (Il indique aussi beaucoup d'emprunts, mais je ne les ai pas reconnus.) C'est annoncé comme atonal, mais cela s'écoute finalement très bien, en tout cas beaucoup plus que l'atonal qui se joue ces jours-ci à Bastille.

Le concert se termine par l'ouverture du Vaisseau fantôme (Wagner) revisitée par Hindemith (cf. plus haut pour le titre complet...), ce qui donne lieu à un grand n'importe quoi où l'on reconnaît parfois un peu l'œuvre d'origine mais aussi des délires qui semblent singer d'autres genres musicaux. Au début, les musiciens étaient affalés dans des fauteuils et un lit (du décor de la pièce qui se joue ces jours-ci dans ce théâtre). Il faudra toute la persuasion de Michel Fau pour que, apparemment sans conviction, les musiciens voulussent bien se lever, se mettre devant leurs pupitres, mettre la bonne partition devant leurs yeux fatigués et jouer tout en essayant de donner l'impression qu'ils déchiffrent l'œuvre. Dans ce numéro, Gabriel Richard et Nicolas Carles sont plus joueurs que leurs deux collègues.

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Akhmatova à Bastille

2011-03-31 07:53+0200 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra — Lectures

J'ai assisté lundi dernier à la création d'Akhmatova (Mantovani) à Bastille. Mes impressions sont sur le Biblioblog.

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Le Chant de la nuit (LSO/Gergiev) à Pleyel

2011-03-27 01:50+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Ce n'est pas exactement la première fois que j'entends du Mahler en concert, puisque les Kindertotenlieder (et des œuvres d'autres compositeurs) avaient été chantés par Thomas Hampson au TCE il y a deux mois. Cependant, c'est la première fois que j'entends une symphonie de Mahler en concert (dans ma CD-othèque, je n'ai que la dixième symphonie, écoutée une unique fois il y a plus de deux ans). Entendre est un mot bien faible pour décrire l'expérience toute physique dont le corps fait l'objet pendant toute la durée du concert.

Comment ai-je pu me tenir éloigné de cette musique pendant si longtemps ! Jamais un concert ne m'avait fait me sentir autant minuscule devant la grandeur de la musique, qui m'a saisi dès le premier mouvement. Vu les explications amusantes de Klari dont j'ai hérité de ma place à l'arrière-scène, il est évident que l'on ne saisit pas tout ce qui se passe, loin s'en faut ! Il se passe tellement de choses en même temps ! Cela dit, certains thèmes et rythmes, même s'ils passent d'un pupitre à un autre, sont parfois installés de façon assez insistante pour qu'on arrive à suivre, un peu.

C'est aussi ma première fois avec le London Symphony Orchestra. Je me réjouis par avance de la série de concerts de cet orchestre à laquelle je me suis abonné pour l'an prochain. En revanche, j'avais déjà aperçu Valery Gergiev diriger un Lohengrin à Bastille il y a quatre ans. Cette fois-ci, je suis on ne peut mieux placé pour le voir remettre sa mèche de cheveux en place sur le crâne (il l'a par exemple fait à trente secondes de la fin comme pour se faire beau pour les saluts, mais entretemps, la mèche avait déjà repris sa liberté). Passons sur ce détail capillaire. Le style de direction n'est manifestement pas du genre à utiliser avec un orchestre sous-excellent ! Pendant le premier mouvement, et un peu moins par la suite, il avait les yeux constamment rivés sur la partition, regardant cependant un peu de temps en temps les vents et les cuivres, battant la mesure de la main droite et donnant des indications aux premiers violons de la gauche. Tout le reste semble passer par messages subliminaux signifiés par des muscles faciaux d'un micropouillième carré ! Parfois, les indications sont faciles à comprendre pour le béotien que je suis, mais le plus souvent, il fait une drôle de moue en direction de quelques musiciens ; il doit falloir être initié pour comprendre ce que cela signifie... Je ne sais pas si c'était juste pour passer le temps, pour analyser ou simplement pour être sûr de prendre le train en marche, mais il y avait dans mon champ de vision, tout devant moi, un joueur de mandoline (absolument silencieux pendant les trois premiers mouvements) qui suivait sur une édition de poche de la partition d'orchestre ! Comme je dis plus haut, par moments, on est pas trop perdus, mais à d'autres, cela court dans tous les sens. Les cordes ont a un moment, deux ou trois fois de suite, produit un bruit sec avec leurs archets. Malgré la répétition, je n'ai pas réussi à ne serait-ce que voir ce qui se passait. À l'oreille, on aurait dit qu'ils n'avaient vraiment pas peur de casser en deux leurs archets.

Si le premier mouvement est tendu et assez imposant du point de vue du volume sonore, les mouvements centraux contiennent des passages plus apaisés, presqu'amusants (jusqu'à l'utilisation de cloches de vaches). Je ne sais pas comment cela se compare à d'autres interprétations, en tout cas, ce soir, la symphonie a été jouée en 1h15.

(Le concert sera diffusé sur France Musique le lundi 11 avril à 9h07.)

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Amel Brahim-Djelloul et le Pasdeloup au Châtelet

2011-03-27 00:57+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Ce samedi après-midi, ma visite semestrielle au Théâtre du Châtelet pour un concert sélectionné pour la très-charmante soprano Amel Brahim-Djelloul. L'occasion aussi d'entendre une première fois l'orchestre Pasdeloup. Le programme n'était pas très clair ; je n'ai compris le déroulé du concert qu'en cours de route. Au lieu de jouer les quatre mouvements de Shéhérazade à la suite, on a en effet intercalé diverses œuvres méditerranéenisantes entre les différents mouvements. Les chansons originaires d'Espagne ou du Maghreb La Serena et Klaa Beni Abbes sont jouées au violon par Rachid Brahim-Djelloul, le frère de la soprano, avec aussi un ud et des percussions. Vu la différence de style par rapport au lyrique, il fallait être particulièrement audacieux pour chanter ces chansons sans sonorisation dans un tel théâtre. Cela passe étonnamment bien ! Du point de vue vocal, j'ai surtout aimé la première mélodie hébraïque de Ravel (orchestrée). La deuxième est en yiddish ; cela m'a fait bizarre parce que c'est la première fois que j'entends un chant dans cette langue que j'eusse prise pour de l'allemand si je ne l'avais pas lu dans le programme. On a aussi inséré un mouvement du concerto pour violon de Khatchaturian. Les solos de violons sont joués par Gilles Apap, que ce soit dans ce concerto que dans Shéhérazade (à part au tout début où c'était Rachid Brahim-Djelloul). Au lieu de rester à la place traditionnelle du soliste dans un concerto pour soliste et orchestre, à savoir à la gauche du chef, il entrait et sortait de scène, passait devant l'orchestre, derrière le chef, tout en jouant et en gardant un air décontracté. Cela pouvait se défendre dans Shéhérazade parce que cela coïncidait toujours avec l'apparition-réapparition du même thème qui semblait à chaque fois revenir de loin, m'enfin dans le mouvement de concerto pour violon, cela ne faisait juste pas très sérieux. (J'ai aussi remarqué une technique violonistique que je n'avais encore jamais vue : parfois, au lieu de maintenir le violon dans le cou avec le menton sur la mentonnière, le violon était parfois tourné vers l'avant, dans un plan presque vertical, la tranche contre le menton. Cela porte un nom ?)

Bien que j'aie plutôt passé un bon moment, ce concert s'effacera probablement assez vite de ma mémoire. Comme j'avais du temps devant moi avant le concert qui suivait, je suis resté pour la séance de dédicaces et ai ainsi pu féliciter Amel Brahim-Djelloul pour son interprétation des Quatre poèmes hindous mis en musique par Maurice Delage (dans son album Les 1001 nuits avec la pianiste Anne Le Bozec) ; j'aime tout particulièrement Lahore : Un sapin isolé (pas de lien parce que pas trouvé sur Deezer).

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Christophe Rousset aux Billettes

2011-03-27 00:52+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Vendredi soir à l'Église des Billettes : récital Couperin de Christophe Rousset. Couperin, oui, mais lequel ? comme le claveciniste dira en introduction à un bis. Louis et François alternent. Même si un des bis s'appelle malicieusement Les Amusements (F. Couperin), ce n'est pas une musique très drôle. C'est très austère surtout chez Louis Couperin, mais tellement français. Quelques passages très virtuoses dans le Dix-septième ordre de François Couperin. Une tourne plus rapide qu'un éclair dans une des pièces qui suivront.

Depuis ma place au deuxième étage du mauvais côté, je pouvais quand même voir le premier clavier et le claveciniste de trois-quarts face. Il faudrait vraiment que les productions Philippe Maillard revoient leur système d'éclairage de la scène en configuration récital de clavecin, parce que le visage de Christophe Rousset n'arrêtait pas de passer de l'ombre à la lumière. Lors du récital de Benjamin Alard auquel j'avais assisté depuis une place à peu près symétrique, la partition était dans l'ombre du claveciniste. Je pense que ce n'est agréable ni pour le public ni pour le soliste...

Malgré le retour dans l'audience du spectateur à moitié fou des Concerts Parisiens que je n'avais pas aperçu depuis des lustres (quand après une petite heure de concert, j'ai entendu dans mon dos les bruyants pas de quelqu'un s'installant au deuxième rang et faisant toutes sortes de bruits, même dans le noir complet, j'étais sûr que c'était lui !), j'ai beaucoup apprécié ce concert. Christophe Rousset rejoint donc Pierre Hantaï au sommet de ma liste de clavecinistes préférés.

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Bacchus et Ariane au TCE

2011-03-25 01:32+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Un peu plus d'un mois s'est écoulé depuis le catastrophique Fidelio dirigé par Kurt Masur. On reprend ce soir le même orchestre, mais cette fois-ci heureusement dirigé par Yutaka Sado, dont je m'aperçois que je ne l'avais vu que deux fois avant avec l'orchestre Lamoureux.

En hommage aux victimes du tsunami et en présence de l'ambassadeur du Japon, l'orchestre commence par l'Air de la troisième suite pour orchestre de Bach, suivi d'une minute de silence. Oui, le TCE a été parfaitement silencieux une minute, c'est absolument incroyable : les toux maladives n'ont surgi qu'à la toute fin. Vint ensuite l'ouverture de Gwendoline de Chabrier. On a beau dire que c'est wagnérien, comme avec Franck, je préfère de loin l'original. En dehors du Roi malgré lui, il n'y a à peu près rien de Chabrier que je puisse supporter... Je ne dirai rien du concerto pour piano L'Égyptien de Saint-Saëns pendant lequel je n'étais pas loin de m'assoupir (par fatigue plus que par indifférence). Le court concerto pour piano et orchestre de Guillaume Connesson (qui est venu saluer) dédié à et créé en 2009 par Jean-Yves Thibaudet est plutôt agréable à écouter. Le concerto est intitulé The Shining One. C'est raccord avec le bijou brillant et über-bling-bling que le pianiste porte au niveau de la ceinture.

Si je suis venu assister à ce concert, c'est pour la deuxième partie où l'on joue les suites pour orchestres tirées du ballet Bacchus et Ariane d'Albert Roussel, un compositeur que j'ai découvert par son opéra-ballet Padmâvatî et grâce à qui j'ai eu l'idée de visiter Chittorgarh. Si la musique de ce ballet est dans ma CD-othèque, ce n'est pas celle que je connais le mieux : mon rêve serait de voir représenter Le Festin de l'araignée, ce pour quoi il y aurait un petit espoir puisqu'il est au répertoire de l'École de danse de l'Opéra. Fuyant un renifleur que j'ai eu à subir en première partie et profitant de la vacance de nombreux sièges à tous les étages, je me suis replacé au quatrième rang du parterre, un peu sur le côté, du côté des seconds violons. Les premiers violons sont en face de moi, les contrebasses sont visibles entre les rangs des seconds violons. Je vois quelques altos, un flûtiste, et aperçois dans le fond quelques percussionnistes. Bien sûr, je vois le très grand et sautillant Yutaka Sado. Dès les premières secondes, je comprends que je vais passer un très-agréable moment. Quelques thèmes reparaissent épisodiquement. À certains moments, je me dis qu'assurémment, cette œuvre a été composée après Le sacre du printemps... N'ayant pas suffisamment préparé mon écoute, je n'arrive pas à mettre une histoire sur tout ce que j'entends, à part au début de la deuxième suite où il est évident qu'on est au moment où Ariane, abandonnée, va se réveiller.

Avec un bon pilote, l'ONF tient parfaitement la route !

Ce concert est à réécouter sur le site de Radio France.

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Solistes du Berliner Philharmoniker et Yuja Wang à Pleyel

2011-03-21 00:46+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Première fois avec le Berliner Philharmoniker, enfin un tout petit sous-ensemble de musiciens de cet orchestre pour ce programme de musique de chambre.

Pendant le quintette de Mozart, j'ai eu l'impression que le volume sonore des musiciens était assez sous-dimensionné par rapport à la taille de la salle. Comme avec les voix à l'opéra, l'oreille s'y habitue néanmoins au bout d'un certain temps, mais gare aux bruits parasites provenant des autres spectateurs ! Pendant le premier mouvement Allegro (pas très rapide pourtant), les musiciens semblent donc rivaliser pour être celui qui jouera le moins fort. Encore un peu plus et ils eussent été complètement inaudibles depuis le premier balcon où j'ai pu bonifier ma place située derrière les barrières par quelque petit replacement de l'autre côté de l'escalier. L'impression qui se dégage de cette formation (dont l'effectif est unique dans la production de Mozart) est celle de la douceur qui semble transmise à l'ensemble par le jeu du clarinettiste. Le premier mouvement m'a paru être un véritable délice. Le deuxième m'a semblé à la limite ennuyeux, d'autant plus que le tempo était très lent. Le Menuet du troisième m'a réveillé et arrivé au quatrième mouvement, je me disais que cela allait malheureusement se terminer bientôt... Il est à noter que cette œuvre est totalement exempte de celles des caractéristiques stylistiques habituelles de Mozart qui en général m'exaspèrent !

En deuxième partie de programme, le quintette La Truite de Schubert que j'avais déjà eu l'occasion d'entendre en concert. J'ai nettement préféré cette deuxième écoute en concert, ne serait-ce que pour des raisons acoustiques (l'année dernière, le son du piano de François-Frédéric Guy m'avait paru comme étouffé ; je ne sais pas d'où sort le conte selon lequel l'acoustique de la Cité de la Musique serait exceptionnelle). Parmi les détails qui font plaisir à voir, il y a les petits gestes et mimiques que les musiciens complices se font pour maintenir la cohésion de l'ensemble. Bien sûr, il y a aussi la très belle Yuja Wang que je voyais pour la première fois en concert, dont malgré un placement aux numéros pairs je vois les mains courir sur le clavier à chaque fois que l'altiste se penche un peu en avant. Comme j'avais perdu un peu de mon attention lors de ce mouvement, j'ai été tout particulièrement content que le quatrième mouvement ait été bissé !

Ce fut un programme un petit peu court (faisant toutefois partie d'une série de concerts sur l'ensemble du week-end), mais fort agréable. J'ai été très amusé par la concurrence qui existait entre la distribution gratuite du programme (sur une feuille toute simple) par les ouvreurs de la salle et la vente à la criée du programme des producteurs Piano ****. (Par rapport à d'autres salles, j'apprécie que le programme soit pratiquement tout le temps gratuit Salle Pleyel et le plus souvent téléchargeable sur Internet quelques jours à l'avance. Cela me fait toujours bizarre les rares fois où il y a là-bas un programme payant !)

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Coppélia à Garnier

2011-03-20 01:07+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

Ce ballet Coppélia de Patrice Bart ne m'a guère intéressé. Il s'agit d'un remake d'un ballet du même nom d'Arthur Saint-Léon. C'est vaguement inspiré d'Hoffmann, la même source qui inspira l'acte d'Olympia dans Les Contes d'Hoffmann d'Offenbach. Il ne reste en vérité plus grand'chose du conte d'origine. Le jeune homme (Frantz) est tout simplement un amoureux de Swanilda et celle-ci est bien de chair. Certes, il a un peu regardé l'image d'une jeune fille dans le livre de Coppélius, mais cela ne justifie qu'une petite chamaillerie d'amoureux. Celui en lequel la confusion s'installe, l'opium aidant, est Coppélius, qui aimerait faire revivre la jeune fille de son livre (curieusement, Coppélius est habillé en beau jeune homme, ce qui a de quoi induire une confusion entre les rôles de Coppélius et de Spalanzani, que je n'ai pu élucider qu'au fait que je pouvais reconnaître Stéphane Phavorin). Coppélius arrive à attirer Swanilda jusques à chez lui où règnent les automates. En enfilant le costume de la reine du blé, elle est comme désaisie de sa propre personnalité. Heureusement, elle s'en rend compte et parvient à se défaire de cette influence.

Le premier acte m'a paru assez inintéressant. La danse manque d'émotions. On a essentiellement le droit à un numéro pittoresque, Mazurka et czardas, et une querelle entre Swanilda et Frantz qui voudrait lui offrir sa collection de papillons. Pourtant, la musique de Delibes s'avère plus intéressante que la musique moyenne des ballets, d'autant plus qu'à la musique du ballet d'origine ont été ajoutées d'autres compositions de Delibes, et tout particulièrement des numéros de son opéra Lakmé. Peut-être est-ce parce que je connais très bien cet opéra ? toujours est-il que les moments les plus marquants musicalement dans ce ballet m'ont semblé être ceux tirés de cet opéra. (Cela dit, l'à-propos de l'utilisation des morceaux autres que ceux qui étaient déjà prévus pour des épisodes dansés dans l'opéra peut paraître douteux. Pour moi, certains thèmes de cette musique sont lourdement chargés émotionnellement par les paroles de l'opéra : à un moment, il me semblait pouvoir entendre Il faut qu'il meure ! Vengeance ! Vengeance ! se superposer à la musique alors que sur scène, entre Swanilda et Frantz, tout allait pour le mieux et il n'était pas question de suicide par ingestion de datura !) On notera cependant que pour les autres numéros, les pas de danse et la musique s'accordent extrêmement bien et non sans humour.

À la fin du premier acte, Coppélius fait une entrée sur une Coda sans les chœurs extraite de Lakmé, ce qui ranime mon intérêt pour le ballet. Au début du deuxième acte, il n'y aura presque plus de danse, mais j'avoue que j'ai pris un certain plaisir à regarder cette pantomime. Swanilda entre chez Coppélius par une porte située en hauteur et d'où descend un escalier. Elle est accompagnée de ses amies (parmi lesquelles Mathilde Froustey a le rôle le plus important, ce qui me donne pour la première fois l'occasion d'apprécier sa pantomime). On se moque des soldats-automates (de ma place excentrée, je n'en voyais qu'un), on s'amuse à regarder les trois danseuses-automates que Swanilda imite. Un petit numéro de ballet dans le ballet avec les amies de Swanilda qui exécutent un peu mécaniquement des exercices comme des danseuses devant une barre et Swanilda qui vient pointer les défauts. À la fin, on retrouve Swanilda et Frantz dans un pas de deux, à nouveau sur la musique de Lakmé (Ouverture et Entr'acte de l'acte III). Cela permet de finir le ballet sur une bonne impression.

L'orchestre Colonne m'a semblé très bien, autant que je puisse en juger par rapport aux numéros musicaux que je connaissais déjà (qui sont ceux tirés de Lakmé). Bien sûr, le tempo est parfois un peu lent, mais il ne faut pas oublier qu'il y a aussi des danseurs... Compliments particuliers à la hautboïste pour Persian !

En bref, il y a de la belle musique, mais cela manque un peu de danse. Mes impressions sur la danse ne sont pas très précises vu que j'étais à une troisième loge excentrée et sans jumelles... Cependant, j'ai bien aimé Stéphane Phavorin dans le rôle de Coppélius (mais existe-t-il un seul rôle dans lequel il ne soit pas bon ?). C'était la première fois que je voyais Nolwenn Daniel dans un premier rôle. Je l'ai trouvée convaincante en Swanilda. J'ai bien aimé son pas de deux avec Karl Paquette (Frantz). Je ne connais pas grand'chose dans la technique, mais il me semble que je n'avais jamais vu certains types de sauts qu'il a réalisés lors du premier acte dans lesquels on a l'impression qu'il tourne à l'envers !?

À propos des décors, si on a vu ceux de La petite danseuse de Degas, il paraît évident qu'ils sont du même décorateur !

La représentation du 30 mars à laquelle j'assisterai aussi (visibilité incertaine puisque ce sera sur une place à 8€ !) sera précédée du défilé du ballet à l'occasion des adieux de Patrice Bart.

Ailleurs : Blog à petits pas.

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Damien Guillon aux Billettes

2011-03-19 00:25+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Mon passage précédent à l'Église des Billettes m'avait mis assez mal à l'aise. Le concert de ce soir a au contraire plus que satisfait mes attentes et je n'ai manifestement pas été le seul puisque l'applaudimètre m'a semblé atteindre un niveau qu'il ne m'avait jamais été donné d'ouïr depuis que je fréquente ce lieu.

Lors d'un précédent concert, j'avais été enthousiasmé par la voix du contre-ténor Damien Guillon. J'avais donc en début d'année choisi de réserver une place pour ce concert consacré principalement à Henry Purcell et à John Dowland : de la musique baroque pas mal plus ancienne que celle que j'écoute le plus souvent (en clair, plus ancien que Bach).

Depuis la place la plus excentrée des deuxièmes loges, je peux voir les trois instrumentistes : Isabelle Saint-Yves à la viole de gambe (déjà entendue dans L'Art de la Fugue avec l'ensemble Sit Fast), Eric Bellocq au luth et Kevin Manent-Navratil au clavecin. Lors des nombreux réaccordages, une des cordes de la viole persistait à ne pas vouloir s'accorder, il fallait de nombreuses manipulations de la cheville correspondante pour arriver au bon résultat. Jeu de chaises musicales puisqu'on entendra lors du concert toutes sortes de configuration : voix seule, voix accompagnée du luth, du luth et du clavecin, clavecin seul, tous ensemble, etc, jusqu'à des gags lors des rappels avec quelque musicien qui sort de scène par erreur alors qu'ils étaient bien à l'effectif de la pièce proposée. Apparemment, le chanteur est debout pour Purcell, mais reste assis pour les autres compositeurs. Comme les partitions ont l'air de contenir toutes les voix et d'être assez espacées, on voit souvent des tournes assez spectaculaires, surtout pour la violiste qui arrive à jouer cordes à vide de la main droite tout en se penchant vers le pupitre pour faire glisser la page de l'autre.

De ma place, disais-je, je vois les musiciens, enfin surtout le claveciniste et la violiste, mais pas tant que cela le luthiste que je vois de dos et de dessus, ce qui est bien dommage. Pour ce qui est du chanteur Damien Guillon, j'en vois le profil droit, mais le principal est que je l'entends très bien (malgré le ruissellement subséquent à la tombée de la pluie qui bruite en arrière-plan). Si le concert m'a ravi du début à la fin, le moment qui m'a le plus ébloui a été lors de la chanson Now, O now, I needs must part de John Dowland (1563-1626). Je crois que je ne vais pas tarder à me procurer son disque Dowland qui vient tout juste de sortir...

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Haydn/Beethoven/Franck à Pleyel

2011-03-17 01:12+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Je me rends compte que ce n'est que la deuxième fois que j'assiste à un concert de l'Orchestre de Paris dans son lieu de résidence, la Salle Pleyel. La première avait été pour le concert inaugural de la saison de l'Orchestre de Paris, dirigé son directeur musical Paavo Järvi, qui est également aux commandes ce soir et dont on a appris samedi dernier lors de la présentation de la prochaine saison à Pleyel que son contrat était renouvelé (jusqu'en 2016 si j'ai bien entendu). Vu la façon dont j'ai renseigné mon formulaire d'abonnement lundi dernier, j'aurai l'occasion de réentendre cet orchestre au grand minimum une dizaine de fois l'année prochaine.

Le concert commence joyeusement. La meilleure recette pour rendre un orchestre heureux et souriant, c'est de lui faire jouer du Haydn, ici, la Symphonie nº88 très rythmée que je m'étais réécoutée en prévision de ce concert (même à plus d'un an d'intervalle de l'écoute précédente, j'avais l'impression de retrouver un terrain connu). L'orchestre fait très plaisir à voir (depuis l'arrière-scène, j'ai vue sur mon contrebassiste préféré), le chef est également tout sourire et semble glisser quelques plaisanteries dans son style de direction. J'aime bien la façon qu'il a de faire signe de la bouche aux bassons... Il accentue le côté dansant du menuet du troisième mouvement. Je suis aux anges (je crois que je vous ai déjà dit que j'aimais Haydn, qui n'est pas autant joué que je l'aimerais, d'ailleurs mon billet de ce soir est le résultat d'un échange à la billeterie suite au changement de programme puis annulation d'un concert qui devait lui être entièrement consacré puisqu'il s'agissait des Saisons ; j'ai déjà noté qu'il y aura début avril 2012 une semaine avec trois programmes de concerts avec beaucoup de Haydn).

C'est ensuite au tour du quatrième concerto pour piano de Beethoven, interprété par le jeune pianiste Rafal Blechacz. Par certains moments, alors que je retenais de ce concerto (entendu en concert il y a un peu moins de six ans joué par un ensemble amateur) une impression de fraîcheur quasi-espiègle, la teneur donnait presque l'impression d'être tourmentée, plus obscure. Pourquoi pas. N'ayant qu'un seul enregistrement dans ma discographie, je n'étais pas conscient qu'il y avait des cadences... J'ai donc été complètement captivé par celles jouées par l'interprète (dans lesquelles reviennent les thèmes du concerto), une longue lors du premier mouvement, une plus courte au troisième. Le pianiste reviend ensuite pour donner deux bis non identifiés.

Après l'entr'acte, l'effectif musical est augmenté. Je redoutais quelque peu cette symphonie de César Franck. Cela tourne un peu en rond autour de quelques motifs. Le premier mouvement me donne une impression de trop plein orchestral. À la toute fin de ce moment, les altos ne font vraiment pas semblant de jouer fff leurs trémolos ! Je me réconcilie avec l'œuvre avec le deuxième mouvement qui permet aux oreilles de se reposer un peu le temps qu'un thème introduit par la harpe se développe un peu. Le troisième mouvement commence de façon à peu près calme, mais on sent qu'un nouveau déluge va arriver. En effet, les quelques thèmes de la symphonie sont effectivement repris dans un crescendo final. C'est plus qu'un peu wagnérien, mais je préfère l'original...

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Kátia Kabanová à Garnier

2011-03-13 00:36+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

La production de l'opéra Kátia Kabanová qui passe actuellement à Garnier est une très belle réussite. Si mon impression était un peu mitigée après la répétition générale une semaine plus tôt, celle-ci s'est très nettement bonifiée lors de cette deuxième représentation. Il faut bien dire que lors du premier acte, il n'est pas évident de bien comprendre qui est qui, les chanteurs interprétant les rôles du mari et de l'amant de Kátia ne paraissant pas très jeunes (Janáček ayant projeté une partie de lui-même sur l'amant, cela ne choque pas pour ce rôle, mais pour le mari, tyrannisé par sa mère, cela passe un peu moins bien).

Le décor représente une cour avec fontaine bordée par un angle entre immeubles ayant un nombre visiblement variables d'étages (zéro depuis ma place de la générale, un lors de cette représentation ; en vrai, il y en a deux). Dans un recoin aveugle depuis ma troisième loge impaire est incrustée la chambre de Kabanicha, la belle-mère de Kátia. Les immeubles sont délabrés, si le couple Kabanicha-Saviol est censé être d'un statut social un peu élevé, on n'est visiblement pas dans la plus haute bourgeoisie.

Lors de cette représentation, la plus grande émotion est procurée par l'orchestre (dirigé par le jeune Tomáš Netopil), en très grande forme (tout comme hier quand je suis retourné voir Siegfried). L'impression a été toute autre que lors de la générale lors de laquelle il fallait compter avec les clic-clic des photographes. Certes, à certains pupitres, on papote et on somnole pendant les longues périodes de silence, mais je n'aurais pas remarqué ces choses si la beauté de la musique (extrêmement variée) n'avait été telle que j'ai souvent laissé s'égarer mon regard sur la fosse de façon prolongée. Les peu souvent sollicités trombones à coulisse font plaisir à entendre, tout comme la harpe, les instruments à vent, les cordes (quelques beaux moments avec les violoncelles et les contrebasses), les percussions, les cors, sans oublier la viole d'amour jouée depuis le premier étage du décor par Pierre Lénert (que je n'avais pas pu apercevoir lors de la générale depuis ma quatrième loge). De loin, on pourrait prendre l'instrument pour un violon, mais vu nombre invraisemblable de chevilles, cela ne peut être qu'une viole.

À propos de l'intrigue, c'est une histoire d'adultère. Kátia trompe son mari parti en voyage d'affaires. Lors d'un orage (c'est le titre de la pièce d'origine), elle avoue à tout le monde la chose. Nostalgique de sa jeunesse et du temps passé à l'église, elle est torturée par son péché. Devenue quasiment aliénée, elle se jette dans la Volga.

Deux autres couples jouissent sans complexe. Un des deux unit des vieux : la veuve Kabanicha et Saviol, l'oncle de le Boris (l'amant de Kátia). L'autre est beaucoup plus frais et insouciant : Varvara, la confidente de Kátia, et l'instituteur Kudriach.

Sans être absolument géniale, la mise en scène de Marthaler m'a beaucoup plu (surtout au deuxième passage, quand j'ai un peu mieux compris l'histoire). Lors de cette reprise, on peut constater avec plaisir qu'un plus que très honnête travail a été fait dans la direction des comédiens-chanteurs. Cet opéra tient en effet presque du théâtre vu qu'à la musique s'adjoint les intonations si particulièrement de la langue tchèque. C'est aussi une démonstration que l'on peut faire un bel opéra sans chercher la virtuosité vocale à tout prix. L'équilibre entre l'orchestre et les voix est parfait (alors que précédemment dans La petite renarde rusée du même Janáček, j'avais été gêné par la faiblesse relative du volume sonore des voix ; mais c'était à Bastille...). Cependant, parmi les rôles, il y en a un qui paraît très exigeant, c'est celui de Kátia. Angela Denoke y paraît épatante. (Il m'est impossible de détailler mes impressions sur les autres chanteurs ; je noterai simplement que j'ai aimé revoir un des jeunes membres de l'Atelier Lyrique, Michal Partyka, dans le rôle de Kouligine, un ami de Kudriach.)

Pour revenir à la mise en scène, tout le monde aura noté le sens pornographique du jet d'eau de la fontaine quand les couples s'échappent aux regards des spectateurs (ou non, suivant le placement pour le cas Kabanicha-Saviol). Lors du tableau de l'orage au troisième acte, les ruines dans lesquelles l'action est censée se passer sont signifiées par un comédien incarnant un fou furieux (alcoolique comme d'autres des personnages) qui casse un peu tout sur le plateau en criant des paroles incompréhensibles (couvrant largement le son du chœur qui se chante alors). Elle est aussi marquées par l'invasion de la scène par des détritus apportés par le vent.

Le plus surprenant dans cette mise en scène, c'est la façon dont les personnages se tournent vers le décor, dos au public, abandonnant Kátia qui va finir par se suicider. Cela donne l'impression très forte que c'est la société toute entière (nous, les spectateurs) qui constituons le tribunal où elle est jugée. Cela peut surprendre aussi, mais la façon dont Kátia se suicide est tout sauf spectaculaire : elle s'allonge tout simplement dans la fontaine (où se trouve déjà depuis le début un très-symbolique cygne blanc mort).

Ce n'est certainement pas le spectacle d'opéra le plus facile d'accès qui soit, mais c'est de la qualité ! La salle était particulièrement pleine et a ovationné les interprètes. (Comme lors de la générale, il y a eu un bug-flottement lors des saluts, cette fois-ci provoqué par un rideau coincé d'un côté à trois-quart de la hauteur.)

Ailleurs : David.

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Opéra de Paris 2011/2012

2011-03-11 01:32+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra — Danse

Je ne vais pas commenter en détail la programmation de l'Opéra de Paris ; d'autres, bien plus connaisseurs que moi, s'en sont déjà chargés : Rameau (Opéra, Danse), David.

S'il était peut-être encore permis d'en douter, il ne fait maintenant plus aucun doute que la direction de l'Opéra est de droite, hypocrite et décomplexée.

Depuis avant-hier, sur le site Internet de l'Opéra, on peut lire La mission de l'Opéra national de Paris est d'amener la musique au plus grand nombre. L'année prochaine, le plus grand nombre ne pourra pas s'abonner pour voir des opéras puisque le seuil tarifaire pour l'abonnement libre qui était jusques alors de 35€ par opéra (en tarif R) passe à 55€ (et au risque de se retrouver au tout dernier rang du parterre, l'horreur absolue). Comme l'a noté David dans l'article cité ci-dessus, sans donner l'impression d'augmenter les tarifs au niveau de la grille, on les a quand même augmentés mécaniquement parce qu'un certain nombre de places glissent d'une catégorie à l'autre (des places à 20€ passent ainsi à 35€, 55€ ou 75€ !). On savait le système de réservation opaque ; il le devient encore plus. Les quelques places à peu près raisonnables à 15€, on ne sait pas encore vraiment comment on pourra se les procurer de façon sûre. Jusqu'à présent, la méthode standard était d'aller à la file d'attente puisque ces places n'étaient vendues qu'aux guichets. Maintenant, on lit Les places de septième catégorie sont vendues notamment aux guichets. (Par ailleurs, le nombre de places debout à 5€ est à peu près divisé par deux et ces places sont délocalisées dans les plus hautes galeries.)

Dans les deux doubles-pages (p. 122—125) de Legalese présentes dans la brochure que je viens de recevoir, on ne voit pratiquement qu'une énumération d'obligations s'imposant aux clients (vous avez bien lu, nous ne sommes apparemment plus des spectateurs mais des clients) et d'exonérations de responsabilités pour l'Opéra. Il y en a une dont il n'est pas exclu que l'on entende parler : En cas d'annulation d'un spectacle du fait de l'Opéra national de Paris, sauf cas de force majeure auxquels sont expressément assimilés les cas de réquisition de l'Opéra par toute autorité publique pour quelque motif que ce soit, et cas de grève nationale, la valeur du prix facial du billet payé par le client à l'Opéra national de Paris sera remboursée.... Fin de la spécificité parisienne des opéras sans décor mais avec costumes (dans une mise en scène improvisée parfois meilleure que l'originale) ? Pas sûr, parce qu'une phrase un peu plus haut nous dit que c'est un cas expressément prévu. Ouf, on est rassuré.

On aura beau écrire de telles inepties dans des Conditions générales de vente, si de telles clauses sont illégales, elles sont nulles. Parmi les autres clauses, on en trouve de manifestement illégales et se parant pourtant des vertus de la loi du 27 juin 1919 puisque ce que cette loi interdit, ce n'est pas de revendre des billets, mais de les revendre à un prix supérieur au prix initial.

Les hausses et bouleversements de prix sont nettement moins choquants à Garnier qu'à Bastille. Vu les intentions présidant à la contruction de l'Opéra Bastille il y a plus de vingt ans, c'est un retournement assez paradoxal...

Plus de détails chez Rameau.

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Cendrillon à l'Opéra Comique

2011-03-08 02:08+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

J'espère que je n'assisterai pas de sitôt à une représentation d'un opéra aussi mauvais que ce Cendrillon de Massenet. Par rapport à Werther et Manon, la musique est franchement mauvaise. Le livret n'est pas mieux. C'est d'un niveau de niaiserie que je n'imaginais pas voir sur une scène d'opéra. Les effets manquent de finesse et de subtilité. Certes, il est évident que tout a été conçu spécialement pour le public de 1899 afin de déclencher des rires avec le personnage ridicule de Madame de la Haltière, des larmes lors d'une lamentation pathétique façon bondieuserie, l'admiration pour les vocalises insensées et complètement gratuites de la Fée.

Heureusement que la scénographie est féérique, avec de jolis effets spéciaux tournant autour des lumières électriques (qui étaient une nouveauté à l'époque de la création). Par exemple, j'ai bien aimé la scène du Chêne des Fées où Cendrillon et le Prince Charmant sont séparés par un rideau semi-opaque sur lequel un réseau de lumières représente l'arbre.

Fuyant le cirque général, les seuls personnages en lesquels je pouvais trouver refuge lors du premier acte étaient ceux de Cendrillon (Blandine Staskiewicz) et du Prince Charmant (chanté par la soprano Michèle Losier). Puis au troisième acte, je me régalerai avec le Pandolfe semi-incestueux de Laurent Alvaro, qui a d'ailleurs à un moment donné un passage parlé accompagné par l'orchestre, dépareillant avec les plus usuels récitatifs chantés. J'ai vu avec plaisir Blandine Staskiewicz pour la première fois dans un premier rôle manifestement très exigeant. (Je ne doute pas que son interprétation est très différente de celle de Judith Gauthier, les deux chanteuses alternant.)

Malgré l'aspect visuel féérique (les mouvements chorégraphiques et les scènes véritablement dansées, avec même des pointes !) et des chanteurs enthousiasmants, je suis très déçu par cet opéra qui ne m'a procuré aucune émotion. Bref, sur des sujets voisins, je préfère très largement The Fairy Queen (Purcell) et La Cenerentola (Rossini).

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Siegfried à Bastille

2011-03-02 10:50+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Cette soirée de première avait plutôt mal commencé. Il y a eu un embouteillage à l'entrée de la porte 15. On a éteint les lumières alors qu'il restait une bonne vingtaine de personnes à placer (et ce n'étaient pas des retardataires : cela a bouchonné bien vingt minutes avant le lever de rideau). Avec le bruit de tous les fantômes qui cherchaient leurs sièges, je n'ai pas vraiment pu apprécier dans de bonnes conditions les premières minutes de musique qui évoquent notamment le Dragon.

Depuis L'Or du Rhin, le géant Fafner a en effet pris cette forme et veille sur le trésor qu'il a récupéré. Lors de La Walkyrie, Siegfried a été conçu par Siegmund et Sieglinde et il pu vivre grâce à l'aide prodiguée par Brünnhilde qui avait suivi l'ordre d'aider Siegmund que Wotan avait pourtant retiré. Elle en avait été punie ainsi : elle sommeillerait dans un endroit inaccessible aux peureux jusqu'à ce que Siegfried vienne la libérer.

C'est ainsi que va se conclure Siegfried. Avant cela, on aura eu un aperçu de son enfance avec Mime qui l'a recueilli dans le but de l'utiliser pour s'octroyer l'Anneau. Le jeune homme, vif, n'est pas très heureux avec lui. À la fin du premier acte, il forge Notung, l'épée de Siegmund que Wotan avait brisée et que Mime avait été incapable de reconstituer jusque là.

Au deuxième acte, il tue Fafner. En léchant quelques gouttes de sang du géant restées sur l'épée, il obtient la connaissance du langage des oiseaux. L'un d'entre eux lui fait un résumé de la tétralogie et lui explique que c'est le moment d'aller rejoindre sa future épouse.

Enfin, au troisième acte, il l'a réveille. Il l'a prend d'abord pour sa mère. Il ne comprend pas ce qui lui arrive. Il a peur. Il l'aime. Brünnhilde lui fait la suite du résumé, puis hésite à accepter son amour. Quand elle a renoncé à son statut d'autrefois pour celui de simple mortelle, les deux amoureux peuvent enfin être unis.

(J'ai résumé très grossièrement l'intrigue. Parmi les personnages principaux, il faut aussi mentionner Wotan qui est Le Voyageur qui vient mettre son grain de sel un peu partout. Il vient fichtre les jetons à Mime au premier acte. Il embête Alberich et Fafner au deuxième. Au troisième, il réveille Erda de son sommeil infini, décide de laisser Siegfried accomplir son destin, mais trouve quand même le moyen de le contrarier en lui barrant provisoirement le chemin menant au séjour de Brünnhilde ; il est vrai que Siegfried se comportait avec lui de façon un peu fruste.)

Si je n'avais vraiment pas aimé les deux premiers volets de cette production Günter Krämer, je suis plus enthousiasmé par celui-ci. (Cela dit, je m'inquiète un peu sur la cohérence de l'ensemble des opéras de la tétralogie. Si pour le moment, on retrouve des éléments communs (l'escalier conduisant au Walhalla, les lettres Fraktur, le grand miroir), au niveau des costumes, on aura un peu tout vu. Peut-être faut-il y voir une dégradation progressive du statut des personnages (et des dieux en particulier) au fur et à mesure qu'on avance ?)

Le décor du premier acte représente l'endroit où vivent Mime et Siegfried. Comme nous sommes chez les Nibelungen, on voit sur la gauche une sorte de village de nains de jardins. Les deux semblent vivre en marge du monde. Mime n'inspire pas confiance, le look de Siegfried fait un peu junkie. On voit d'ailleurs une plantation de cannabis sur la droite. Quand Wotan vient voir Mime pour lui demander l'hospitalité en l'échange de la réponse à trois questions, il est habillé en clochard et à l'attitude de Mime, il est manifeste qu'il sent très mauvais. Quand Wotan se sera fait reconnaître, il enlèvera son pardessus pour laisser paraître un costume grisâtre et un pantalon crotté. Plus tard, il paraîtra en noir avec chapeau. Dans ce décor, il y a aussi un ascenseur par lequel descend l'ours ami de Siegfried pour venir sur scène. On voit aussi un écran de télévision noir et blanc, qui lorsque Mime voudra apprendre la peur à Siegfried (parce que dans la malédiction de brâhm...^W^W^Wprédiction funeste de Wotan, la tête de Mime sera prise par celui qui ne connaît pas la peur), ceux qui ont de bons yeux ou des jumelles verront un film mettant en scène quelque reptile. À la fin de l'acte, le décor va se surélever pour laisser paraître la magnifique forge située en-dessous. Le chant des soufflets est facile à reconnaître puisqu'on voit Siegfried actionner un soufflet avec le pied ! On entend un très joli motif joué par les cordes quand l'acier fond : des notes détachées alternent, puis les notes deviennent liées. (On le réentend au deuxième acte, je ne sais plus dans quel contexte, joué par des instruments à vents.) Petit incident de mise en scène quand Siegfried travaille le métal sur l'enclume en rythme comme le demande la partition : il a cassé le marteau. Torsten Kerl en a saisi un autre, mais il ne faisait plus du tout le même bruit !

Lors du deuxième acte, le sol est recouvert de feuilles. Des petits hommes verts (complètement nus) trimbalent le trésor de l'Or du Rhin en procession. Quand ils ouvrent les caisses, ce sont en fait des armes qu'ils sortent. Je ne suis pas sûr d'avoir bien compris tous ce qui se passait au niveau du décor, mais c'était certainement très-esthétique. Il m'a paru plausible que la sorte de dais un peu gris que l'on voit onduler au début de l'acte sur toute la largeur de la scène représente le dragon, mais je n'en suis pas sûr. Quand Fafner est tué et que Siegfried lèche son épée, on ne voit pas de sang ; je trouve que c'est un peu dommage. Je n'ai pas trouvé très convaincante la façon dont on a fait jouer le rôle de l'oiseau à un enfant (qui essaie de se faire comprendre de Siegfried en faisant des gestes des mains). Pourquoi n'avoir pas fait jouer ce rôle par la chanteuse Elena Tsallagova ? Quand les flammes qui entourent Brünnhilde sont évoquées, on les voit projetées sur un écran.

Visuellement, le début du troisième acte était très beau. Les nornes parées de voiles sont installées à des tables comme dans une bibliothèque (lumières vertes, la couleur qui domine cet opéra, jusqu'à avoir été choisie pour être la couleur du programme, après l'or et le rouge pour les deux précédents) et lisent ce qui doit être le livre de l'avenir. La scène entre Siegfried et Wotan se passe à l'avant-scène, rideau baissé, ce qui permet la mise en place du décor de la dernière scène. Il y a à ce moment-là un temps mort dans la mise en scène : on a l'impression qu'il n'y a pas que Brünnhilde qui doit être réveillée, mais aussi Siegfried. On retrouve l'escalier qui conduisait au Walhalla aperçu dans les opéras précédents. Le feu est visible sur les trois grosses lettres Ger qui jonchent l'escalier. Brünnhilde est installée à mi-hauteur sur une petite plate-forme posée sur une marche. Il n'y a pas de cohérence avec le moment où on l'a quittée dans La Walkyrie puisqu'elle s'était alors réfugiée sous une table (un mouvement que je n'avais pas compris dans l'instant...) Étant entendu que c'est un escalier qui relie la terre aux nuées, qu'elle soit alors dans une position intermédiaire et que, devenue résolument une simple mortelle, elle finisse, à la fin de l'opéra, en bas de l'escalier avec Siegfried n'est pas si mal trouvé que ça.

Si je me suis plus facilement laissé convaincre par cette production, outre ses qualités, c'est peut-être aussi parce que l'essentiel de mon attention était tournée vers la musique. Je m'y étais préparé depuis janvier, voir notamment cette entrée. En lisant Le Voyage Artistique à Bayreuth, je me suis familiarisé avec les motifs principaux que l'on entend dans la tétralogie ¹. La difficulté par rapport à un opéra isolé est que beaucoup de motifs ont déjà été introduits lors des opéras précédents et que Wagner en réutilise évidemment beaucoup !

Bien que lors des deux volets précédents je m'étais préparé aussi un tout petit peu en les visionnant en DVD, cette préparation plus poussée a complètement changé mon expérience de spectateur. C'est un contentement d'une nature très différente de ceux, plus immédiats, que peut me procurer l'écoute d'autres musiques, c'est plus contenu, mais c'est au moins aussi bon ! Quand on a le dictionnaire en tête, presqu'à chaque instant, quand l'orchestre s'anime, on comprend l'idée que le compositeur veut évoquer. Quand Mime et Wotan se posent à l'un et à l'autre des questions au premier acte, la réponse est déjà dans la musique au moment où la question est posée ! Quand on veut nous faire comprendre que le Voyageur est Wotan, on entend le motif du Walhalla (qui me semble dans Siegfried évoquer plus souvent Wotan que le Walhalla). Le motif qui traverse tout l'opéra et qui a été annoncé dès la fin de La Walkyrie, c'est le motif de Siegfried, gardien de l'épée :

Il y en a tant d'autres qui sont beaux qu'il n'y aurait aucun intérêt à les citer tous. Parfois, on entend un déluge de motifs où l'on ne sait pas très bien quand celui-ci ou celui-là commence ou finit. D'autres fois, on sent que le compositeur s'est amusé à en dévoyer quelques uns : ce qui m'a frappé lors de cette écoute, c'est l'aspect peu glorieux que prend à un moment donné du premier acte le motif de la Compassion (qui s'est surtout appliqué à Sieglinde vis-à-vis de Siegmund lors de La Walkyrie) : façon de nous dire que Mime n'était pas sans arrière-pensées quand il a recueilli Siegfried.

Sur l'interprétation de l'orchestre, j'ai été parfois un peu dubitatif lors du premier acte (par exemple, du côté des cuivres lors de la première mention du Walhalla). Lors des deux derniers actes, je me suis régalé comme jamais ! (Ceux qui doutent que Philippe Jordan puisse faire jouer l'orchestre ff seront peut-être surpris par le superbe crescendo qui accompagne le Salut au monde de Brünnhilde.)

Du côté du chant, cela a semblé assez inégal. J'ai été tout particulièrement impressionné par Stephen Milling (Fafner) et Katarina Dalayman (Brünnhilde). J'ai bien aimé Elena Tsallagova (L'oiseau), Qiu Lin Zhang (Erda) et Peter Sidhom (Alberich). Le Mime de Wolfgang Ablinger-Sperrhacke était plus que convaincant, mais il y a par exemple quelques moment du premier acte où les choix ou les impératifs d'interprétation m'ont un peu déplu (c'est parfaitement subjectif). À propos de Torsten Kerl (Siegfried) et Juha Uusitalo (Der Wanderer), si leur chant était intéressant à écouter quand l'orchestre était silencieux ou presque, quand le volume de l'orchestre se faisait plus fort, je ne les entendais pratiquement pas.

Les huées qui ont accompagné l'arrivée de l'équipe de production lors des saluts m'ont vraiment fait mal au cœur. C'est un peu tard pour acheter des places pour les représentations qui vont suivre (sur Internet, il n'en reste qu'à 160€ et 180€), mais cela vaut peut-être le coup de tenter les places à 5€.

PS: (Après la représentation du 11 mars où j'ai eu une place debout puis un strapontin au parterre.) La mise en scène paraît beaucoup plus belle et convaincante depuis le parterre. Ainsi, on n'est pas gêné par les quelques baissers de rideaux réduisant la profondeur lors de plusieurs scènes puisque celle-ci se fait moins sentir en vue rasante. Par ailleurs, le décor du deuxième acte, juste beau, devient intelligent : la sorte de dais représente la forêt, le bas flottant de ce dais délimite horizontalement la forêt et le monde souterrain, l'antre du dragon. Torsten Kerl (Siegfried) et surtout Juha Uusitalo (Der Wanderer) étaient en meilleure forme que lors de la première.

Ailleurs : David, Palpatine, Zvezdo, Paris — Broadway, Klari.

[1] Rétrospectivement, je pense que la méthode la plus simple pour ce faire serait de visionner un DVD ou d'écouter des CD en (re)lisant simultanément l'analyse musicale des opéras qui est faite dans Le Voyage Artistique à Bayreuth : tout apparaît clairement. Au besoin, on peut s'aider de l'aide-mémoire que je me suis fait. Retrouver en quelques secondes un motif dans le livre n'est pas très facile (que ce soit avec un vieux livre de 1903 ou un long fichier PDF). Par ailleurs, dans la réduction pour piano et voix de ce livre, si comme moi on est pas doué, on ne voit pas forcément immédiatement où est la substantifique moëlle du motif. J'ai essayé de ne garder que ce qui est important. Il n'est pas exclu que je me sois parfois trompé.

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Gustav Leonhardt aux Bouffes du Nord

2011-03-01 01:20+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Quand j'avais vu apparaître le nom de Gustav Leonhardt dans la programmation du théâtre des Bouffes du Nord, j'avais eu quelque mal à croire mes yeux. Pourtant, à 82 ans, il allait effectivement donner un récital de clavecin.

En arrivant dans le hall, je vois immédiatement que la famille Hantaï sera bien représentée dans le public puisque j'ai reconnu au moins Marc (flûtiste, dont je ne compte plus les apparitions inattendues dans diverses formations) et Pierre (dont je me délectais encore récemment de son art du clavecin, qu'il a d'ailleurs étudié avec le maître). (Vu où ils se sont installés, ils ont très certainement payé leur place.) Parmi le public se trouve un spectateur bruyant et aussi irresponsable quoiqu'en un sens différent que ses parents qui l'ont amené là. Je n'ai rien contre l'éveil précoce des enfants à la musique, mais le concert de musique baroque à moins d'un an, c'est un peu juste.

Entre le programme annoncé et le programme réel, il n'y a pratiquement rien en commun. Je suis donc un peu déçu de n'avoir pas pu entendre les extraits promis de L'Art de la fugue. Pourtant, je pense que je garderai un très bon souvenir de ce concert. J'ai pris place au parterre du côté pair et ai ainsi vue sur la main droite de Gustav Leonhardt et occasionnellement sur sa main gauche enveloppée dans un gant noir ne découvrant que les doigts. Les partitions posées sur le pupitre sont pour la plupart d'entre elles jaunies, usées par le temps ; quelques unes sont toutes blanches, peut-être fraîchement sorties d'une imprimante.

Le programme est centré sur Bach, Johann Sebastian. Cependant, Johann Christoph (1642-1703) et Wilhelm Friedemann (1710-1784) ouvrent et concluent respectivement le programme (hors bis non-identifié). (Il me semble que le programme s'emmêle les pinceaux entre les différents Johann Christoph de la famille Bach, à moins que l'erreur soit sur Wikipédia, puisque dans la famille Bach, si on se limite à la génération du père de J. S. B., il y a deux Johann Christoph, un dont les dates sont (1642-1703) comme indiqué sur le programme pour le Praeludium en do majeur et un autre (1645-1693) qui était jumeau de Johann Ambrosius, père de Bach. Or, la notice de programme nous dit que le Johann Christoph dont il s'agit était le frère jumeau du père et que même leurs épouses respectives avaient du mal à les reconnaître... Le plus probable est que le bon J. C. ne soit pas le frère du père de Bach mais le cousin de celui-ci et par ailleurs oncle de la première épouse de Bach. C'est pourtant simple.).

S'il est vrai que la prestation instrumentale de ce soir n'a pas été sans imperfections (mais en musique baroque, une fausse note, à moins de connaître la partition par cœur, on peut toujours se dire que c'était peut-être une trille), j'ai été saisi par la beauté de l'interprétation de certains morceaux. J'ai tout particulièrement apprécié l'Allemande de la Suite en mi mineur pour le luth-clavecin (BWV 996), la Suite française en ut mineur (BWV 813) ou encore le Sinfonia en sol mineur, BWV 797. L'autre Sinfonia m'a paru à la limite de la rupture, la main gauche paraissant visiblement moins sous contrôle que la droite.

Ce que j'ai aussi apprécié dans le concert de ce soir (au cours duquel le public a eu la bonne idée de marquer les brèves pauses entre les pièces d'un silence respectueux, pour mieux applaudir à la fin), c'est la dignité et l'immense humilité dont fait preuve Gustav Leonhardt.

(Le gros moins de ce concert, outre le bébé mentionné ci-dessus, c'est le courant d'air parfumé pestilentiellement de fumée tabagique qui s'est engouffré depuis l'extérieur jusqu'à la place où j'étais resté assis à l'entr'acte près de l'allée des numéros pairs.)

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Carmen à Nancy

2011-02-28 01:13+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Ce week-end, pour la première fois, j'ai pris un TGV pour aller assister à une représentation d'opéra. J'aurais sans doute mieux fait de faire l'aller-retour dans la journée, mais j'avais l'ambition de visiter un peu la ville. Le mauvais temps du samedi a limité mon ardeur exploratrice et je me suis contenté de visiter le musée des Beaux-Arts et quelques librairies, où j'ai presque réussi à me retenir d'acheter quoi que ce soit vu que je n'ai ajouté à mon bagage que sept gnossiennes (dont je découvre avec surprise que c'est de la musique essentiellement non mesurée !).

Dimanche après-midi, après avoir fait bombance (samedi soir, je m'étais déjà régalé dans dans un restaurant pakistanais où j'ai pu faire l'expérience que si on a l'audace de demander un biryani assez épicé, on peut manger un plat qui ramone la gorge et les voies respiratoires ; aucun problème de toux à prévoir pour la représentation !), après avoir mangé, disais-je donc, je me suis rendu à l'Opéra de Lorraine, situé Place Stanislas, et dont l'architecture extérieure, comme pour bon nombre de bâtiments aperçus, est désespérément carrée. (Dans la ville, dans l'ensemble, on voit des rues se croisant à angles droits entourées d'immeubles de faible hauteur. Un nombre invraisemblable d'édifices religieux est à signaler.)

En arrivant, première bonne surprise : le programme ne coûte que 2€. Si quelques institutions parisiennes pouvaient adopter de tels tarifs (quitte à renoncer au papier glacé malodorant), je ne pense pas que quiconque s'en plandrait.

Si dès septembre dernier, j'avais décidé de venir, c'était pour assister à une des représentations de la série (à Metz et à Nancy) au cours de laquelle Isabelle Druet ferait sa prise du rôle de Carmen. (Je ne l'avais alors vue que dans Armide. Depuis, je l'ai vue dans Cadmus et Hermione et en récital.) Quelques commentaires lus ces derniers jours à propos de la mise en scène, de l'orchestre et des chanteurs (hors rôles de Carmen et Don José) avaient de quoi m'alarmer, mais mon impression a été toute contraire puisque j'ai été véritablement ravi par cette représentation.

Le fond de la salle et le rideau sont rouges, comme pour nous préparer aux grandes émotions qui vont suivre. Les sièges sont confortables (à peu près le modèle de ceux du parterre du TCE, si ce n'est qu'ils sont rabattables). À première vue, il semblerait qu'à moins peut-être d'être tout en haut, on a toutes les chances d'avoir une bonne visibilité.

Ce qui me frappe le plus dans cette production, c'est le noir qui se décline dans tous ses aspects. L'atmosphère est très obscure. Pour une fois, je ne me plaindrai pas d'un manque de luminosité puisque j'y voyais très bien (premier balcon de côté, avec vue sur la moitié gauche de l'orchestre, sur la harpe installée dans la loge de la préfète, si j'ose ainsi appeler la loge qui se trouve en face de la loge réservée à Monsieur le préfet (cf. photo ci-contre).

Si des décalages se font parfois sentir, il m'a malgré tout semblé que l'orchestre symphonique et lyrique de Nancy a fait une prestation plus qu'honorable. J'ai entendu quelques détails dans la musique que je n'avais encore jamais soupçonné. Le jeu des choristes, comédiens, chanteurs et danseurs m'a aussi paru très bien réglé (on ne saurait reprocher aux plus jeunes enfants leurs hésitations dans le placement). À Paris, on ne voit pas toujours des productions dont les détails de mise en scène soient aussi fignolés... (Exemples qui viennent à l'esprit : Luisa Miller et La Fiancée vendue par Gilbert Deflo, Francesca Da Rimini par Giancarlo Del Monaco, La donna del lago par Lluís Pasqual.)

Visuellement, c'est donc le noir qui domine (même si à l'exception de Carmen, les cigarières sont en blanc, et les militaires sont en bleu). La structure du décor, unique, semble à tout moment appropriée. Au premier acte, les cigarières et les militaires sont séparés par une barrière métallique coulissante. Plus tard, au quatrième acte, un pan de décor viendra tourner et réaliser une autre séparation entre la corrida d'Escamillo (dont on n'entend que la clameur) et la scène de la mise à mort de Carmen, absolument inoubliable, comme le dit le directeur de l'Opéra de Metz Métropole dans l'intéressant reportage vidéo ci-lié (qui permet aussi d'admirer les lumières, mieux que je ne le pouvais depuis ma place situé sur le côté opposé). La cruauté est également au centre de cette production. Au troisième acte, les contrebandiers ne trafiquent pas de la marchandise ordinaire, puisque ce sont des passeurs. On voit ainsi avec effroi des familles prendre place dans de grandes caisses en bois. La cruauté prend aussi la forme d'un authentique feu lors de l'immolation du lieutenant à la fin du deuxième acte (mes souvenirs se brouillent, je ne suis pas tout à fait sur de l'identité de la victime). On voit aussi les contrebandiers traiter de façon peu amène trois malheureux douaniers.

Pour apprécier cette mise en scène, il faut cependant être capable d'accepter l'utilisation de quelques arrêts sur images fixant certains personnages tandis que d'autres font évoluer l'action par ailleurs et ne pas craindre l'intrusion de quelques éléments anachroniques sur scène. L'amour de Don José au deuxième acte est ainsi représenté par des ballons en forme de cœur. Lors de l'entrée d'Escamillo, on voit des flashs d'appareils-photos modernes. Les caisses des contrebandiers sont poussées par des transpalettes (la version intelligente de ce qui s'est vu dans le Giulio Cesare passé à Garnier récemment). Dans le duo puis trio des cartes, quand Frasquita et Mercédès disent à leur cartes Parlez, mes belles de l'avenir... Dites-nous qui nous trahira, elles portent le jeu de cartes à leurs oreilles comme elles feraient d'un téléphone portable.

Bref, c'est peu dire que j'ai adoré cette mise en scène, du début à la fin, où Don José, transformé en boucher puis en taureau, gagne son duel contre une Carmen qui a passé le costume d'un torero. Pour ma part, je pardonnerai volontiers à Carlos Wagner d'avoir remplacé la fleur jetée par Carmen à Don José par un cigare ! (Cela dit, un cigare, c'est 100% végétal, non ?)

Lors de ces deux heures et demie de musique qui ne sont pas interrompues par des passages parlés, puisqu'on a choisi la version avec récitatifs chantés, j'ai apprécié la prestation de tous les chanteurs. Pour celle d'Isabelle Druet, c'est une évidence. L'ayant vue dans des rôles ou situations plus joyeux, j'attendais avidemment de la voir incarner ce rôle qui change dramatiquement dès la fin du deuxième acte. Certes, dans cette production, on a construit une Carmen beaucoup moins sexy que celles incarnées par Anna Caterina Antonacci à Londres ou à l'Opéra Comique. S'il est aussi vrai que la gestique et les poses que la mise en scène lui font prendre paraissent parfois un peu forcées (quoique moins que ce à quoi se laisse souvent aller Natalie Dessay), cela reste on ne peut plus convaincant. En Don José, Chad Shelton l'est également. À la fin de son air La fleur que tu m'avais jetée, il réalise un aigu cristallin sur Et j'étais une chose à toi, un si bémol aigu [...] en falsetto explique le chef Claude Schnitzler dans la vidéo sus-liée. Ce qui m'a aussi marqué, à la toute fin de cet air sur la syllabe t'ai de Carmen, je t'aime (qu'on entend à 11:30 dans le reportage), c'est la ressemblance avec l'harmonie du Cygne de Lohengrin. (Quand je vous dis que la wagnérite, c'est une véritable maladie, il faut me croire.) L'Escamillo de Changham Lim n'est pas du tout catastrophique comme je le craignais. Sa diction est tout ce qu'il y a de plus intelligible et si sa voix était un peu couverte lors de son premier air, c'était tout simplement parce que l'orchestre impétueux a joué un peu trop fort. J'ai aussi été scotché par l'interprétation de Claudia Galli dans le rôle de Micaëla. Il est vrai que sa voix a mis un petit moment à s'échauffer et que les mouvements que lui imposait la mise en scène faisaient parfois faiblir sa voix. Pourtant, au troisième acte, lors de l'air Je dis que rien ne m'épouvante, elle a été sen-sa-tion-nelle. L'émotion du personnage s'est traduite dans son interprétation sans nuire en rien à la justesse et à l'intelligibilité du chant. Elle détrônerait presque dans mon panthéon personnel Anna Moffo dont je chéris l'interprétation de cet air. (Le récitatif qui se trouve au début de cet air a malheureusement été complètement gâché par un odieux chœur de tousseurs.)

C'est flou, mais c'est la moins pire des photographies prises lors des saluts.

Sur la Place Stanislas, c'est tout comme s'il ne s'était rien passé au cours de l'après-midi !

(Les quelques autres photographies sont là.)

PS: Dans ce compte-rendu déjà trop long, j'ai oublié de préciser que les airs de Carmen avaient été interprétés dans des tempi plutôt lents.

PS2: De belles photographies du spectacle sur le site du décorateur.

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Wagner, la musique qui rend fou !

2011-02-22 21:46+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra — Culture indienne

Cela fait un peu plus d'un mois que je me prépare aux représentations des opéras Siegfried et Götterdämmerung auxquelles je vais assister en mars et en juin. J'ai lu Le Voyage Artistique à Bayreuth. Pour avoir en tête le décodeur, je réécoute chacun des opéras de la tétralogie et note l'endroit où les motifs principaux apparaissent (que ce soit dans l'enregistrement dont je dispose ou dans la partition d'orchestre), et puis en tire un petit aide-mémoire (source Lilypond) pas encore tout à fait fini.

Ensuite, imaginez que pour me changer les idées, je sorte de sa pochette le CD de la musique du génial film Sita sings the Blues. Il s'y trouve une musique qui n'a absolument rien à voir avec Wagner, normalement, n'est-ce pas ? On y entend en alternance des chansons d'Annette Hanshaw (c'est d'abord pour ça que j'ai commandé le CD) et des titres plus modernes. J'écoute le CD et patatras, dans le morceau qui apparaît à l'entr'acte du film (Intermission, Nik Phelps & the Sprocket Ensemble), la musique a priori la plus innocente qui soit, il me semble entendre très distinctement les cinq premières notes de ça :

Dans le contexte du film (avec un bruit de fond supplémentaire), cela apparaît vers 4:03 dans cet extrait quand Sita passe devant l'écran. Dans la bande originale écoutable sur Deezer, cela paraît au bout de vingt secondes.

Halluciné-je ? Veut-on nous faire comprendre qu'à ce moment-là du film, Sita est soumise à son époux Rama ?

Bon, je retourne visionner le deuxième acte de Siegfried...

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Fidelio au TCE

2011-02-22 00:48+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Que le concert de ce soir au TCE m'a mis mal à l'aise ! J'avais sélectionné ce Fidelio (Beethoven) en version concert parce qu'ayant malencontreusement oublié de réserver une place lors du dernier passage à l'Opéra Garnier, je voulais l'entendre en concert malgré tout. La piètre interprétation de ce soir ne va pas contribuer à revenir sur ma décision de réduire très fortement mes achats pour la saison prochaine au TCE.

De peur de voir mes propos dévier vers un manque de respect à quelqu'un en relation avec un affaiblissement dû à la vieillesse et vraisemblablement aussi à la maladie, je me garderai de faire un compte-rendu un peu détaillé de ce concert...

Cet opéra de Beethoven me semble plus que tout autre opéra un terrible torture test pour les chanteurs, surtout si on les place derrière l'orchestre comme c'était le cas ce soir. À côté, Wagner, c'est de la rigolade.

Dotée d'un très beau timbre, Sophie Karthäuser (que d'après mes archives, j'avais déjà entendue en 2004 dans des cantates de Bach) chante avec fraîcheur le rôle de Marzelline. Mais c'est surtout Melanie Diener (Leonore/Fidelio) que j'avais appréciée dans le rôle d'Ursula dans Mathis der Maler qui par son impressionnante présence sauve ce concert.

Ailleurs : Opera Cake, ConcertoNet, Le petit concertorialiste.

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Ustad Ulhas Kashalkar, Ustad Rashid Khan et Pandit Ajoy Chakrabarty à Pleyel

2011-02-20 02:46+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Culture indienne

Je crois que si j'avais été autant ébloui par le récital de musique khyal de Gaayatri Kaundinya, outre le développement de son raga, c'était grâce au jeu de questions-réponses entre elle et le percussionniste qui l'accompagnait ce soir-là. Les improvisations réalisées par les chanteurs du concert marathon (environ 1000 milli Maîtres-Chanteurs de Nuremberg) de ce soir Salle Pleyel étant d'autres types, les satisfactions viendront d'ailleurs et le concert aura tenu au moins deux tiers de ses promesses. Ayant achevé ma lecture d'un extraordinaire premier roman (celui d'Ananda Devi, Rue la Poudrière datant de 1988), j'ai pu renouer avec la technique consistant à rédiger le billet sur le chemin du retour...

J'avais curieusement réservé une place pour ce concert au moment des abonnements il y a environ un an, donc avant même d'être convaincu de l'intérêt et du plaisir que pouvait me procurer cette musique. Ma place est au rang E ! qui est surélevé et où s'installent ordinairement les invités de luxe de la salle (ministres, directeur de Radio France, compositeurs et consorts, etc.). Cependant, je ne suis pas dans la partie centrale (probablement non ouverte à la réservation) puisqu'au lieu d'avoir beaucoup de place pour les jambes, j'ai en fait moins d'espace qu'avec un siège λ. La sonorisation est trop forte ! Les faux-tanpuras utilisés par le premier chanteur résonnent de leur sonorité métallique pendant de longues minutes, le temps que les instruments soient accordés et que quelques coups de marteaux aient heurté les tablas.

Au cours du développement du raga du soir Puriya, Ustad Ulhas Kashalkhar aura fait une impressionnante démonstration de ses talents d'improvisation, avec des ornementations d'un très beau raffinement (accompagnées d'une gestique très parlante et qui ne serait peut-être pas inadaptée à l'utilisation d'un thérémine). J'ai toutefois trouvé que les percussions étaient entrées dans le jeu de façon quelque peu abrupte. Même si le percussionniste semblait prendre un plaisir évident à jouer avec ce chanteur, il n'y a guère eu de dialogue entre les deux musiciens. Ce fut unidirectionnel, tout reposant sur les épaules du maître. Le texte chanté était apparemment en hindi (et par le voculaire utilisé devait être un chant d'amour). Pour conclure son récital, il a interprété deux autres ragas : Bahar et Desh. J'ai surtout aimé ce dernier où après une très belle introduction furent servies de très nombreuses variations vocalisées sur un vers unique (ou presque ?), la même mélodie étant reproduite quasi-continûment par l'harmonium.

Après le premier entr'acte est arrivé Ustad Rashid Khan. Si sa prestation n'a pas été déplaisante pour les oreilles, elle a semblé moins intéressante. Le timbre un peu caverneux de sa voix est très flatteur. Pendant la très belle introduction de son Raga Yaman, que Klari m'interdit d'appeler Alap, il a ponctué chacune de ses phrases musicales d'un raclement de gorge. Il était opportunément accompagné d'un jeune chanteur dont la voix a un timbre plus ingrat. Les tablas sont entrés en jeu de façon moins brutale que lors du premier récital, mais cette deuxième partie m'a semblé peu variée, tournant en rond, quasi-soporifique. L'attitude du chanteur a été très différente de celle d'Ustad Ulhas Kashalkar pour lequel la musique semblait ressentie de façon beaucoup plus intériorisée. Ustad Rashid Khan a souvent semblé prendre un air autosatisfait, comme lorsqu'il parvenait à maintenir une note de façon très prolongée. Pour ce qui est du texte, je n'ai vraiment aucune idée de ce qui était censé être chanté (hors séquences solfiées). Sa deuxième pièce, plus courte était un chant d'amour puisque quelque vers commençait par मोरे पिया (More Piya, comme dans une des chansons du film Devdas). (Digression linguistique : si Klari et moi pouvions nous accorder pour nous dire que मेरे पिया (Mere Piya, Mon bien-aimé) serait plus correct en hindi, mon dictionnaire m'apprend que la forme More serait une variante locale de certaines régions qui se trouvent actuellement dans l'Uttar Pradesh, dont est originaire le chanteur.)

Après cet intermède quelque peu décevant, reculade de quelques rangs (moins de dB et plus de m²) pour mieux profiter du dernier récital de la soirée.

Je ne peux guère trouver de mots pour décrire l'absolu plaisir que fut pour moi d'audition du Raga Rajeshwari interprété par Pandit Ajoy Chakrabarty. Il y a une grande douceur dans tous les aspects de son attitude, aussi bien dans sa voix, dans sa façon d'avancer dans le raga, dans son respect pour le public (commençant littéralement par présenter ses respects aux spectateurs) et pour les musiciens qui l'accompagnaient, notamment un jeune chanteur qui secondait formidablement bien le maître. Ainsi, à un moment donné, par inadvertance, les deux chanteurs ont commencé rigoureusement en même temps une phrase musicale. Ajoy Chakrabarty a très élégamment laissé la priorité au jeune chanteur après avoir laissé échapper une première note. Dans ses techniques d'improvisation, on reconnaît un peu la façon de sa fille Kaushiki Chakrabarty, entendue lors des Vingt-quatre heures du râga à la Cité de la Musique. Le récital qui avait commencé par une prière adressée au Tout-Puissant s'est terminée dans un état d'esprit semblable (avec des vers sanskrits m'a-t-il semblé) à la fin de la dernière composition.

Ailleurs : Klari.

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La mort de Cléopâtre à Pleyel

2011-02-13 01:21+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Natalie Dessay serait passée devant sans ses deux annulations dans la série des Giulio Cesare, mais c'est bien Anna Caterina Antonacci qui reste l'artiste lyrique que j'aie le plus souvent entendue en concert. Si je n'ai pas toujours estimé que le timbre de sa voix était d'un type qui flatte le plus l'oreille et s'il s'est trouvé un récent malheureux concert pour me faire douter, je pense qu'avec le concert de ce soir, elle m'a définitivement conquis !

La première partie du programme est consacrée à Berlioz, un compositeur que je connais très mal. L'ouverture Le Roi Lear, aux atmosphères variées, ne me déplaît pas. Vient ensuite la scène lyrique Cléopâtre, qui est la raison principale qui m'a fait inclure ce concert dans mon abonnement. J'avais en effet déjà entendu Anna Caterina Antonacci chanter cette œuvre au TCE en 2008. Alors qu'elle avait pu paraître quelque peu tendue lors de ce concert, sa façon de l'interpréter ce soir m'a paru superbe. Quelle conviction, quel engagement ! Son interprétation a été celle de la grande tragédienne que l'on connaît. Au prix d'un peu de concentration, il était tout-à-fait possible d'entendre le texte (sauf peut-être pendant l'unique vers pendant lequel sa voix fut couverte par l'orchestre). J'ai fait cet effort au début, puis me suis laissé entraîner par l'émotion qui jaillissait de ce moment musical. Alors qu'elle paraît d'ordinaire très en retenue lors des saluts, cette fois elle a semblé déceler un peu de sa joie. Après cela, je n'ai pour ainsi dire pas pu me concentrer pour écouter la dernière œuvre berliozienne programmée.

Après l'entr'acte, l'orchestre et le chef sont revenus pour interpréter la musique du ballet Pétrouchka de Stravinski. Je dois avouer n'avoir pas été particulièrement emballé par cette interprétation. Peut-être est-ce la faute d'un micro-climat acoustique au niveau du rang ZZ (que j'ai préféré au rang Z) ? C'est anecdotique, mais j'ai bizaremment eu l'impression d'entendre un peu discret bruit de percussions à un endroit très inapproprié dans les toutes premières mesures ; cela n'a rien à voir, mais l'orchestre a aussi eu à lutter avec une sonnerie de téléphone...

Essentiellement, cette interprétation m'a donné un sentiment d'inouï. Ce fut en effet très différent de mes références (Vello Pähn et l'Orchestre de l'Opéra de Paris en décembre 2009, Iván Fischer et le Budapest Festival Orchestra il y a un an, Isaac Karabtchevsky et l'Orchestre National des Pays de la Loire pour l'enregistrement dont je dispose). Si certains passages m'ont semblé très intéressants et si le pianiste a été excellent, j'ai été déçu par d'autres passages. Celui que j'attendais plus que tout autre était le début du quatrième et dernier tableau. Normalement, cela doit être effervescent et me donner l'impression que l'orchestre est traversé par une onde, mais je n'ai pas du tout ressenti cela ce soir. Plus loin, la Danse des cochers a été très jolie, quoiqu'un peu lente à mon goût. J'ai aussi été quelque peu troublé par la fin, peut-être pas tout-à-fait canonique (dans mes souvenirs et d'après la partition que je n'ai pas consultée sur IMSLP puisque je n'habite pas aux États-Unis d'Amérique, cela se terminait par un gros fff plutôt que par un doux p).

Ce concert sera diffusé sur France Musique le lundi 28 février 2011 à 9h07 ! (Et sera disponible sur le site de la radio pendant un mois, peut-être seulement après la première diffusion ?)

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Die Schöpfung à Pleyel

2011-02-12 01:24+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Je crois que je l'ai déjà dit ici, mais Haydn est un de mes compositeurs préférés. Un de mes meilleurs souvenirs de concerts provient des Saisons dirigées par Gardiner.

Ce soir, c'était la Création, interprétée par le Concert Spirituel et le Chœur de la Radio flamande. Le chœur est disposé d'une façon un peu originale, en deux groupes situés à gauche et à droite du chef, vers l'avant de la scène. Le premier rang de choristes étant assis, le deuxième debout. Hervé Niquet arrive en ayant l'air très décontracté. Il bouge beaucoup, tourne les bras à vive allure. Il faudrait presque un quadruple garde-fou sur l'estrade où il a pris place pour prévenir à coup sûr un accident. Cela dit, ce qui compte, c'est ce qu'on entend. On est très loin de la version éthérée enregistrée par Karajan ! Ici, tout sera plus vivifiant, et incarné. Le tempo est plutôt rapide aussi. J'ai quelque mal à entendre certains détails dans la Représentation du chaos, et surtout, l'arrivée de la Lumière a été interprétée sans la moindre envie de créer un effet spectaculaire (contrairement à la dernière fois). C'est d'ailleurs que viendra le plaisir de cette nouvelle écoute.

Ce qui m'a le plus frappé ce soir est que j'ai presqu'eu l'impression d'assister à une représentation d'opéra en version de concert, dans un style mozartien. Les chanteurs, et tout particulièrement le baryton-basse Andrew Foster-Williams ont très bien joués leurs rôles respectifs. Il a eu la tendance amusante à rouler les r de façon surexagérée dans certains vers contenant quelqu'allitération. Il a chanté avec Sandrine Piau de très beaux duos quand ils sont réunis dans la troisième partie en tant qu'Adam et Ève.

Du point de vue musical, il y aussi de quoi se délecter avec la figuration des diverses créatures dans le langage orchestral. Pour ma part, j'ai notamment apprécié le rossignol, le lion, le tigre, ou encore les mignonnes petites notes de clarinette lors de l'air de Gabriel Nun beut die Flur das frische Grün, qui comporte également de fort belles vocalises.

C'est une œuvre très réjouissante (malgré le caractère assez naïf du livret) à l'écoute de laquelle on ressort moins fatigué qu'en arrivant...

Ailleurs : Palpatine, Zvezdo.

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L'Orchestre Lamoureux au TCE

2011-02-06 22:08+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Après le Colonne vendredi, c'est un autre des plus vénérables orchestres parisiens que je suis allé écouter : l'orchestre Lamoureux, qui fête son cent-trentième anniversaire.

Comme j'ai pu le découvrir en lisant Le Voyage Artistique à Bayreuth d'Albert Lavignac qui contient une liste des Français étant allés au festival de Bayreuth à la fin du XIX^e, Charles Lamoureux a fait plusieurs fois le voyage (tout comme Édouard Colonne). Il n'est donc pas illogique que cet orchestre joue la musique de Wagner lors d'un programme-anniversaire.

En préambule au concert, trois pièces ont été jouées par un orchestre d'enfants (7 à 13 ans), Les Petites Mains dirigées par Eric Du Faÿ. Cela a commencé par un fort honorable Prélude de Carmen (Bizet), puis la création de Mes pleurs de Vincent Artaud et cela a fini sur une Farandole de L'Arlésienne (Bizet) un peu moins maîtrisée.

L'orchestre Lamoureux et le chef Marco Parisotto sont arrivés ensuite. Ma première impression fut de penser qu'il devait être fou pour oser diriger une création sans partition. En fait, dès les toutes premières notes, il fut évident qu'il y avait eu une permutation dans le programme et que l'on commençait par l'Ouverture du Vaisseau fantôme. Intervint ensuite la création de Symphonie d'Olivier Kaspar, très décevante puisqu'on se dit en l'écoutant et en voyant le chef tourner les pages qu'elle aurait très bien pu être composée il y a un siècle, au moins.

Après l'entr'acte, nous n'entendrons plus que du Wagner, en commençant par le Prélude du troisième acte de Lohengrin qui se finit superbement sur le motif du Mystère du nom. L'ouverture de Rienzi qui suit, si elle n'utilisait pas ainsi les cuivres, dans un blindtest, je pense que j'eusse eu bien du mal à l'attribuer à Wagner, mais c'est un charmant morceau.

Le point culminant du concert à été Le Prélude et la Mort d'Isolde de Tristan et Isolde. J'ai rarement été autant transporté par une œuvre orchestrale. D'un point de vue visuel, il est aussi extrêmement fascinant de regarder l'orchestre jouer le prélude. La Mort d'Isolde perd à mes yeux et mes oreilles une partie de son intérêt en l'absence d'une chanteuse pour incarner Isolde. Je ne pouvais m'empêcher d'imaginer la voix de quelque grande chanteuse superposée à ce que j'entendais, et ce sans pour autant gâcher le plaisir d'écouter l'orchestre.

Le concert s'est conclu une œuvre à laquelle je n'ai pris goût que très récemment : l'ouverture des Maîtres Chanteurs de Nuremberg.

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L'Orchestre Colonne à Pleyel

2011-02-05 02:00+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Quel charmant concert que celui qu'a donné ce soir l'Orchestre Colonne ! J'avais sélectionné ce concert sur la seule foi du titre de la première pièce au programme : Gautama Symphonie (Premier mouvement : Naissance et vie de famille). Je ne suis pas déçu par cette œuvre à la musique cuivrée envoûtante (un peu japonisante) alors que j'ai pris place dans un siège de côté à l'arrière-scène. Ce placement est très intéressant parce qu'on a une vue d'ensemble sur l'orchestre (et contrairement aux places plus centrales, les pupitres n'occultent pas les instruments). Les cuivres sont suffisamment éloignés pour qu'on les entendent bien sans qu'ils fassent mal aux oreilles. J'ai eu un peu peur en me rendant compte que j'étais juste derrière la grosse caisse, mais l'instrumentiste ne fera que la caresser doucement avec une brosse ! Quand le compositeur Jean-Philippe Bec est venu saluer, il a joint les mains à l'indienne pour remercier le chef Laurent Petitgirard.

On fait ensuite venir un piano pour le concerto pour piano nº3 de Rachmaninov. C'est la première fois que j'entends une œuvre de ce compositeur en concert. J'en ai surtout apprécié le premier mouvement, qui commence sur un charmant thème. Le deuxième mouvement me plaît un peu moins. Il s'y trouve des passages que j'apprécie et d'autres qui m'énervent un peu. C'est sans que je m'en rende compte que nous arrivons au troisième mouvement qui est un déluge de virtuosité de la part du pianiste Jean-Philippe Collard, qui nous gratifiera ensuite d'un bis (que je n'ai pas identifié, cela ressemblait un peu à du Satie ; d'après une source très bien informée, c'était le douzième prélude de l'opus 32 de Rachmaninov ; à vrai dire, il semblerait que ce soit le cinquième prélude du même opus). Pendant ce concerto, mon placement me permettait de voir très bien les mains du pianiste, mais acoustiquement, tout est prévu pour que le son soit dirigé vers la salle plutôt que vers l'arrière-scène, donc la balance n'était pas toujours idéale. Pas de problème en revanche pour apprécier le très beau son de cor !

Après l'entr'acte, je reviens et constate que le seul percussionniste est maintenant au centre, j'aurai donc de très bonnes conditions d'écoute pendant la première symphonie de Brahms. A priori, je déteste ce compositeur. Pourtant, c'est bien pendant l'écoute de cette œuvre que je me suis le plus éclaté. Je trouve aussi que l'orchestre s'y est vraiment surpassé. Est-ce uniquement la faute à l'étude que j'entrepends ces jours-ci de la Tétralogie de Wagner si je ne peux pas dissocier un des motifs rythmiques Plammm-plam-Plammm-plam que l'on entend dans le premier mouvement de cette symphonie (et qui réapparaît dans le quatrième) à la deuxième partie du motif de l'Adoration de l'or que chantent les filles du Rhin dans la première scène de Das Rheingold. Je me régale pendant les trois premiers mouvements de la symphonie, qui font entendre de très belles nuances. J'ai moins aimé le quatrième et dernier mouvement qui fait un peu trop penser à Beethoven. Les nuances se font moins fines aussi. Pendant certains passages où les cors jouent, on n'entend plus les violons qui produisaient des sonorités un peu wagnériennes que j'aurais préféré entendre mieux. Les autres instruments à vents étaient délicieux à écouter.

Ailleurs : Klari.

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Cleopatra à Garnier

2011-02-02 02:12+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Je reviens de la sixième représentation de la nouvelle production de Giulio Cesare in Egitto, la troisième consécutive pour moi (j'y suis retourné samedi après y être déjà allé jeudi) et la troisième et deux tiers interprétée par Natalie Dessay.

Je suis à une place quasi-symétrique de celle de samedi : première loge 11, place 5, une place d'où l'on voit très bien si l'on consent à se tenir debout. La représentation est filmée (est-ce pour une captation DVD ? des essais pour la retransmission du 7 février ?).

Pas plus cette fois-ci que les précédentes je n'ai eu le sentiment que que la mise en scène fonctionnait (j'ai repéré un truc rigolo non remarqué les deux fois précédentes : parmi les musiciennes de scène habillées en robe à paniers se cache Atsushi Sakaï, un excellent gambiste rendu méconnaissable par le déguisement !). Natalie Dessay et Jane Archibald ont des façons bien différentes d'incarner le rôle de Cleopatra. Jane Archibald jouait le rôle de façon plutôt sérieuse tout du long. Chez Natalie Dessay, qui en rajoute un peu beaucoup, le rôle d'abord léger devient plus sérieux à mesure qu'on avance dans l'opéra. Les plus fins observateurs des premières représentations avaient remarqué que Natalie Dessay portait une poitrine postiche, qui est par moments découverte (il s'agit en fait d'un costume ayant la couleur de la peau) ; Jane Archibald n'a apparemment pas utilisé de tels artifices.

Du côté des voix, j'ai toujours autant apprécié Isabel Leonard (Sesto), Varduhi Abrahamyan (Cornelia) et Lawrence Zazzo (Giulio Cesare). Restait l'inconnue Natalie Dessay. Pendant le premier acte, une petite gêne dans sa voix se laissait souvent percevoir en début de vers. Cependant, même un peu modifiée et malgré la tension de tout le monde, je trouve toujours que c'est un plaisir unique que de l'entendre chanter. Si comme je dis plus haut, elle en rajoute un peu du côté de son jeu, quand elle chante, c'est pour de bonnes raisons qu'elle capte toute l'attention ! Au deuxième acte, elle s'est apparemment un peu plus lâchée : son Venere Bella fut très beau. Bizarrement, Emmanuelle Haïm a semblé faire signe au public d'arrêter d'applaudir à la fin de cet air (pourtant, c'était safe, Giulio Cesare était derrière la porte, attendant de faire son entrée). Plus loin, son Se pietà a été absolument superbe. (Mais il faudrait enfermer le spectateur qui a crié Bravo ! beaucoup trop tôt lors du baisser de rideau.) Au troisième acte, son Da tempeste a été un peu hésitant au début, mais cela s'est très bien fini avec un très beau duo avec Lawrence Zazzo.

Le public m'a semblé carrément frigorifié. À la fin de plusieurs airs du premier acte qui eussent pourtant mérité un tel hommage, il n'y eu aucune interruption pour des applaudissements. À la fin de la représentation, le nombre de baissers/levers de rideau a été moindre que d'ordinaire et les lumières ont été rallumées très vite. Cela dit, quand Emmanuelle Haïm a rejoint les chanteurs pour saluer, Natalie Dessay et elle n'ont plus arrêté de discuter, se désintéressant totalement des saluts.

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Gustavo Dudamel à Pleyel

2011-01-31 00:55+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Les spectateurs qui sont allés ce soir Salle Pleyel comme pour aller voir une rock-star ont été comblés. Les autres apparemment un peu moins.

C'est que le chef d'orchestre tant attendu était Gustavo Dudamel, qui dirigeait le Los Angeles Philharmonic. Je ne l'avais encore jamais vu sur scène. Du coup, Klari m'a plus que très gentiment proposé d'échanger nos places respectives lors de la première partie du concert. Au lieu du dernier rang du premier balcon, je me suis retrouvé en arrière-scène.

La première pièce est une composition assez récente de John Adams, dont j'avais beaucoup aimé Harmonielehre. Il s'agissait de Slonimsky's Earbox, qui m'a bien plu. La deuxième pièce était la première symphonie Jeremiah de Bernstein, qui est beaucoup moins drôle que la précédente...

Gustavo Dudamel a dirigé cette première partie de programme sans faire le moindre excès d'effusion. Il était presque en retenue, battant assez sobrement la mesure (quoiqu'avec une baguette quelque peu flexible dont l'une des extrémités était animée d'un mouvement ondulatoire parasite).

L'entr'acte arrivant, alors que nous sommes tout près d'un célèbre quoique controversé biographe d'Hemingway, je retrouve Klari à qui je rends sa place et file au premier balcon m'installer pour la deuxième partie. La dernière œuvre programmée (hors les bis qui étaient manifestement très programmés aussi) est la septième symphonie de Beethoven que je n'avais entendue avant en concert qu'une seule fois, en juin 2005. Si les pp ont un volume sonore vraiment très faible, les ff sont loin d'atteindre l'extrême symétrique. Je ressens un très bel équilibre entre les différentes parties de l'orchestre pendant un passage du deuxième mouvement où pendant que l'on entend les instruments à vent, les cordes situées à gauche jouent arco tandis que celles de droite jouent pizz.. Le chef se fait ensuite un peu plus bouillonnant ; des grands gestes des mains de bas en haut culminent en sautillements. Le dernier mouvement est joué dans un tempo très rapide.

C'était plutôt pas mal, mais absolument pas au-dessus de la moyenne de ce qu'on entend habituellement Salle Pleyel. Pourtant, les premiers rangs du parterre se sont levés pour faire une standing ovation.

Ailleurs : Klari, Palpatine.

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Giulio Cesare in Egitto à Garnier

2011-01-28 02:39+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Je reviens d'une représentation de Giulio Cesare in Egitto (Händel) à l'Opéra Garnier. Ce fut particulièrement fatigant du fait de mon placement à l'amphithéâtre. Mon strapontin s'avère plus confortable que le siège voisin vacant, quoiqu'on y voie moins bien. (Place d'abonnement payée 45€, je suis sûr que je serai plus à l'aise lors des deux prochaines représentations dans des petites places à 10€, même en restant assis...)

La mise en scène est ratée. Elle est de Laurent Pelly, il y a donc quelques idées rigolotes, mais pour le reste, on a une mise en scène et des décors qui sont presque sans rapport avec l'intrigue. Cela se passe dans un musée, manifestement en Égypte. Les personnages de l'opéra investissent la réserve. Ils sont parfois encadrés ou encagés (dans une boîte en verre avec une légende écrite en arabe en-dessous). Quand ils ont besoin d'accessoires (comme un couteau), ils se servent dans le bric-à-brac. Les manutentionnaires du musée prennent parfois part à l'action. Cela ne me convainc pas terriblement. Gros point noir du côté des lumières. J'en ai rarement vu d'aussi mauvaises. Je ne dis pas qu'il n'y a pas eu parfois des images non désagréables à voir, mais pour la nième fois, quand je vais à l'opéra, j'aime que les chanteurs ne soient pas constamment dans la pénombre.

La soirée est heureusement rachetée par la musique ! Écoutant pas mal de Wagner ces jours-ci, j'ai cependant du mal à ne pas trouver qu'il y a beaucoup de répétitions, dans le texte, et dans la musique, avec cette forme de l'aria de capo. Certains airs me paraissent donc quelque peu interminables, mais c'est apparemment la loi du genre et ce n'est pas désagréable quand ce qui se fait entendre plaît à mes oreilles. La musique est interprétée par Le Concert d'Astrée dirigé par Emmanuelle Haïm qui fait ses débuts à l'Opéra. Dans le rôle de Jules César, Lawrence Zazzo que je n'avais pas revu depuis cinq ans est très bien (certains commentateurs regrettent un manque de projection ; je n'ai pour ma part ressenti aucune gêne pour l'entendre). Dans celui de Cléopatre, Jane Archibald a remplacé Natalie Dessay (elle la remplacera aussi le 29 janvier). Quelques hurluberlus l'ont huée lors des saluts alors qu'elle a fait une excellente prestation. Dans le rôle secondaire de Nireno, Dominique Visse ne chante pas beaucoup, et ne fait heureusement pas trop de pitreries, parce que c'est d'un fatigant... Christophe Dumaux s'en sort très bien dans le rôle de Tolomeo. Si Varduhi Abrahamyan est très convaincante en Cornelia (épouse de Pompée dont la tête a été offerte en cadeau à César au début de l'opéra), la révélation de la soirée vient d'Isabel Leonard dans le rôle de Sesto (le fils de Pompée).

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Benjamin Alard aux Billettes

2011-01-22 01:02+0100 (Orsay) — Culture — Musique

À l'Église des Billettes, il y avait ce soir un concert de Benjamin Alard au clavecin : Le clavier bien tempéré, Premier livre (Première partie). Je ne suis pas arrivé très en avance, mais j'ai aperçu en arrivant la place la plus excentrée du deuxième étage, avec vue plongeante sur l'instrument, même sans avoir à me pencher sur la rambarde puisque les deux claviers s'encadrent plus que largement entre deux barreaux. J'ouvre le programme et suis presque tenté de redescendre le changer contre un correspondant au bon concert. Je suis en effet très surpris de voir que le premier prélude & fugue programmé n'est pas catalogué BWV 846, mais BWV 857. Je me dis, ah, il va jouer les douze premiers préludes & fugues dans le désordre. En fait, même pas, il s'agit seulement de la première moitié d'une partition arbitraire de l'ensemble des vingt-quatre préludes & fugues du premier livre (on cherchera en vain une explication dans le programme). On entendra ainsi successivement les préludes & fugues numérotés XII, XI, XXI, XVI, I, XX, V, XV, X, XXIII, XIV, XXIV.

Je ne sais pas ce qu'il faut incriminer. Les lumières insuffisantes qui projetaient la tête et les épaules de l'interprète en ombre sur la partition et le milieu des claviers ? Un instrument déficient ? Toujours est-il qu'il m'a semblé que le concert nous a fait entendre un nombre inhabituellement élevé de couacs. Les plus flagrants étaient pour moi dans le seul prélude de Bach dont je connaisse la partition vraiment par cœur, à savoir le premier (cinquième dans l'ordre du programme) : des notes à la fin de certaines mesures ont apparemment été jouées en mode silencieux.

Je ne dis pas qu'il n'y a pas eu des moments intéressants, j'ai eu une bonne première impression (m'amusant à voir ses mains parcourir les claviers comme des crabes qui se rejoignent parfois) et j'ai plutôt bien aimé son interprétation des préludes & fugues V et X. Mais, finalement, je suis déçu par ce concert et je ne suis pas trop mécontent de ne pas être disponible pour la deuxième partie (notez la publicité mensongère : le dernier prélude & fugue a déjà été joué ce soir...).

La fin du concert a produit une scène très étrange. Parfois, à la fin de certaines œuvres (comme les Passions de Bach et quelques autres), après que la dernière note s'est tue, le chef d'orchestre garde parfois les mains en l'air et le public, quand il comprend le message, maintient un silence respectueux tant que les mains restent en suspension. Je ne m'explique pas ce qui s'est passé ce soir : quand Benjamin Alard a terminé le prélude XXIV (qui est très long par rapport aux autres), il a été récompensé par un silence de mort, glacial. Je n'ose pas imaginer ce qui a pu se passer dans la tête de l'interprète à ce moment-là. Il était pourtant très-évident qu'il en avait terminé avec son programme (pas la peine d'avoir compté que douze préludes & fugues avaient passé !). Au bout d'une bonne dizaine de secondes de silence absolu, il y a de quoi hésiter entre se faire remarquer en lançant le mouvement et l'intérêt de l'expérience sociologique consistant à observer au bout de combien de temps les applaudissements vont démarrer. Je n'avais pas de chronomètre, mais je pense qu'il s'est écoulé entre trente secondes et une minute avant que quelqu'un se décide à soulager tout le monde. Quelques bravos enthousiastes.

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Au retour, galère de RER B, j'ai mis un peu moins de deux heures à rentrer. Cela m'a permis de terminer ma lecture du deuxième roman de Tatiana Arfel, Des clous.

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Concert Brahms/Chostakovitch à Bastille

2011-01-19 00:51+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Je reviens du concert de l'Orchestre de l'Opéra de Paris dirigé par Philippe Jordan à Bastille. Je n'y allais évidemment pas pour le concerto pour piano nº2 de Brahms, un compositeur qui m'ennuie peut-être même encore plus que Schumann. Comme je l'avais constaté l'année dernière, ce type de concerts attire un public assez différent, plus jeune que d'ordinaire pour le lieu (s'ils reviennent ensuite, tant mieux !) ; un jeune couple se retrouvera d'ailleurs dans le même quatuor de places assises dans le RER B et je ne résisterai pas à la tentation de trancher le débat qui les animait en faveur de la demoiselle sur la question de savoir si c'était sonorisé ou non. Palpatine rencontré à la sortie s'étonnait de ce qu'on eût réussi à remplir la salle. C'est pourtant évident : les billets étaient à des prix relativement modérés.

Je n'étais pas venu pour le Brahms, mais je n'imaginais pas que ce concerto serait pour moi un tel supplice. Quelle monstruosité ! Je ne dis pas que c'était mal joué, qu'il n'y avait pas des moments où les sonorités du piano et les nuances n'étaient pas jolies, mais ce concerto semble être une très mauvaise plaisanterie tellement le niveau de virtuosité gratuite qu'il paraît exiger paraît indécent. On y trouve plein d'effets du plus mauvais goût, surtout dans les deux premiers mouvements. L'obscurité n'ayant pas été faite complètement dans la salle, ma voisine a carrément repris la lecture d'un roman. Je l'aurais presqu'encouragée. Ce que je ne cautionne pas, cependant, c'est qu'elle le rouvrît lors de la quinzième symphonie de Chostakovitch, qui elle n'est pas du tout une plaisanterie, malgré les multiples citations de l'ouverture de Guillaume Tell que l'on entend dans le premier mouvement. C'est parfois tendu, angoissant, mais formidablement beau (notamment grâce aux cuivres et aux percussions, aux solos de violoncelle, etc.), et cela se termine dans une sorte d'apaisement. On aura entendu entretemps le leitmotiv du Sort de la tétralogie de Wagner au tout début du quatrième mouvement.

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Thomas Hampson au TCE

2011-01-16 23:45+0100 (Orsay) — Culture — Musique

J'ai rarement passé une soirée aussi pourrie lors d'un concert. D'abord, au niveau de la programmation, il y a tromperie sur la marchandise. Qu'il y ait çà et là, occasionnellement, des retouches aux programmes, des modifications dans les distributions, soit, mais qu'on remplace Winterreise par tout autre chose (avec un peu de Schubert quand même), c'est se moquer du monde.

Ensuite, il y avait à ma droite, avec heureusement un siège vacant d'isolation, un homme dont la respiration faisait un bruit invraisemblable de soufflerie (imaginer quelqu'un qui ronfle, mais éveillé). Très régulier en plus, presque synchrone avec le tic-tac d'une montre bruissant dans les environs. Quand deux spectateurs assis devant lui ont chuchoté pour se dire que c'était insupportable, il leur a carrément mis un petit coup dans les côtes.

Bref, pendant tout concert, il m'a été pratiquement impossible de me concentrer. Les extraits de Schwanengesang ne m'ont pas vraiment ébloui. L'ambiance a pas mal changé avec quelques Songs de Barber, mais en fait, il n'y a que les deux derniers des Kindertotenlieder de Mahler qui m'aient vraiment plu. Ajouter à la liste des motifs de mécontentement la manie du pianiste Wolfram Rieger de faire durer, durer interminablement la fin de chaque morceau, et une fois que la dernière corde a été frappée, la pédale enfin relâchée, laisser en suspension les mains pendant quelques secondes encore avant de passer au Lied suivant.

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Deux concerts baroques

2011-01-16 01:28+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Vendredi soir, récital de clavecin de Pierre Hantaï à l'Église des Billettes. Le clavecin est positionné dans un angle qui doit faire que seulement une poignée de spectateurs puissent apercevoir ses mains. Au programme de la première partie, on trouve principalement des pièces de compositeurs anglais datant du début du dix-septième siècle, mais aussi de Rossi et de Frescobaldi. Je ne connaissais pas du tout ces œuvres. L'austérité d'un récital de clavecin dans une église toute obscure ne se fait plus sentir après quelques minutes de l'enchantement qu'est l'interprétation du claveciniste. Après l'entr'acte, lumières éteintes, l'interprète ne revient pas. Il devait peut-être décider en dernière minute des Pièces à déterminer annoncées, puisques une fois arrivé, il a annoncé qu'il avait vu ça dans le programme et qu'il jouerait quelques préludes et fugues de Bach. Après ceux-là, gag, il tourne les pages de son classeur dans tous les sens. Visiblement, pas de Suite anglaise nº2. Au bout de quelques minutes, ne le voyant pas revenir des coulisses, je commençais à me dire qu'il y aurait un changement de programme, mais il est bien revenu, partition en main nous l'interpréter ainsi que de nombreux bis.

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Ce soir, salle Pleyel, avait lieu un concert intitulé L'Orchestre de Louis XV. Le relatif volume sonore des percussions baroques et l'absence de voix m'avaient fait choisir de prendre une place à l'arrière-scène. Cela m'a permis de voir que la salle était très pleine (signes distinctifs : bergeries complètes, quelques places vacantes seulement au fond du deuxième balcon). L'ensemble orchestral est L'Orchestre des Nations, dirigé par Jordi Savall. Quelques jeunes musiciens suivant une formation d'interprétation de la musique ancienne ont rejoint l'ensemble. À la fin du concert, on verra quelques gestes amicaux de félicitations des anciens envers les plus jeunes.

C'est que ce concert a été un ravissement. J'ai toujours aimé Rameau, mais hors opéra (Zoroastre et Platée), je n'avais entendu en concert que des pièces jouées sur clavecin seul, exception faite du Troisième concert (1741) il y a trois ans lors d'un concert Salle Gaveau où tous les interprètes avaient pour nom de famille Hantaï ou Kuijken. Au programme, il y eut les suites pour orchestre Naïs, Les Indes galantes, Zoroastre et Les Boréades. Après cela, je crois que je vais me mettre à cocher tous les concerts Rameau qui passent.

Je ne sais plus après quel morceau contenant un solo de flûte, j'ai regardé la liste des interprètes dans le programme et me suis dit, bien sûr ! c'est Marc Hantaï que j'aurais pourtant dû reconnaître de dos, rien qu'à la chevelure. Juste devant moi se trouvent deux cornistes. Derrière leurs chaises sont posées plein de tubes. Pendant presque tout le concert, ils feront atelier montage et démontage. Entre deux manipulations, il joueront, fort bien. Le drôle d'instrument du jour est la musette de cour, une sorte de cornemuse que l'on entend dans les mouvements justement intitulés Musette. À propos des techniques de jeu, pendant les Tambourins de Naïs, j'ai vu les second violons jouer de leur instrument comme s'il s'agissait d'une guitare (en fait, vu la taille, plutôt un ukulélé) ! Amusant, je pense que c'est la première fois que je vois cette technique. La disposition des violonistes est inhabituelle aussi, puisqu'à un moment donné, je me suis dit qu'il devait y avoir un gros problème de synchronisation entre les seconds violons. En fait, celui qui n'était pas synchro' avec les autres semblait jouer la partie des premiers violons.

Ailleurs : Palpatine, Musica Sola.

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Éonnagata au TCE

2011-01-02 01:28+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Danse — Théâtre

Étant tombé récemment sur une vidéo de Sylvie Guillem, je m'étais dit que ce serait bien d'aller la voir danser un de ces jours. C'était le bon moment puisqu'une série de représentation de Éonnagata était programmée au Théâtre des Champs-Élysées.

C'est un très beau spectacle, mais commercialement, ç'a l'air d'être un ratage monumental en dépit d'une importante campagne d'affichage publicitaire. Je n'ai jamais vu le Théâtre des Champs-Élysées aussi vide, il n'y avait par exemple presque personne au deuxième balcon. Curieusement, le parterre était presque plein : sans doute des ninjas et des invités. Les places étaient à 15€, 40€, 60€, 78€ et 95€. J'ai fait un fort bon tirage, puisque pour 15€, j'ai eu une place au premier rang de corbeille, certes excentrée, mais qui ne laissait qu'un petit angle mort au fond du côté cour, d'autant plus que j'ai pu me décaler un peu grâce aux places vides...

Les trois concepteurs du spectacle, Sylvie Guillem, Robert Lepage et Russell Maliphant en sont aussi les interprètes. Ils jouent, parlent, chantent, dansent tous les trois. L'histoire est très facile à suivre, peut-être un peu trop d'après Rosita Boisseau dans Le Monde. En effet, dès après quelques minutes, Sylvie Guillem raconte un résumé de l'histoire du chevalier d'Éon, espion travesti dont l'identité sexuelle fut plus qu'ambiguë ; il est alors aisé de reconnaître dans chaque scène le moment de la vie du chevalier auquel elle renvoie.

Dans les scènes dansées, Sylvie Guillem et Russell Maliphant paraissent plus à l'aise que Robert Lepage, qui s'en sort quand même fort bien. Un passage des plus spectaculaires se trouve au début du spectacle, qui semble représenter une leçon de clavecin qui dégénère. Les clavecins sont figurés par de simples tables en bois qui seront réutilisées à d'autres fins par la suite. Les danseurs sautent, glissent sur les tables, tournent. Dans cette scène et d'autres, Sylvie Guillem est impressionnante de fluidité et de souplesse.

Dans ce spectacle, tout tourne autour de l'ambiguité du personnage. Pour le spectateur, il y a également ambiguité sur l'interprète. Ainsi, à un moment, on croit voir paraître un homme en ombres chinoises au fond de la scène. Mais c'est Sylvie Guillem, dont le costume aura été rembourré à l'entrejambe. La mise en scène est ainsi véritablement magique. Même au plus près de la scène, on est constamment surpris par les tours qui sont faits, comme dans cette scène située vers la fin du spectacle où lorsque Russell Maliphant se regarde dans un miroir (fixé sur une table en bois), sans qu'on l'ait vue arriver, Sylvie Guillem reproduit les mouvements de son partenaire en symétrique. Cette magie se trouve aussi dans la manipulation de marionnettes géantes et dans les nombreux changements de costumes et d'accessoires qui se font derrière d'étroits rideaux noirs qui traversent la scène. Parmi les merveilleuses trouvailles de mise en scène, on compte aussi des accessoires qui changent subitement de fonction, comme lors de la scène où le chevalier fait une chute de cheval. Les lumières de Michael Hulls sont très belles aussi : souvent, ce sont elles qui créent une sorte de décor mouvant dans lequel évoluent les interprètes.

Le spectacle renvoie aussi à la culture japonaise, mais de façon plutôt modérée. Outre la géante marionnette, on verra une référence aux tambours japonais tels qu'on pouvait les voir et les entendre dans Kaguyahime.

Bref, ce me semble être un spectacle très intelligement conçu, très beau, très intelligible (il diffère en cela de Passion de Dusapin/Waltz). Il reste encore plein de places à vendre pour les six dernières représentations...

Ailleurs : Anne Deniau.

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Bilan 2010

2010-12-31 23:59+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra — Danse — Lectures — Culture indienne

Cette année, sauf erreur de comptage, j'ai vu environ 107 spectacles (dont 26 à l'Opéra Garnier, 20 à l'Opéra Bastille, 14 Salle Pleyel, 10 au Théâtre des Champs-Élysées et 8 au R. K. Swamy Auditorium à Mylapore...). Sur l'ensemble, j'en ai chroniqué 77. Comme il ne serait pas très raisonnable d'augmenter encore ces nombres, à l'avenir, il faudra bien faire des choix.

Du côté des spectacles en rapport avec l'Inde, j'ai eu l'occasion de diversifier un peu les genres et les lieux. Voir des spectacles en Inde pendant de courts séjours demande un peu d'organisation et un peu de chance. Pour ce qui est du bharatanatyam, le spectacle de Srithika Kasturi Rangam vu à Chennai a été énorme choc pour moi : c'est le récital qui m'a fait comprendre que cette danse pouvait être véritablement narrative. Les nombreux autres récitals vus m'ont un peu mieux familiarisé avec le langage de cette danse. Pour ce qui est du kuchipudi, j'ai vu deux très beaux récitals cette année : Smt. Radha Prasanna à Chennai et Shantala Shivalingappa aux Abbesses. Mon dernier séjour à Kolkata m'a donné l'occasion d'entendre la jeune Gaayatri Kaundinya interpréter le Raga Maru Bihag, ma première rencontre vraiment réussie avec la musique vocale du Nord de l'Inde. À Mumbai, j'ai pu entendre Aruna Sairam dans un superbe programme de musique carnatique. Certes, j'ai aussi vu Amitabh Bachchan au TCE, mais comme ce spectacle ne m'a pas laissé un souvenir impérissable, cela ne pourra plus guère que me servir à impressionner d'éventuels Indiens qui me demanderaient si j'ai entendu parler d'Amitabh Bachchan...

Du côté de l'opéra, je retiendrai notamment les productions suivantes qui m'ont fait découvrir quelques œuvres du répertoire : Norma mise en scène par Peter Mussbach, Les Contes d'Hoffmann mis en scène par Robert Carsen, Pelléas et Mélisande à l'Opéra Comique, Don Giovanni au TCE, Eugène Onéguine à Bastille, Ariadne auf Naxos à Bastille. Cette année, j'ai également pu voir le prologue et la première journée de la Tétralogie de Wagner : Das Rheingold à Bastille, Die Walküre à Bastille. J'espère avoir le temps de mieux me préparer aux deux derniers opéras pour mieux en apprécier la musique de Wagner et la mise en scène de Günter Krämer. S'ils ne sont pas les plus intéressants qui soient dans l'absolu, deux opéras m'ont enthousiasmé parce qu'ils ont confirmé mon goût pour la voix de Natalie Dessay (La Sonnambula à Bastille, id. (deuxième)) ou éveillé mon intérêt pour celle de Joyce DiDonato (La donna del lago à Garnier, id. (suite)), une chanteuse que j'ai aussi eu l'occasion d'entendre deux fois au TCE en récital. Si je n'ai pas pu entendre Jonas Kaufmann dans Werther, j'ai beaucoup apprécié son interprétation de La Belle Meunière. Une production aux dimensions modestes m'a particulièrement enthousiasmé : Une Flûte Enchantée aux Bouffes du Nord.

Mon goût pour le ballet s'est confirmé. Parmi les moments forts de cette année, il y a eu Le spectacle de l'école de danse de l'Opéra (dans lequel j'ai particulièrement apprécié Piège de lumière de John Taras), Dorothée Gilbert dans Le Concert de Jerome Robbins, La Bayadère à Garnier, Kaguyahime à Bastille (où j'ai préféré Alice Renavand à Agnès Letestu dans le rôle de la princesse), Le défilé du ballet et Roland Petit à Garnier (Nicolas Le Riche dans Le Jeune Homme et la Mort, la musique de Dutilleux dans Le Loup, Isabelle Ciaravola dans Le Rendez-Vous), Parzival à Garnier (où j'ai découvert Harmonielehre de John Adams), Le Lac des cygnes à Bastille et enfin Le Sacre du Printemps à Garnier.

Pour ce qui est de mes lectures, les bilans sont sur le Biblioblog. Cette année, contrairement à l'année dernière, je n'ai lu que 62 livres. Il faut dire que depuis un peu plus de six mois, cette activité est concurrencée par un début d'apprentissage du piano, qui avance tout doucement...

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